Si nos piden que digamos el título de una película en la que se muestren los entresijos de la mafia, la primera que les viene a la cabeza al 95% de las personas es, sin lugar a dudas, “El padrino” de Coppola. No voy a poner en duda que esta película es una obra maestra en todos los sentidos: dirección, ambientación, interpretación, narrativa, banda sonora y cualquier otro aspecto valorable, cinematográficamente hablando. Pero (y sí, siempre hay un pero) Pero si tomamos “El Padrino” como una trilogía sobre la mafia italiana afincada en los Estados Unidos de América, veremos que la cosa (nostra) hace aguas con la segunda y, sobre todo, tercera entrega. Es por este motivo que quiero reivindicar la trilogía “Outrage”, dirigida por Takeshi Kitano, ahora que está disponible al completo en la plataforma Amazon Prime.

Kitano empezó su carrera artística formando parte del dúo humorístico “Two Beat”, los que ya tenemos una edad recordaremos esa etapa suya de cuando se emitió por la televisión privada el programa original “Takeshi’s castle” (nada que ver con lo que se está emitiendo ahora) y que aquí se tradujo desacertadamente como “Humor amarillo”. Con el éxito, Kitano empezó a interpretar roles serios en producciones cinematográficas para, con el tiempo, ponerse detrás de las cámaras. Las películas de Kitano giran alrededor del drama mafioso o policial, utilizando un negro sentido del humor a la vez que invita a la reflexión creando personajes ambiguos entre el bien y el mal pues, simplemente, son fieles a sus principios morales.

“Outrage” dirigida e interpretada por Takeshi Kitano se estrenó en el 2010 y fue distribuida internacionalmente por la Warner Bros. En ella se retratan los tejemanejes de diferentes familias de yakuza disputándose el poder en los negocios sucios. Otomo (Interpretado por Kitano) está del lado del clan Ikemoto luchando contra los del clan Maruse en una disputa territorial. Si esta guerra abierta da los frutos esperados, Otomo, como brazo ejecutor de todo el plan, espera ascender en el escalafón de poder que rige la organización criminal.

Esta primera entrega retrata el ambiente sórdido por el que se mueven los integrantes de la mafia japonesa. Un oscuro mundo de tiroteos a plena luz del día y de meñiques cortados. Drogas, prostitutas, bares de alterne, casinos ilegales, asesinatos, ocultación de cadáveres, extorsión, usura, tráfico de influencias, traiciones, corrupción policial, persecuciones en coche… todo un sinfín de actos criminales destinados a aumentar el territorio de acción del clan junto con los beneficios.

Mantener el respeto de las otras familias requiere brutalidad y contundencia, y esa es la especialidad de Otomo. Mandar mensajes a los otros clanes a través de acciones violentas a la vez que se intenta conservar las relaciones entre ellos, conforma un delicado equilibrio que el filme nos muestra de manera muy concisa y directa (véase la escena del dentista, por ejemplo).

Kitano deja el peso de la interpretación a todo el elenco de actores mientras él se centra en su trabajo de dirección. No obstante, las escenas en las que hace aparición quedan llenas con su presencia. Interpretación sencilla y comedida, muy al estilo japonés, pero que impone y da credibilidad a un personaje feroz y sin escrúpulos (la parálisis facial que sufre el actor ayuda muchísimo en este aspecto). Enigmático y opaco, nunca sabes que está pensando cuando te mira a los ojos con esa media sonrisa tan bien entrenada.

“Outrage” está compuesta por largos planos y le cuesta de arrancar. La primera escena, donde se nos presentan a todos los personajes, es una larga conversación negociadora en la que se apoya el resto del film. 20 minutos de diálogos en la que el espectador irá más que perdido pues estos diálogos cobran sentido más adelante, cuando uno se ha familiarizado con los personajes y sabe, por fin, quien es quien, a que clan pertenece cada personaje y que puesto ocupa dentro de él. La violencia llena todo el metraje, ya sea comedida o explícita, y en muchas ocasiones Kitano apagará la cámara para mostrar solamente las consecuencias de la brutalidad yakuza. De la misma manera que el filme empieza lento, este va cogiendo ritmo a medida que pasan los minutos y, una vez está lanzado, el espectador podrá ver como es la mafia japonesa por dentro y toda su variedad de negocios. Igual que una vieja locomotora diesel que arranca despacio, el filme coge su velocidad máxima cuando se acerca al final, con muertes y sangre por doquier y un tremendo giro inesperado de los acontecimientos.

En 2012 se estrena “Outrage 2” o “Outrage Beyond” como se conoce internacionalmente. Los hechos narrados en la primera entrega traen cambios en la organización de los clanes. Siguen las luchas por ampliar el negocio, pero ahora son los miembros jóvenes quienes tienen más influencia que los veteranos, situación inadmisible para la mentalidad japonesa. Aunque se pretenda modernizar la yakuza, los viejos no están nada contentos con este cambio de paradigma, a la vez que se acrecientan sus sospechas sobre la conspiración llevada a cabo durante el primer filme. Tampoco la policía está conforme con esta nueva situación, los jóvenes no conocen ni dios ni dueño, y conspirará para que los veteranos vuelvan a tomar el poder de la mafia. Por su lado, Otomo sale de cárcel después de 5 años, y ya va siendo hora de que se cobre su particular venganza por lo ocurrido en la primera entrega.

