Dan Forester, veterano de la guerra de Irak, en su condición de civil convive con los problemas mundanos de cualquier hijo de vecino: inseguridad laboral, el cuidado de la familia, las malas relaciones paterno-filiales, etcétera. La noche de Navidad de 2022, el partido de fútbol (sí, fútbol, eso que los americanos llaman “soccer”), es interrumpido por un agujero de gusano por el que irrumpen tropas americanas provenientes del año 2051. El mensaje es claro y contundente: dentro de 11 meses la humanidad entera entrará en una guerra contra una raza alienígena que llevará a la tierra al borde de la aniquilación total. Para evitar la inminente derrota se reforzará el ejército reclutando soldados y civiles del presente para mandarlos al futuro, donde lucharán contra los invasores durante un periodo de 7 días. Una vez terminado este periodo de tiempo serán devueltos a su tiempo.

Con esta premisa arranca “La guerra del mañana” (2021), una cinta de acción y ciencia ficción dirigida por Chris McKay, con guion de Zach Dean y el protagonismo total de Chris Pratt (“Guardianes de la galaxia”, “Jurassic World”). La película iba destinada a estrenarse en las salas comerciales durante el 2020, pero la situación restrictiva hizo que la “premiere” se retrasara. Finalmente los productores decidieron venderla a la plataforma Amazon Prime que la estrenó en su servicio de streaming el 2 de julio de 2021 a nivel mundial.

Bebiendo directamente de grandes clásicos del cine de terror y ciencia ficción como “Terminator”, “La cosa”, “Aliens”, “Al filo del mañana”, “Depredador” o “Independe Day”; “La guerra del mañana” es un refrito que toma los elementos más interesantes de todas estas obras maestras y los mezcla para crear su propia desoladora visión del futuro de la humanidad. El resultado de este refrito es, sin embargo, un largometraje de 140 minutos que nos mantendrá amorrados a la pantalla de principio a fin. No debemos pedir a la película grandes soliloquios sobre la existencia de vida inteligente fuera de nuestro planeta o un debate intenso sobre los viajes en el tiempo con sus consecuencias y paradojas. La cinta pretende entretener, puro y simple divertimento para un espectador cuya única preocupación debe ser darle al play y dejarse llevar por el espectáculo de efectos especiales que se desplegará ante sí. Una historia llana que no pretende ahondar en la parte científica y que pone todos sus recursos en las escenas de acción.

Pratt, encarnando a Dan Forester en su papel protagonista, aparece más comedido que de costumbre. Todo y liderar la mayoría de las escenas, el actor hace un pequeño esfuerzo de contención para aportar un personaje menos histriónico y un poquito más creíble para esta película que no recordará a las grandes producciones de los años 80 y 90 protagonizadas por el hipertrofiado Schwarzenegger o por el superbotomizado Stallone. Forester se nos presenta como un ciudadano normal que se pone al mando de una misión suicida cuando el deber le llama. Enviado al futuro se pondrá a las órdenes de una comandante (Yvonne Strahovski) quién le convence de que su papel en todo este conflicto bélico puede ser decisivo para decantar la balanza hacia el lado de la humanidad.

La gran baza de ”La guerra del mañana” está en sus escenas de acción y los efectos especiales. Hay tres grandes momentos de desenfreno y locura que coinciden con la presentación, el nudo y el desenlace de la película. Todo y que el guion se toma su tiempo para dar rienda suelta a las grandes escenas de acción, hay que decir que la espera vale la pena. En el momento en que el protagonista, junto con su pelotón, son lanzados al futuro (literalmente hablando), el despliegue de efectos especiales hará más que creíbles las imágenes que desfilaran ante nuestros ojos. Escenas crudas, de gran violencia e impacto, donde las refriegas propias de tácticas de guerrilla se mezclarán con pequeños pasajes de terror comedido, como la primera aparición en pantalla de los alienígenas, aquí llamados “púas blancas”. El diseño de estas criaturas se asemeja a los vistos en “Al filo del mañana” en cuanto a ferocidad y cierta inteligencia, todo mezclado con la crueldad de los xenomorfos de la saga “Alien”. Criaturas con cuerpo animal y tentáculos terminados en bocas dentadas que disparan de forma certera unos proyectiles óseos de buen tamaño serán los antagonistas del futuro apocalíptico que nos presenta Chris McKay. La hostilidad de este enemigo venido de fuera es fruto de la simple necesidad básica de alimentarse, como dice uno de los personajes: – tienen hambre y somos su comida.

