Como regalo de San Valentín para los fans, el nuevo tráiler de la “Liga de la Justicia” de Zack Snyder (también conocido como The Snyder Cut) se estrenará este fin de semana. Pero, como regalo previo, HBO Max ha publicado un teaser del tráiler que muestra algunas de las nuevas imágenes, ¡ahora en color!

“La Liga de la Justicia” de Zack Snyder es, por supuesto, el corte de cuatro horas de la película de superhéroes en equipo que Snyder pudo completar el año pasado. El director de “Batman v. Superman: El Amanecer de la Justicia” se alejó de la Liga de la Justicia al principio de la posproducción para atender una tragedia personal, tras lo cual Warner Bros recurrió a Joss Whedon para que escribiera y dirigiera nuevas escenas que modificaran la narrativa de la película y aligeraran el tono. El resultado fue, bueno, un desastre. Tanto la crítica como el público bostezaron, y lo que debería haber sido una alegre película de equipo con algunos de los personajes más icónicos de la ficción se convirtió en una película “también corrió” que todo el mundo olvidó al instante.

El año pasado, HBO Max concedió a Snyder un presupuesto para completar su corte de la Liga de la Justicia, terminando los efectos visuales, añadiendo nuevos personajes CG e incluso rodando algunos minutos de nuevo metraje. De hecho, Snyder afirma que la única idea posterior en la “Liga de la Justicia” de Zack Snyder es la aparición del Joker de Jared Leto, que no formaba parte de la película hasta que se produjo este renacimiento de HBO Max.

“Sonic 2 La Película” llegará el próximo 8 de abril de 2022, y Paramount Pictures ha confirmado el nuevo logo de la película y la esperada presencia de dos personajes. El film contará con el director Jeff Fowler junto con los guionistas Pat Casey y Josh Miller, y con los nuevos personajes de Knuckles y Tales (este presentado en la escena post créditos del primer film).

El primer film de Sonic fue protagonizado por James Marsden, Jim Carrey y Ben Schwartz como la voz de Sonic en su versión original.

“El tiempo contigo” (Tenki no ko) es un film de Makoto Shinkai producido por CoMix Wave Films y estrenado en las salas japonesas el 19 de julio de 2019. Selecta Vision lo licenció y distribuyó para nuestro país estrenándose en los cines el 29 de noviembre de 2019 y editándolo un año más tarde, el 20 de noviembre de 2020, en los diferentes formatos domésticos: DVD, BlueRay y edición coleccionista. La película también se puede encontrar, bajo demanda, en la plataforma Filmin.

Hodaka llega a Tokio en un intento de dejar atrás su vida y empezar de nuevo. A medida que van pasando los días, sus ahorros van disminuyendo de forma considerable mientras que su condición de menor de edad no le ayuda a la hora de encontrar una fuente de ingresos. Los diferentes encuentros fortuitos con personajes de diferente condición, propiciados por sus paseos erráticos por la gran ciudad, lo encaminarán hacia un destino que parece inevitable: conocer a Hina. Un fenómeno extraño está ocurriendo este año con la temporada de lluvias, y es que esta se está alargando más de la cuenta rompiendo con todos los registros meteorológicos. Pero lo más sorprendente de todo esto es que Hodaka descubre que su nueva amiga, Hina, tiene la capacidad de hacer salir el sol a voluntad, aunque sea solamente para unos minutos.

Makoto Shinkai apuesta por una fórmula continuista que ya le llevó al éxito total con su anterior film “Your Name”. Dos jóvenes acaban conociéndose debido a un cúmulo de casualidades y los sentimientos acaban floreciendo entre ambos. Igual que ocurre con su predecesora, “El tiempo contigo” es un desfile de imágenes preciosistas y de muy alta factura. Las escenas creadas a partir de gráficos tridimensionales realizados por ordenador encajan como un guante hecho a medida con los elementos de animación clásica. La escena del ático donde la cámara da un giro de 180º alrededor de los personajes o la carrera de Hodaka por las escaleras de incendio son dos claros ejemplos de esta integración de distintas técnicas de animación. Aparte, la película está amenizada con constantes efectos de luz realmente increíbles que aportan una calidez y un brillo inusitados cada vez que las nubes se rompen y los rayos del astro rey pasan a través de sus rendijas. Es justo en esos momentos que la paleta de colores toma una calidez nunca vista y los reflejos de la luz contra las superficies acristaladas o pulidas se tornaran cegadores, haciendo, una vez más, las delicias de todo amante de la buena animación.