En esta continuación Kitano nos ofrece un guion mucho más elaborado y complejo. Ya no interesa mostrar el negocio de la mafia, pues ya lo hizo con todo lujo de detalles durante la primera película, sino que prefiere centrarse en la guerra entre familias, sus traiciones y sus intrigas por el poder. Aquí veremos muchos más ajustes de cuentas y la brutalidad con la que estos se llevan a cabo. Kitano tiene menos presencia en pantalla, pero su trabajo detrás de la cámara mejora respecto a la primera película. La complejidad de los planos y las secuencias es mucho mayor y el guion contiene muchos giros que nos mantendrán amorrados a la pantalla hasta el minuto final.

La segunda entrega es superior (en mi humilde opinión) a la primera en cuanto a historia y ejecución. Quizás la película no sea tan “educativa” como la primera, pues ya no se centra en los diferentes chanchullos de la organización, sino que ahora ahonda en las relaciones entre sus miembros, poniendo toda la atención en la parte humana. Aquí los actores se crecen, Kitano se aparta, les da rienda suelta y deja que se explayen para construir personajes realmente profundos e interesantes. El espectador tiene la oportunidad de conocer las motivaciones de cada uno de ellos, cosa que no ocurría con la primera de la trilogía. La labor de Kitano de dar forma lógica a todo el revoltijo de emociones, envidias, venganzas, egos y ansias de poder es encomiable. Nadie está a salvo. Es un todo contra todos donde los pactos verbales se los lleva el viento.

“Outrage 3” o “Outrage Coda” se estrena en Japón en 2017 poniendo el punto y final a esta trilogía sobre la yakuza. Otomo está en Corea donde rige un casino y un negocio de prostitución. Las cosas van más o menos bien hasta que un yakuza mata a un empleado del Señor Chan, el protector de Otomo. Esta afrenta no puede quedar impune y Otomo se verá obligado a volver a Japón para resolver el asunto como solamente un verdadero yakuza sabe hacer, a la vieja usanza.

El colofón de “Outrage” no podía ser mejor. Esta tercera parte quizás sea la entrega más floja de la trilogía debido a que los personajes ya empiezan a estar gastados, los años no pasan en balde, ni siquiera para los que están fuera del sistema. También se pierde el impacto que causó, sobre todo la primera película, mostrando los métodos expeditivos y desalmados de la mafia nipona. Estos ya no sorprenden al espectador pues se ha  perdido la novedad y ya nos hemos familiarizado con su brutalidad y contundencia. Sin embargo, Kitano firma un guion todavía más complejo lleno de conspiraciones y traiciones que consigue mantener al espectador en vilo hasta la gran traca final.

Para este film, un Kitano mucho más maduro gana protagonismo delante de la pantalla y lleva la mayor parte del peso de la interpretación sobre sus hombros. Con un presupuesto mucho más holgado que en las anteriores películas, las escenas de acción resultan espectaculares y se nota que se ha tirado la casa por la ventana, el tiroteo en cámara lenta en la fiesta es una magnífica muestra. Puedo afirmar con total seguridad (y vehemencia) que en “Outrage 3” encontramos a un Takeshi Kitano totalmente desatado, metido en su propia salsa, que nos brinda un cierre espectacular para su trilogía sobre la yakuza y que no decepcionará a los amantes del cine de acción.

La trilogía “Outrage” es una de esas maravillas que nos ofrece el cine japonés que ahonda en las organizaciones criminales niponas y las relaciones entre sus miembros. La yakuza abierta en canal mostrando sus entrañas al espectador en un desfile de violencia, conspiraciones y humor negro profundo. La historia de un mafioso de medio pelo que busca prosperar dentro de la familia donde la obediencia a los superiores (padres) y el honor hacia sus semblantes (hermanos) lo es todo. Una filosofía que desciende directamente del código de honor del samurái que conlleva a la muerte a todo aquel que se aparte del camino marcado. Kitano nos regala una historia profunda, repleta de personajes bien trabajados (y mejor interpretados) llena de intrigas y acción a partes iguales. Un espectáculo cinematográfico de primer orden y de excelente factura a descubrir para los que aún no la conocen, para ahondar en ella los que se quedaron con la primera entrega y para revisar con urgencia los que ya la conocen.

Albert Solé Jerez
www.japaniums.blogspot.com

[Crítica sin spoilers] La esperamos desde el primer rumor de su posible existencia, con unas expectativas casi crueles, con una espera que se nos hizo agobiante, y después de tenernos 242 minutos, que se nos hicieron extremadamente cortos, enganchados a una pantalla mostrándonos la acción en 4:3,  hay que decir que “Zack Snyder’s Justice League” es la rotunda obra maestra que estábamos esperando.

¿La mejor película de superhéroes de la historia? Eso cada uno lo valorará después de verla según su criterio, pero sin duda alguna lo que es indiscutible es que el cine de acción de superhéroes (un formato totalmente diferente al hiperrealismo propuesto por Nolan y Todd Phillips) ha alcanzado un nuevo nivel hasta ahora desconocido con esta continuación directa de las excelentes “Man of Steel” y “Batman v Superman”, ambas ridiculizadas, insultadas y menospreciadas por la crítica y los medios de comunicación de forma constante y permanente, ahogados en su propia ignorancia, prepotencia y odio irracional a lo que no comprenden.

Algo totalmente opuesto a la opinión de la gran mayoría de fans de DC Comics, que ven en ellas y en Zack Snyder una oportunidad histórica de llevar el cine de acción de superhéroes a un escenario totalmente alejado de los personajes planos, bromas fáciles y guion para espectadores que lo único que buscan es pasar un rato divertido, sin muchas más pretensiones intelectuales.