Entre tanta escena de acción frenética el guion nos da momentos de respiro con pasajes de transición que llegan a ser algo más que puro relleno. Estos momentos de sosiego revelarán información al espectador sobre las difíciles relaciones familiares del protagonista. Aquí encontramos a un convincente J. K. Simmons en el papel de padre de Dan Forester que, sin llegar a conocer qué acto del pasado ha desencadenado la dramática situación, aparece como elemento de apoyo tomando un importante rol en el desenlace final. La especial relación del protagonista con la teniente del futuro es otro de los elementos dramáticos que las escenas de transición explotaran hábilmente. Quizás sea esta especial relación jefe-subordinado el punto más interesante y mejor explotado dentro del dramatismo de la película. También encontraremos las típicas historias personales dentro de los componentes del pelotón comandado por Forester. Historias dichas de pasada en momentos de más o menos tensión que procuran humanizar a todos estos personajes y que les aportan un puntito de riqueza en su desarrollo, pero sin llegar a profundizar demasiado, y eso que los 140 minutos de metraje dan tiempo de sobra para este menester.

“La guerra del mañana” da un vuelco de guion en su parte final, cambiando totalmente el estilo y la forma de la película. Parecería que nos encontramos ante un film totalmente diferente y es de agradecer. Este giro renueva el interés del espectador hacia la película, quien creía que ya no se podía sorprender después de 100 minutos de visionado. Este final otorga un colofón digno ante la épica cinematográfica que nos ofrecen. Un final sencillo, pero efectivo que trae influencias de grandes maestros del género y que, por muy manido que este sea, siempre da grandes resultados.

La película es un espectáculo visual con un despliegue de efectos especiales a lo grande sin otra pretensión que entretener. No da grandes discursos ni ahonda en la ciencia que vemos en todo momento, ya he dejado claro que esto no es “Interstellar”. Es sencillamente una película familiar con algunas escenas truculentas no aptas para todos los públicos con un guion llano y sencillo que se sigue fácilmente. Para los que gusten de la ciencia ficción sin complicaciones, es decir, con más ficción que ciencia, encontrarán en “La guerra del mañana” el producto ideal para una noche de entretenimiento después de cenar.

Albert Solé Jerez
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“The Flash”, película que se estrenará el próximo noviembre de 2022 y estará dirigida por Andy Muschietti, sigue de rodaje en Londres. En estos últimos días hemos podido ver muchísimos avances como el traje que llevará Sasha Calle en su papel de Supergirl, el look de Michael Keaton volviendo a su papel de Bruce Wayne o el anillo de Flash que le permite vestirse como Flash en un momento.

A continuación os recopilamos las mejores imágenes que nos ha dejado el rodaje hasta día de hoy, y que iremos actualizando a medida que aparezcan nuevas.

40 años después de que Hayao Miyazaki dirigiera en “El castillo de Cagliostro” una de las persecuciones más celebradas y aplaudidas del celuloide, Takashi Yamazaki escribe y dirige esta nueva entrega de la banda de ladrones más divertida y heterogénea de la gran pantalla. Basada en el manga original “Lupin III” de Monkey Punch (1937 – 2019), “Lupin III The First” se estrenó en el 2019 en las salas comerciales japonesas. El estreno de la versión doblada al castellano se produjo el 29 de enero de 2021 de la mano de Selecta Visión. Ahora es la misma distribuidora quien edita los diferentes formatos domésticos de este film: DVD, BluRay y edición coleccionista, todos ellos con las pistas de audio en japonés, castellano y catalán.