Aunque la narración se centra en las emociones y correrías de la pareja de personajes principales, esto no quita que el director haya trabajado el desarrollo de los secundarios mucho más que en sus films precedentes. Nagi, el hermano pequeño de Hina; Keisuke, editor y escritor que dirige una revista sobre sucesos paranormales; o Natsumi, una estudiante universitaria que trabaja en la redacción de la revista son personajes secundarios muy bien descritos y desarrollados con los que uno puede llegar a empatizar y que aportan un extra al espectador a la hora de disfrutar de la historia que nos plantea Shinkai.

El ritmo narrativo es ligero y constante. Después de los minutos iniciales donde se nos presentan a la mayoría de los personajes, el film toma una velocidad de crucero que ya no soltará hasta el final de la película, momento en que el director hunde el pedal de aceleración para desembocar en un clímax en caída libre llena de imágenes fascinantes, una logradísima sensación de velocidad y una agridulce metáfora sobre el paso de la edad infantil a las preocupaciones y responsabilidades de los adultos.

Shinkai vuelve a basar su historia romántica en hechos místicos, no en vano “El tiempo contigo” ocurre en el mismo universo que “Your name”. Dioses del tiempo y del clima forman parte de la narrativa de la película, incluso podemos ver a los duendecillos de la lluvia haciendo de las suyas, como si de un episodio de “Mushi-shi” se tratara, todo muy alineado con las tradiciones sintoístas. Todas estas divinidades y criaturas místicas serán los responsables, con sus intervenciones, de llevar la historia hacia límites desbordantes y extremos que tanto gustan a este director. Y es que parece ser que si de algo carece la imaginación de Makoto Shinkai es, precisamente, de límites. Este film es una nueva muestra de su talento creativo, que por esta vez deja de lado su tema preferido, la distancia en las relaciones, para narrarnos una historia romántica en temporada de lluvias, como ya hizo con el mediometraje “El jardín de las palabras”.

Es posible que la película divague demasiado sobre la facultad de Hina por hacer brillar el sol a voluntad. Personalmente pienso que es un elemento importante para el desarrollo y comprensión del film, pues igual que ocurre en “La chica que saltaba a través del tiempo” de Mamoru Hosoda, era necesario mostrar que el abuso conlleva consecuencias extremas que hay que asumir.

Shinkai nos trae un trabajo impecable, pues con toda la experiencia que este director tiene a sus espaldas difícil es realizar un producto mediocre, aunque hay que decir que no ha arriesgado en absoluto. El director toma la fórmula del éxito que tan bien conoce y le da un pequeño cuarto de vuelta introduciendo elementos místicos. También de la misma manera que ya hizo anteriormente, la música toma mucho protagonismo durante el metraje y el tema principal “Ai ni dekiru koto wa mada arukai” de Radwimps sonará varias veces a lo largo de la película. Puede parecer que, a veces, el film se aparta de la trama principal, pero su ritmo no decae en ningún momento y los rodeos que da el guion acaban justificándose para una mejor comprensión de la historia. “El tiempo contigo” es una muy buena película digna sucesora de la obra maestra que fue “Your name”.

Albert Solé Jerez
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“Mute” es una película de ciencia ficción disponible en la plataforma Netflix des del año 2018, y en la cual se recrea la ciudad de Berlín en un futuro distópico al más puro estilo “Blade Runner”. Dirigida por Duncan Jones (hijo del fallecido cantante y músico David Bowie y la modelo Angela Bowie) y con historia original escrita por el propio director, la cinta transpira en todo momento la innegable influencia del universo creado previamente por Ridley Scott, hasta el punto que podríamos llegar a asegurar que transcurre en ese mismo futuro distópico. Coches voladores, cirugía por doquier, neones, hackers, robots, tecnología innovadora, extrañas filias sexuales y una pizca de lo que supondría a nivel conceptual el videojuego “Cyberpunk 2077” hoy en día.

“Mute” es protagonizada por un gran reparto de actores que cumplen a la perfección y que enamoran en pantalla: Alexander Skarsgård, Paul Rudd, Justin Theroux y Seyneb Saleh.