¿Ha cumplido “Zack Snyder’s Justice League” las expectativas?

Empezar un film poniéndole el listón lo más alto posible en todos los aspectos nos condiciona todo el metraje, pero “Zack Snyder’s Justice League” es tan buena que no solo ha cumplido con las expectativas, sino que ha sentado las bases para un nuevo nivel de calidad nunca antes visto en el cine de acción de superhéroes, des del minucioso trabajo de fotografía hasta la brutal banda sonora de Junkie XL, años luz de las últimas producciones cinematográficas de DC…

Eso sí, la tarjeta roja se la lleva HBO España, que a diferencia del resto de países no solo no ha ofrecido la película en calidad 4K, sino que además su plataforma ha sufrido graves problemas de bitrate perjudicando la experiencia de la audiencia española. ¿Pagar por un servicio de streaming o descargar una película de forma ilegal? Lo que no tiene sentido es pagar por un servicio arcaico que a nivel técnico no está a la altura de las circunstancias ni de la competencia.

Zack Snyder repara el daño causado a los personajes de Wonder Woman, Aquaman, Mera y el Joker

A estas alturas hay poco que añadir sobre las películas en solitario de algunos de los personajes que aparecen en “Zack Snyder’s Justice League”. El descalabro total de Gal Gadot en “Wonder Woman 1984”, después de una irregular primera incursión en solitario, situaba su personaje en un camino muy difícil de reconducir por culpa de Patty Jenkins. Y Zack Snyder nos ha mostrado, por segunda vez, como Wonder Woman, y por extensión las Amazonas, pueden llegar a ser unos personajes memorables y Gal Gadot una actriz a la altura de lo que se le exige, la superheroína por excelencia. Lo mismo para el Joker de Jared Leto, llevado a un nuevo nivel totalmente opuesto a lo que vimos en “Suicide Squad”, donde fue totalmente ninguneado por David Ayer.

Y por último, ver a Jason Momoa y Amber Heard mostrando lo mejor de sus personajes, después de la total vergüenza ajena que nos hicieron pasar en la infumable “Aquaman” de James Wan, ya no queda ninguna duda de que Zack Snyder no solo es una leyenda del cine de superhéroes, sino que su inmenso talento saca lo mejor de cada actor.

Flash, Alfred y Cyborg, los grandes beneficiados

Sin duda alguna los personajes que más nos han cautivado, junto a los impecables Batman, Louis Lane, Martha Kent, y Superman, han sido Flash, Alfred y Cyborg, todos ellos con grandes momentos en pantalla bordados con una gran interpretación, aportando la parte más trágica y divertida al filme. Sí, divertida, por qué “Zack Snyder’s Justice League” además de emocionarnos (y mucho) también nos ha hecho reír.

No hay futuro para DC y Warner, sin Zack Snyder

Si finalmente DC y Warner deciden prescindir de Zack Snyder, que no quepa la menor duda que el DCEU nunca podrá competir con el MCU, y será totalmente relegado a un papel secundario sin posibilidad de discusión alguna, por mucho que intente construir una versión paralela con “The Batman” de Matt Reeves y Robert Pattinson. Seguir la estela de “Birds of Prey”, “Wonder Woman 1984”, “Aquaman” y de las pasables “Suicide Squad” y “Shazam”, solo puede llevar al DCEU al fracaso, y a un ritmo acelerado. Mucho cuidado con dar continuidad al peligroso trabajo de Patty Jenkins y a James Wan, pueden destruir todo lo que Zack Snyder ha construido hasta el momento para la franquicia.

Epílogo

¿Alguien tiene también la sensación de que una pequeña parte de esta misma película la soñamos una mala noche, y estaba dirigida por Josh Weddon? Quizás pasamos demasiadas horas enganchados a la pantalla 😉

“Justice League” de Zack Snyder es sin duda alguna la película de superhéroes más esperada de este 2021, la versión definitiva de la Liga de la Justícia según la visión de su propio director original. Este esperado film se estrenará el próximo 18 de marzo en Estados Unidos mediante streaming después de la gran campaña de los fans que hizo cambiar de parecer a Warner Bros.

¿Se podrá ver en España y en Latinoamérica el mismo día? Sí, en distintas plataformas. Dependiendo del país en el que vivas, podrás ver el Snyder Cut en distintas plataformas de video on demand, e incluso en HBO, solo en algunos territorios. A continuación encontrarás la lista definitiva de donde podrás ver la versión definitiva de Justice League en España y Latinoamérica. En territorio latinoamericano estará disponible desde el 18 de marzo hasta el 7 de abril en estas plataformas.

Dónde ver el Snyder Cut de Justice League

• España: estará disponible directamente en HBO, a través de sus servicios, tanto en inglés como doblada al español.
• México: App de Apple TV, Tienda de Prime Video, Cinépolis Klic, Claro Video, Google Play, Izzi, Megacable, Total Play, Axtel, Microsoft Store.
• Argentina: App de Apple TV, Google Play, Direct TV.
• Chile: App de Apple TV, Google Play, Cinépolis Klic, Direct TV.
• Colombia: App de Apple TV, Google Play, Cinépolis Klic, Direct TV.
• Perú: App de Apple TV, Google Play, Cinépolis Klic, Direct TV.
• Ecuador: App de Apple TV, Google Play, Direct TV.
• Uruguay: App de Apple TV, Google Play, Direct TV.
• Venezuela: App de Apple TV y Google Play.
• Costa Rica: App de Apple TV, Google Play y Cinépolis Klic.
• República Dominicana: App de Apple TV, Google Play y Altice.
• Honduras: App de Apple TV, Google Play y Cinépolis Klic.
• Nicaragua: App de Apple TV y Google Play.
• Bolivia: App de Apple TV y Google Play.
• Paraguay: Google Play.
• Panamá: App de Apple TV, Google Play, Cableonda, Cable & Wire.
• Guatemala: App de Apple TV, Google Play y Cinépolis Klic.
• El Salvador: App de Apple TV, Google Play y Cinépolis Klic.
• Brasil: App de Apple TV, Google Play, Claro, Looke, Microsoft Store, PlayStation, Sky, Uol Play, Vivo, WatchBr.
• Islas del caribe: App de Apple TV y Direct TV.

Han pasado 33 años desde que Eddie Murphy triunfara con su personaje de Kareem, el príncipe rebelde que escapa del micropaís africano Zamunda para evitar una antigua tradición que le obliga a contraer matrimonio con una mujer a la que nunca ha visto. Su huida lo llevó a Queens donde se puso a vivir de forma modesta para, así, conseguir encontrar a una mujer que le quiera por como es y no por su fortuna. Acompañado en todo momento por Semmi (Arsenio Hall), Kareem conoce a Lisa McDowell (Shari Headley) con quien vuelve a su país y acaba casándose.

El paso del tiempo nos muestra que el matrimonio formado por Kareem y Lisa vive felizmente y sin preocupaciones en palacio junto a sus tres hijas. Y este es el problema, que las leyes patriarcales que regulan el país no permiten que una mujer herede el trono de Zamunda. La suerte hace acto de presencia en forma de revelación. Baba, el brujo y médico de palacio ha tenido un sueño en el que se le muestra que Kareem tiene un primogénito varón concebido de forma fortuita durante su estancia en Queens. No queda otro remedio que partir en su búsqueda y convertirlo en el nuevo heredero al trono.

Este es el punto de partida de “El rey de Zamunda”, film estrenado en la plataforma digital Amazon el 5 de marzo de este 2021 y que está dirigido por Craig Brewer. La película es una secuela de “El príncipe de Zamunda” y recupera a los mismos personajes de la primera entrega a los que se les reúnen algunos más. Con un guion escrito para lucimiento del dúo formado por Murphy y Hall, que llenan la pantalla durante la mayor parte del metraje, se pasa de puntillas por al lado de lo que podrían ser los verdaderos intereses de la película: la nueva historia romántica protagonizada por el hijo perdido de Kareem y las reivindicaciones sociales de un pueblo anclado en un pasado patriarcal. Y es que el filme soluciona lo primero con 3 escenas mientras que sobre lo segundo ni se hace mención mientras se nos muestra una sociedad donde la mujer es mero objeto de decoración. Consejos vendo que para mí no tengo. ¿Qué ha pasado durante todos estos años con la chica luchadora de Queens que se casó con un príncipe revolucionario que quería escapar de las ancestrales tradiciones locales que desprecian a la mujer? Pues ahí los tenemos 33 años después viviendo a tutiplén sin haber reformado ni un ápice de su código legal, ético y moral. Supongo que cuando llegaron a palacio todos estos valores progresistas se quedaron dentro de las maletas.

Por lo que al tono de la comedia se refiere, este ha perdido chispa. Ha dejado de lado su actitud gamberra e irreverente para acabar durmiéndose en sus laureles. La película recupera a todos los personajes que ya interpretaron Murphy y Hall cargados con toneladas de maquillaje. Por eso nos volveremos a encontrar con el trío de la barbería, con el reverendo Brown o con Randy Watson, el líder del grupo Chocolate Sexy. Todos estos hacen sus apariciones y tienen sus minutos de gloria, pero su regreso no podía ser más descafeinado. Su humor mordaz, incluso hiriente, que ponía el dedo en la llaga se ha convertido en un par de frases ocurrentes con más nostalgia que gracia. Ni siquiera el veterano actor James Earl Jones, quien interpreta al padre de Kareem, salva este desaguisado interpretativo con su fuerte carisma en pantalla. Incluso el gran Morgan Freeman hace una discreta aparición como maestro de ceremonias en algún momento de la película que también se queda en agua de borrajas.

Por suerte otros personajes se unirán a los ya conocidos como el grotesco Baba, el brujo de palacio (también interpretado por Arsenio Hall) que conseguirá arrancarnos más de una sonrisa con sus salidas de tono. Después está, en mi opinión, el mejor personaje del film, el General Izzi, dictador de Nextdoria (¡ahí se han matado para encontrarle el nombre al país vecino!) interpretado por Wesley Snipes. Las apariciones de Izzi en el metraje son enormes, llenan la pantalla con toda la pompa y el boato que un dictador narcisista merece, siempre acompañado por su espectacular grupo de bailarines de danzas africanas con lo que sus entradas son sencillamente espectaculares. Creo que si el film hubiera tirado más de nuevos personajes paródicos que llevan el verdadero peso de la comedia, como estos dos últimos que acabo de mencionar, en lugar de intentar explotar la nostalgia del espectador, el resultado habría sido totalmente diferente. ¡Ojo! Que no digo que ciertos personajes no merezcan ser recuperados, simplemente veo que el ejercicio de nostalgia y respeto hacia ellos les ha robado la esencia transgresora que tuvieron en su momento.

Continuando con la nostalgia, debo decir que la película ofrece algunas escenas donde los protagonistas rememoran su primer viaje a Nueva York. En estas escenas aparecen Murphy y Hall rejuvenecidos con la ayuda de la infografía y cabe decir que su lifting facial y su look ochentero están tremendamente logrados. Un buen trabajo el que ha realizado el equipo de efectos especiales.