Aunque la cinta fue descrita por el propio director, en su momento, como una “secuela espiritual” de su película de 2009 “Moon”, la crítica y el gran público ni mucho menos lo entendió así. Las críticas fueron feroces y constantes, siendo especialmente hirientes respecto a su guion (en esto estaríamos bastante de acuerdo) e historia, y por el contrario perdonando sus escenarios y estética visual, que difícilmente se pueden discutir.

Si bien es cierto que no es una propuesta pretenciosa, ni una película indie que siente nuevas bases en el arte de la ciencia ficción, ni mucho menos es una mala película, más bien todo lo contrario. Si lo que queréis es trasladaros a un universo envolvente y totalmente ajeno a vuestra realidad durante 126 minutos, “Mute” es un viaje obligado para todo amante de la ciencia ficción.

Este 19 de noviembre se estrenó en la plataforma digital Amazon Prime el nuevo trabajo de Javier Fesser titulado “Historias lamentables”, un film que significa la vuelta del director madrileño tras su pelotazo taquillero con “Campeones” (2018), aunque esta vez sin pasar por las salas comerciales.

Coproducida por Películas Pendelton, Morena Films, TVE y Amazon Studios, Fesser vuelve a sus orígenes del humor visual, tomando elementos únicos del imaginario español y llevándolos, en lo que es su especialidad, al extremo. El resultante de esta fórmula es un alocado esperpento que el director edulcora con pequeños momentos de ternura. Situaciones incómodas y desgraciadas dignas de la más cruel tragedia griega que, pasadas por el particular modo de ver el mundo del cineasta, se convierten en escenas desternillantes de impecable factura. Fesser siempre ha bebido de las grandes comedias corales de Berlanga, con sus escenas repletas de actores, y de las situaciones y diálogos surrealistas de José Luis Cuerda. Para esta película deja atrás los clásicos folclórico-nacionales de sus inicios con lavadoras andantes, bombonas de butano, botijos, ristras de chorizo, guardias civiles, bicicletas Orbea, hombres de telefónica, curas, monaguillos y chapuzas con aires de manitas con los que revolucionó nuestro sistema límbico, sobre todo con los cortometrajes “Aquel ritmillo” (1995) y “El secdleto de la tlompeta” (1995), la irregular “La gran aventura de Mortadelo y Filemón” (2003) y su primer largometraje, la obra maestra del surrealismo cinematográfico, con permiso de Buñuel, “El milagro de P. Tinto” (1998). Para este nuevo film, sustituye los ítems, aún más corrosivos, como un teléfono cuyo poli tono es el himno nacional versión techno, una valla publicitaria que anuncia los tuk-tuk tailandeses, un policía nacional tirando de inhalador, un camionero que practican la meditación trascendental… Para “Historias lamentables”, Fesser vuelve a tomar el carácter genuino patrio y lo estruja, como si de un estropajo de cocina se tratara, para sacarle toda el agua sucia a los pícaros, a los bravucones efervescentes, a los que trabajan en el sector servicios y no quieren servir, a los racistas, a los de mente cerrada, a los matones de patio de colegio y a toda esa caterva de personajes anclados en el pasado que llenan la geografía española y mostrarla con el filtro del sarcasmo. Objetos y estereotipos pueden parecer tópicos y típicos, pero están utilizados con muchísima frescura y gracia, a diferencia del lamentable y previsible humor de sagas como, no sé, esa de los apellidos.

“Historias lamentables” está formada por 4 historias bien diferenciadas, pero que se irán entrecruzando entre ellas a lo largo del film. “Rayito”, que abre la cinta, nos presenta a Ramón, hijo del presidente de una compañía internacional de transportes que ya ha llegado a su edad de jubilación y va a dejar el mando de la empresa en él. Ramón es un hijo de papá con ese deje tan odioso en el hablar que tienen los niños de familia rica. Un juguete roto a manos de su padre pues, por mucho que se esfuerce, jamás cumplirá las expectativas que de él se espera. Siempre pendiente en satisfacer a su progenitor, ahora, en su fiesta de jubilación, Ramón tiene la oportunidad de dirimirse ofreciéndole como regalo lo único que su padre no pudo conseguir durante los 50 años que estuvo al mando de la empresa.