Los números musicales son otra de las bazas de esta producción. Estos sobresalen de entre un guion y un desarrollo más bien mediocre. Y la verdad es que si de algo se pueden vanagloriar los norteamericanos es de su especial visión y comprensión del espectáculo. Números de baile muy visuales llenos de movimiento, belleza y color que hacen bastante más ameno el visionado de esta película, a pesar de que de fondo suene (¡oh sorpresa!) el más que previsible “waka-waka”.

La verdad es que “El rey de Zamunda” ha sido una enorme decepción, sobre todo teniendo en cuenta lo que podría haber sido. El film carece de personalidad y lo que debería haber sido una comedia disparatada con toques románticos termina siendo un refrito sin ningún tipo de gracia ni siquiera para los nostálgicos de la primera entrega. En todo momento tuve la sensación de estar viendo la típica producción Disney protagonizada por doceañeros con diálogos repletos de sus bromas de patio de colegio, o lo que es peor, en un (demasiado) largo episodio de El show de Bill Cosby, donde papá es reprendido por sus hijos por ser demasiado carca.  Podríamos haber esperado 33 años más para poder visionar este film totalmente prescindible. Y encima ahora asistimos atónitos a como Murphy nos amenaza con retomar otro de sus personajes emblemáticos, el detective Axel Foley.  ¿Redención o caída a los infiernos? El tiempo dirá.

Albert Solé Jerez
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En 1989 se estrenaba el Batman de Tim Burton en la gran pantalla, un film que llevó al personaje al éxito a partes iguales frente a la crítica y la taquilla. Su secuela “Batman Returns”, de 1992, repitió el éxito y reunió al elenco de actores principal con el mismo director, además de unas cuantas adiciones que elevaron el nivel de la historia. Sin embargo, cuando estaba por llegar una nueva entrega para completar la trilogía todo quebró.

El supuesto título para estar parte era “Batman Continues”, esta película no solo iba a significar el regreso de algunos de los villanos presentados por Burton, sino que además iba a agregar otros para dar mayor coherencia a una historia que ya era querida por el público y llena de creatividad. El regreso de Billy Dee Williams como Harvey Dent le hubiera llevado a su transformación a Dos Caras, con Catwoman teniendo un papel muy importante en esta transformación. Aunque la mayor sorpresa de “Batman 3” podría haber sido Marlon Wayans en el papel de Dick Grayson/Robin. Él ya estaba contratado para trabajar con Tim Burton, quien originalmente lo quiso para “Batman Returns”, pero el director decidió dejarlo para una entrega posterior porque sintió que ya había demasiados personajes como para contar una historia coherente. Su participación había llegado tan lejos al punto que incluso ya había hecho pruebas de vestuario. Al final nunca apareció en el papel por el que había firmado, pero hasta hoy recibe regalías por la película, además de un pago en el momento que se le dijo que no iba a trabajar con el nuevo director.

La secuela también iba a estar llena de villanos y Robin Williams era el actor que tenían en la mira para el papel de El Acertijo. El director no quería a alguien más en su lugar, pero ya tenían historia. Originalmente fue convocado para el papel del Guasón que se llevó Jack Nicholson y luego fue contactado nuevamente para el villano que mencionamos. Al final no pudo porque el nuevo director tenía planes muy diferentes para su película.

Ahora un fan de la saga de Tim Burton ha recreado su idea de la tercera entrega, titulándola “Batman Strikes” y estas son la figuras de acción que ha creado para deleitarnos con su creatividad.

Como regalo de San Valentín para los fans, el nuevo tráiler de la “Liga de la Justicia” de Zack Snyder (también conocido como The Snyder Cut) se estrenará este fin de semana. Pero, como regalo previo, HBO Max ha publicado un teaser del tráiler que muestra algunas de las nuevas imágenes, ¡ahora en color!

“La Liga de la Justicia” de Zack Snyder es, por supuesto, el corte de cuatro horas de la película de superhéroes en equipo que Snyder pudo completar el año pasado. El director de “Batman v. Superman: El Amanecer de la Justicia” se alejó de la Liga de la Justicia al principio de la posproducción para atender una tragedia personal, tras lo cual Warner Bros recurrió a Joss Whedon para que escribiera y dirigiera nuevas escenas que modificaran la narrativa de la película y aligeraran el tono. El resultado fue, bueno, un desastre. Tanto la crítica como el público bostezaron, y lo que debería haber sido una alegre película de equipo con algunos de los personajes más icónicos de la ficción se convirtió en una película “también corrió” que todo el mundo olvidó al instante.

El año pasado, HBO Max concedió a Snyder un presupuesto para completar su corte de la Liga de la Justicia, terminando los efectos visuales, añadiendo nuevos personajes CG e incluso rodando algunos minutos de nuevo metraje. De hecho, Snyder afirma que la única idea posterior en la “Liga de la Justicia” de Zack Snyder es la aparición del Joker de Jared Leto, que no formaba parte de la película hasta que se produjo este renacimiento de HBO Max.

“Sonic 2 La Película” llegará el próximo 8 de abril de 2022, y Paramount Pictures ha confirmado el nuevo logo de la película y la esperada presencia de dos personajes. El film contará con el director Jeff Fowler junto con los guionistas Pat Casey y Josh Miller, y con los nuevos personajes de Knuckles y Tales (este presentado en la escena post créditos del primer film).

El primer film de Sonic fue protagonizado por James Marsden, Jim Carrey y Ben Schwartz como la voz de Sonic en su versión original.

“El tiempo contigo” (Tenki no ko) es un film de Makoto Shinkai producido por CoMix Wave Films y estrenado en las salas japonesas el 19 de julio de 2019. Selecta Vision lo licenció y distribuyó para nuestro país estrenándose en los cines el 29 de noviembre de 2019 y editándolo un año más tarde, el 20 de noviembre de 2020, en los diferentes formatos domésticos: DVD, BlueRay y edición coleccionista. La película también se puede encontrar, bajo demanda, en la plataforma Filmin.

Hodaka llega a Tokio en un intento de dejar atrás su vida y empezar de nuevo. A medida que van pasando los días, sus ahorros van disminuyendo de forma considerable mientras que su condición de menor de edad no le ayuda a la hora de encontrar una fuente de ingresos. Los diferentes encuentros fortuitos con personajes de diferente condición, propiciados por sus paseos erráticos por la gran ciudad, lo encaminarán hacia un destino que parece inevitable: conocer a Hina. Un fenómeno extraño está ocurriendo este año con la temporada de lluvias, y es que esta se está alargando más de la cuenta rompiendo con todos los registros meteorológicos. Pero lo más sorprendente de todo esto es que Hodaka descubre que su nueva amiga, Hina, tiene la capacidad de hacer salir el sol a voluntad, aunque sea solamente para unos minutos.

Makoto Shinkai apuesta por una fórmula continuista que ya le llevó al éxito total con su anterior film “Your Name”. Dos jóvenes acaban conociéndose debido a un cúmulo de casualidades y los sentimientos acaban floreciendo entre ambos. Igual que ocurre con su predecesora, “El tiempo contigo” es un desfile de imágenes preciosistas y de muy alta factura. Las escenas creadas a partir de gráficos tridimensionales realizados por ordenador encajan como un guante hecho a medida con los elementos de animación clásica. La escena del ático donde la cámara da un giro de 180º alrededor de los personajes o la carrera de Hodaka por las escaleras de incendio son dos claros ejemplos de esta integración de distintas técnicas de animación. Aparte, la película está amenizada con constantes efectos de luz realmente increíbles que aportan una calidez y un brillo inusitados cada vez que las nubes se rompen y los rayos del astro rey pasan a través de sus rendijas. Es justo en esos momentos que la paleta de colores toma una calidez nunca vista y los reflejos de la luz contra las superficies acristaladas o pulidas se tornaran cegadores, haciendo, una vez más, las delicias de todo amante de la buena animación.

Aunque la narración se centra en las emociones y correrías de la pareja de personajes principales, esto no quita que el director haya trabajado el desarrollo de los secundarios mucho más que en sus films precedentes. Nagi, el hermano pequeño de Hina; Keisuke, editor y escritor que dirige una revista sobre sucesos paranormales; o Natsumi, una estudiante universitaria que trabaja en la redacción de la revista son personajes secundarios muy bien descritos y desarrollados con los que uno puede llegar a empatizar y que aportan un extra al espectador a la hora de disfrutar de la historia que nos plantea Shinkai.

El ritmo narrativo es ligero y constante. Después de los minutos iniciales donde se nos presentan a la mayoría de los personajes, el film toma una velocidad de crucero que ya no soltará hasta el final de la película, momento en que el director hunde el pedal de aceleración para desembocar en un clímax en caída libre llena de imágenes fascinantes, una logradísima sensación de velocidad y una agridulce metáfora sobre el paso de la edad infantil a las preocupaciones y responsabilidades de los adultos.

Shinkai vuelve a basar su historia romántica en hechos místicos, no en vano “El tiempo contigo” ocurre en el mismo universo que “Your name”. Dioses del tiempo y del clima forman parte de la narrativa de la película, incluso podemos ver a los duendecillos de la lluvia haciendo de las suyas, como si de un episodio de “Mushi-shi” se tratara, todo muy alineado con las tradiciones sintoístas. Todas estas divinidades y criaturas místicas serán los responsables, con sus intervenciones, de llevar la historia hacia límites desbordantes y extremos que tanto gustan a este director. Y es que parece ser que si de algo carece la imaginación de Makoto Shinkai es, precisamente, de límites. Este film es una nueva muestra de su talento creativo, que por esta vez deja de lado su tema preferido, la distancia en las relaciones, para narrarnos una historia romántica en temporada de lluvias, como ya hizo con el mediometraje “El jardín de las palabras”.

Es posible que la película divague demasiado sobre la facultad de Hina por hacer brillar el sol a voluntad. Personalmente pienso que es un elemento importante para el desarrollo y comprensión del film, pues igual que ocurre en “La chica que saltaba a través del tiempo” de Mamoru Hosoda, era necesario mostrar que el abuso conlleva consecuencias extremas que hay que asumir.

Shinkai nos trae un trabajo impecable, pues con toda la experiencia que este director tiene a sus espaldas difícil es realizar un producto mediocre, aunque hay que decir que no ha arriesgado en absoluto. El director toma la fórmula del éxito que tan bien conoce y le da un pequeño cuarto de vuelta introduciendo elementos místicos. También de la misma manera que ya hizo anteriormente, la música toma mucho protagonismo durante el metraje y el tema principal “Ai ni dekiru koto wa mada arukai” de Radwimps sonará varias veces a lo largo de la película. Puede parecer que, a veces, el film se aparta de la trama principal, pero su ritmo no decae en ningún momento y los rodeos que da el guion acaban justificándose para una mejor comprensión de la historia. “El tiempo contigo” es una muy buena película digna sucesora de la obra maestra que fue “Your name”.