“El hombre de la playa” empieza con la imagen de madrugada de un tractor limpiando la arena de la playa de Gandía. Al fondo, desdibujado en un segundo plano, vemos los típicos apartamentos de primera línea de mar. Allí es donde vive Bermejo, un hombre frustrado con su vida que se agarra a una férrea normativa moral, a una rigidez horaria y a unas costumbres inmutables para no enfrentarse a su propia mediocridad. Como cada año, en el día de San Roque, Bermejo debe madrugar para coger un buen sitio en la arena desde donde poder fotografiar la salida del sol, tradición que lleva celebrando un buen puñado de años. A pesar de su determinación en cumplir con lo estipulado y dirigir todos sus esfuerzos en poner los pies sobre la arena de la playa, parece ser que el destino ha decidido alejarlo del mar.

“El cumpleaños de Ayoub” nos presenta a dos personajes muy diferentes el uno del otro. Por un lado a una mujer que ha sido abandonada por los dos hombres de su vida: su padre y su marido. Endeudada hasta las cejas las compañías de servicios le han cortado los suministros, mientras que el banco ha puesto su casa a la venta. Resentida con todo lo que le rodea, el rencor le hace desconfiar de todo el mundo tratando a los demás de la misma manera que la vida la trata a ella. Por otra parte tenemos a Ayoub, migrante africano de carácter puro que cree en la bondad de las personas. Un hombre que ha tenido que empezar de nuevo desde la nada y que, a pesar de las coces que le larga su mísera situación, aún sueña con ganar lo suficiente para crear su propia empresa de jardinería. Por si el hecho de juntar estas dos almas en pena no fuera poco, este capítulo está bien regado de racismo escondido en corrosivas frases sueltas que cortan como bisturís.

“La excusa” es el capítulo final de la película. Aripio, copropietario junto con sus tres hermanas de la fábrica que su padre les dejó, se las ha ingeniado para hacer y deshacer a su guisa las cuentas bancarias de la empresa. Un manipulador mentiroso, granítico caradura, ahora se enfrenta a la ira de sus hermanas, sobre todo a la terrible e impredecible Margarita, que lo amenaza con llevarlo a los tribunales. Aripio necesita salir de esta como sea, y contrata los servicios de La Excusa SL, una empresa capaz de crear cualquier coartada para cubrir todo tipo de acciones deshonrosas.

Los diferentes episodios que conforman el metraje se irán encadenando ante nuestros ojos a la vez que la realidad se irá retorciendo cada vez más consiguiendo que el absurdo se vaya agigantando a medida que pasan los minutos. La desesperación de los protagonistas, sus acciones in extremis, y las situaciones límite son la base de esta comedia que, apoyándose menos en lo visual y con escasas muestras de slapstick, desarrolla unos diálogos desternillantes a la vez que terriblemente trágicos. Una muestra de ello es cuando un hombre que se ha equivocado de autobús le pide al chófer que pare para que pueda bajar: – Es que yo no voy para Alicante. A lo que el otro le contesta: – ¡Tranquilo, ya verá como sí! Cuatro episodios geniales que muestran la buena labor de guion de Fesser junto a Claro García, aunque con un poco más de tiempo, estoy seguro de que habrían conseguido juntar todas esas historias en una sola y darle más sensación de unidad, como ya hizo con “El milagro de P. Tinto”. Por cierto, que de esta última, “Historias lamentables” hereda el romper la cuarta pared. Fesser utilizó este recurso en los segundos finales de “P. Tinto”, cuando se produce el esperado milagro, entonces un rápido Zoom enfoca la cara del genial Luís Ciges y este mira con complicidad a la cámara. Ahora, rescata esas miradas de complicidad en todos los personajes de la película. Cuando todos los elementos acaban haciendo carambola y la vida de uno de ellos da un vuelco, ya sea para bien o para mal, éste mira directamente al espectador como diciendo: ¡ahí lo tienes!

Como siempre ha hecho, Fesser se rodea de un elenco de actores poco conocidos por el gran público pero con un arte enorme ante las cámaras. Estos llevan todo el peso de la película y muestran su versatilidad en escenas realmente desternillantes como la carrera en moto bajo la lluvia o la surrealista escena del restaurante en la que, por cierto, todos los actores hacen gala de un maravilloso (y divertido) acento maño que impresiona. También aparecen algunos de sus colaboradores habituales, como Janfri Topera (Usillos, Profesor Bacterio) en un pequeño cameo o Gloria Ramos (Collantes) como la sulfúrica Margarita.