Albert Solé Jerez
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“Mute” es una película de ciencia ficción disponible en la plataforma Netflix des del año 2018, y en la cual se recrea la ciudad de Berlín en un futuro distópico al más puro estilo “Blade Runner”. Dirigida por Duncan Jones (hijo del fallecido cantante y músico David Bowie y la modelo Angela Bowie) y con historia original escrita por el propio director, la cinta transpira en todo momento la innegable influencia del universo creado previamente por Ridley Scott, hasta el punto que podríamos llegar a asegurar que transcurre en ese mismo futuro distópico. Coches voladores, cirugía por doquier, neones, hackers, robots, tecnología innovadora, extrañas filias sexuales y una pizca de lo que supondría a nivel conceptual el videojuego “Cyberpunk 2077” hoy en día.

“Mute” es protagonizada por un gran reparto de actores que cumplen a la perfección y que enamoran en pantalla: Alexander Skarsgård, Paul Rudd, Justin Theroux y Seyneb Saleh.

Aunque la cinta fue descrita por el propio director, en su momento, como una “secuela espiritual” de su película de 2009 “Moon”, la crítica y el gran público ni mucho menos lo entendió así. Las críticas fueron feroces y constantes, siendo especialmente hirientes respecto a su guion (en esto estaríamos bastante de acuerdo) e historia, y por el contrario perdonando sus escenarios y estética visual, que difícilmente se pueden discutir.

Si bien es cierto que no es una propuesta pretenciosa, ni una película indie que siente nuevas bases en el arte de la ciencia ficción, ni mucho menos es una mala película, más bien todo lo contrario. Si lo que queréis es trasladaros a un universo envolvente y totalmente ajeno a vuestra realidad durante 126 minutos, “Mute” es un viaje obligado para todo amante de la ciencia ficción.

Este 19 de noviembre se estrenó en la plataforma digital Amazon Prime el nuevo trabajo de Javier Fesser titulado “Historias lamentables”, un film que significa la vuelta del director madrileño tras su pelotazo taquillero con “Campeones” (2018), aunque esta vez sin pasar por las salas comerciales.

Coproducida por Películas Pendelton, Morena Films, TVE y Amazon Studios, Fesser vuelve a sus orígenes del humor visual, tomando elementos únicos del imaginario español y llevándolos, en lo que es su especialidad, al extremo. El resultante de esta fórmula es un alocado esperpento que el director edulcora con pequeños momentos de ternura. Situaciones incómodas y desgraciadas dignas de la más cruel tragedia griega que, pasadas por el particular modo de ver el mundo del cineasta, se convierten en escenas desternillantes de impecable factura. Fesser siempre ha bebido de las grandes comedias corales de Berlanga, con sus escenas repletas de actores, y de las situaciones y diálogos surrealistas de José Luis Cuerda. Para esta película deja atrás los clásicos folclórico-nacionales de sus inicios con lavadoras andantes, bombonas de butano, botijos, ristras de chorizo, guardias civiles, bicicletas Orbea, hombres de telefónica, curas, monaguillos y chapuzas con aires de manitas con los que revolucionó nuestro sistema límbico, sobre todo con los cortometrajes “Aquel ritmillo” (1995) y “El secdleto de la tlompeta” (1995), la irregular “La gran aventura de Mortadelo y Filemón” (2003) y su primer largometraje, la obra maestra del surrealismo cinematográfico, con permiso de Buñuel, “El milagro de P. Tinto” (1998). Para este nuevo film, sustituye los ítems, aún más corrosivos, como un teléfono cuyo poli tono es el himno nacional versión techno, una valla publicitaria que anuncia los tuk-tuk tailandeses, un policía nacional tirando de inhalador, un camionero que practican la meditación trascendental… Para “Historias lamentables”, Fesser vuelve a tomar el carácter genuino patrio y lo estruja, como si de un estropajo de cocina se tratara, para sacarle toda el agua sucia a los pícaros, a los bravucones efervescentes, a los que trabajan en el sector servicios y no quieren servir, a los racistas, a los de mente cerrada, a los matones de patio de colegio y a toda esa caterva de personajes anclados en el pasado que llenan la geografía española y mostrarla con el filtro del sarcasmo. Objetos y estereotipos pueden parecer tópicos y típicos, pero están utilizados con muchísima frescura y gracia, a diferencia del lamentable y previsible humor de sagas como, no sé, esa de los apellidos.

“Historias lamentables” está formada por 4 historias bien diferenciadas, pero que se irán entrecruzando entre ellas a lo largo del film. “Rayito”, que abre la cinta, nos presenta a Ramón, hijo del presidente de una compañía internacional de transportes que ya ha llegado a su edad de jubilación y va a dejar el mando de la empresa en él. Ramón es un hijo de papá con ese deje tan odioso en el hablar que tienen los niños de familia rica. Un juguete roto a manos de su padre pues, por mucho que se esfuerce, jamás cumplirá las expectativas que de él se espera. Siempre pendiente en satisfacer a su progenitor, ahora, en su fiesta de jubilación, Ramón tiene la oportunidad de dirimirse ofreciéndole como regalo lo único que su padre no pudo conseguir durante los 50 años que estuvo al mando de la empresa.

“El hombre de la playa” empieza con la imagen de madrugada de un tractor limpiando la arena de la playa de Gandía. Al fondo, desdibujado en un segundo plano, vemos los típicos apartamentos de primera línea de mar. Allí es donde vive Bermejo, un hombre frustrado con su vida que se agarra a una férrea normativa moral, a una rigidez horaria y a unas costumbres inmutables para no enfrentarse a su propia mediocridad. Como cada año, en el día de San Roque, Bermejo debe madrugar para coger un buen sitio en la arena desde donde poder fotografiar la salida del sol, tradición que lleva celebrando un buen puñado de años. A pesar de su determinación en cumplir con lo estipulado y dirigir todos sus esfuerzos en poner los pies sobre la arena de la playa, parece ser que el destino ha decidido alejarlo del mar.

“El cumpleaños de Ayoub” nos presenta a dos personajes muy diferentes el uno del otro. Por un lado a una mujer que ha sido abandonada por los dos hombres de su vida: su padre y su marido. Endeudada hasta las cejas las compañías de servicios le han cortado los suministros, mientras que el banco ha puesto su casa a la venta. Resentida con todo lo que le rodea, el rencor le hace desconfiar de todo el mundo tratando a los demás de la misma manera que la vida la trata a ella. Por otra parte tenemos a Ayoub, migrante africano de carácter puro que cree en la bondad de las personas. Un hombre que ha tenido que empezar de nuevo desde la nada y que, a pesar de las coces que le larga su mísera situación, aún sueña con ganar lo suficiente para crear su propia empresa de jardinería. Por si el hecho de juntar estas dos almas en pena no fuera poco, este capítulo está bien regado de racismo escondido en corrosivas frases sueltas que cortan como bisturís.

“La excusa” es el capítulo final de la película. Aripio, copropietario junto con sus tres hermanas de la fábrica que su padre les dejó, se las ha ingeniado para hacer y deshacer a su guisa las cuentas bancarias de la empresa. Un manipulador mentiroso, granítico caradura, ahora se enfrenta a la ira de sus hermanas, sobre todo a la terrible e impredecible Margarita, que lo amenaza con llevarlo a los tribunales. Aripio necesita salir de esta como sea, y contrata los servicios de La Excusa SL, una empresa capaz de crear cualquier coartada para cubrir todo tipo de acciones deshonrosas.

Los diferentes episodios que conforman el metraje se irán encadenando ante nuestros ojos a la vez que la realidad se irá retorciendo cada vez más consiguiendo que el absurdo se vaya agigantando a medida que pasan los minutos. La desesperación de los protagonistas, sus acciones in extremis, y las situaciones límite son la base de esta comedia que, apoyándose menos en lo visual y con escasas muestras de slapstick, desarrolla unos diálogos desternillantes a la vez que terriblemente trágicos. Una muestra de ello es cuando un hombre que se ha equivocado de autobús le pide al chófer que pare para que pueda bajar: – Es que yo no voy para Alicante. A lo que el otro le contesta: – ¡Tranquilo, ya verá como sí! Cuatro episodios geniales que muestran la buena labor de guion de Fesser junto a Claro García, aunque con un poco más de tiempo, estoy seguro de que habrían conseguido juntar todas esas historias en una sola y darle más sensación de unidad, como ya hizo con “El milagro de P. Tinto”. Por cierto, que de esta última, “Historias lamentables” hereda el romper la cuarta pared. Fesser utilizó este recurso en los segundos finales de “P. Tinto”, cuando se produce el esperado milagro, entonces un rápido Zoom enfoca la cara del genial Luís Ciges y este mira con complicidad a la cámara. Ahora, rescata esas miradas de complicidad en todos los personajes de la película. Cuando todos los elementos acaban haciendo carambola y la vida de uno de ellos da un vuelco, ya sea para bien o para mal, éste mira directamente al espectador como diciendo: ¡ahí lo tienes!

Como siempre ha hecho, Fesser se rodea de un elenco de actores poco conocidos por el gran público pero con un arte enorme ante las cámaras. Estos llevan todo el peso de la película y muestran su versatilidad en escenas realmente desternillantes como la carrera en moto bajo la lluvia o la surrealista escena del restaurante en la que, por cierto, todos los actores hacen gala de un maravilloso (y divertido) acento maño que impresiona. También aparecen algunos de sus colaboradores habituales, como Janfri Topera (Usillos, Profesor Bacterio) en un pequeño cameo o Gloria Ramos (Collantes) como la sulfúrica Margarita.

Entre tantas risas y emociones extremas también hay cabida para la concienciación social, marca de la casa del director que, por cierto, no es Mikasa. Es cierto que todos los personajes que aparecen en esta comedia tienen en común la capacidad de desesperarnos. Son verdaderamente irritantes y en ello está la gracia, pero también son capaces de hacernos reflexionar a medida que conocemos sus lamentables historias. Así aprendemos que su forma de ser se debe a que han sido víctimas de asedio escolar, han sufrido en sus carnes el racismo y la xenofobia, forman parte de la no aceptada diversidad funcional, son un número más en las estadísticas sobre nueva pobreza o han vivido siempre de la mano del menosprecio. Por cierto, en algunos diálogos también se destila mucho amarillismo.

“Historias lamentables” de Javier Fesser es un film excelente, no llega a la matrícula de honor como ya hizo con otras creaciones suyas, pero es la mejor comedia hecha durante este desagradecido 2020, que ya es mucho. Fesser siempre sorprende para bien, incluso cuando rueda dramas, pero su verdadera pasión está en hacernos reír y procurar que pasemos un muy buen rato, y está bien claro que, de nuevo, lo ha logrado.

Albert Solé Jerez
www.japaniums.blogspot.com