Entre tantas risas y emociones extremas también hay cabida para la concienciación social, marca de la casa del director que, por cierto, no es Mikasa. Es cierto que todos los personajes que aparecen en esta comedia tienen en común la capacidad de desesperarnos. Son verdaderamente irritantes y en ello está la gracia, pero también son capaces de hacernos reflexionar a medida que conocemos sus lamentables historias. Así aprendemos que su forma de ser se debe a que han sido víctimas de asedio escolar, han sufrido en sus carnes el racismo y la xenofobia, forman parte de la no aceptada diversidad funcional, son un número más en las estadísticas sobre nueva pobreza o han vivido siempre de la mano del menosprecio. Por cierto, en algunos diálogos también se destila mucho amarillismo.

“Historias lamentables” de Javier Fesser es un film excelente, no llega a la matrícula de honor como ya hizo con otras creaciones suyas, pero es la mejor comedia hecha durante este desagradecido 2020, que ya es mucho. Fesser siempre sorprende para bien, incluso cuando rueda dramas, pero su verdadera pasión está en hacernos reír y procurar que pasemos un muy buen rato, y está bien claro que, de nuevo, lo ha logrado.

Albert Solé Jerez
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“La pasión de Cristo” dirigida por Mel Gibson y estrenada el año 2004 fue todo un auténtico fenómeno de taquilla, amasando millones de dólares en taquilla. Desde entonces Gibson solo ha dirigido dos películas: Apocalypto y Hasta el último hombre.

Jim Caviezel retomará el papel de Jesucristo en esta esperada secuela, así lo ha confirmado el propio actor: “Mel Gibson acaba de enviarme la tercera versión, el tercer borrador. Está en marcha y se llamará “La pasión de Cristo: Resurrección”. Será la película más grande en la historia del mundo”.

Willow, clásico de los 80 creado por George Lucas, volverá en formato serie a la plataforma Disney Plus y contará con los retornos de Warwick Davis como Willow, Ron Howard como director y Bob Dolman como el guionista.

Aunque actualmente no hay fecha estimada de grabación se espera que esté disponible el próximo 2022. La producción, que supondrá la primera producción ajena al universo Star Wars de LucasFilm desde el año 2015, se ambientará años después de la Willow que todos conocemos, e “introducirá nuevos personajes al reino encantado de reinas hadas y monstruos Eborsisk de dos cabezas, y dará de nuevo la bienvenida a su héroe, Willow Ufgood.

El YouTuber John Stratman ha recreado el tráiler de Justice League: The Snyder Cut con un remake en 16 bits escena por escena, y con música incluida. La película Justice League se estrenará a través del servicio de streaming HBO Max en 2021, y se dividirá en capítulos de una hora cada uno. Es decir que la versión de Zack Snyder de Justice League se convirtió en una miniserie que contará con nuevas tomas de efectos especiales y, según Snyder, “un replanteamiento radical” de la película que todos conocemos. La película costó más de 30 millones de dólares.

Ya podéis encontrar en la plataforma Prime Video el film Borat: Subsequent Moviefilm, la secuela de la mítica película de humor protagonizada por Sasha Baron Cohen. Una auténtica bomba de relojería que va a estallar con la intención de dañar a la administración Trump y todo lo que supone.

Borat: Subsequent Moviefilm es sin duda alguna la cinta más transgresora, brutal y divertida de lo que va de 2020 con una cáustica crítica al sector más reaccionario y tradicional de la sociedad estadounidense. Como nota curiosa hay que remarcar que su título original es Borat: Entrega de un soborno prodigioso al régimen americano para beneficio de la gloriosa nación de Kazajistán.

Esta divertida comedia aborda muchos temas como la estereotipación de la mujer, el daño de las noticias falsas, la hipocresía de la clase política o el extremismo ideológico y la polarización de la sociedad, pero también la forma en la que se ha abordado la crisis sanitaria derivada del COVID-19. ¿Cómo hacer una comedia con elementos tan serios? Acudiendo a dos herramientas prodigiosas: la provocación y el humor absurdo.

Qué mejor manera de seguir disfrutando del film “Joker” que reviviendo los que para nosotros son sus 5 mejores momentos en calidad 4K. Y es que el film dirigido por Todd Phillips a partir de un guion escrito junto con Scott Silver, es una auténtica de arte que tardaremos mucho tiempo en ver superada.

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