A raíz del fallido robo del diario Bresson por parte de Lupin III, el grupo de protagonistas se ve envuelto en una conspiración para devolver el antiguo esplendor al Tercer Reich. El diario, que forma parte de la historia de la familia Lupin desde los tiempos de la ocupación alemana de Francia, oculta entre sus páginas las pistas para encontrar un fabuloso tesoro. Desaparecido durante años, el diario Bresson reaparece en una exposición conmemorativa y rápidamente se convierte en objeto de deseo de muchos. Pero para poder leer el diario primero hay que desbloquear el sistema de seguridad que lo mantiene cerrado. Desentrañar sus misteriosas claves llevará a la banda de ladrones a meterse de lleno en una trama de secretos familiares y ansias de poder.

El regreso de Lupin III, nieto de Arsène Lupin, el famoso ladrón francés creado por Maurice Leblanc, no podía ser más espectacular. Una impecable animación 3D en la que los tiroteos, las persecuciones en todo tipo de vehículos, las conspiraciones nazis y los exóticos paisajes mexicanos se mezclan con mucho humor y romanticismo.

En el film encontraremos momentos para el lucimiento particular de cada uno de los personajes que conforman la tropa del Fiat amarillo. Lupin III, galante ladrón de guante blanco es el cabecilla destacado de la banda. Sinvergüenza de exquisitos modales y poquísima moralidad, se dedica a viajar por el mundo a la caza de los objetos más fabulosos; Daisuke Jigen, el tirador del equipo. Siempre con los ojos ocultos por su fiel sombrero el cual juega un papel muy importante en su asombrosa puntería. Goemon Ishikawa XIII, un samurái renegado descendiente directo del famoso bandido Goemon. Poseedor de la Zantetsuken, la espada que corta hierro, el temple, el análisis de la situación y la velocidad son sus puntos fuertes. Mina Fujiko, una hermosa, hábil e inteligente mujer que utiliza sus encantos y astucia para embaucar a los desprevenidos y adueñarse de todo lo que pueda tener cierto valor. Objeto de deseo de Lupin, Fujiko puede ser rival o aliada dependiendo del beneficio que pueda sacar de la situación.

En ninguna aventura en la que esté involucrado Lupin III puede faltar el sabueso que ha dedicado toda su carrera a detener al escurridizo ladrón. Kôichi Zenigata es el incansable inspector de la Interpol que continúa persiguiendo a Lupin III por todo el planeta con la esperanza de, algún día, poder echarle el guante. La rivalidad y la química que siempre ha existido entre estos dos personajes hacen que cuando ambos comparten escena se produzcan los momentos más cómicos y delirantes de la película.

La parte romántica la pondrá el personaje de Laetitia, una joven aficionada a la arqueología y muy interesada en el diario Bresson. La juventud e inocencia de Laetitia contrasta con el resto de personajes que ya están de vuelta y media de todo. Una forma de ver el mundo llena de ideales y romanticismo que choca con la picardía y experiencia de unos gatos viejos que conocen al dedillo lo que vale un peine.

El film entra rápidamente en materia y, después de una pequeña secuencia de introducción y una escena de títulos al más puro estilo James Bond, poco se entretiene el guion en presentar a todos estos personajes. No es necesario conocer la obra de Monkey Punch para disfrutar de esta película, ni siquiera es menester haber tenido ningún contacto anterior con sus personajes. La propia acción del film se encarga de que todos los personajes sean asimilados por el espectador de forma rauda y efectiva, facilitando que este empatice enseguida con todos ellos.

El 3D de “Lupin III The First” luce de forma espectacular sobre todo en las escenas de acción. La fluidez y velocidad de las imágenes están a un gran nivel de calidad. El diseño tridimensional de los personajes funciona a la perfección rejuveneciendo totalmente la franquicia. El tempo de la película sufre pequeños altibajos que se acusan en alguna escena de tránsito donde se dan explicaciones a veces demasiado largas, pero importantes para seguir la trama. Nada demasiado grave aunque es cierto que se rompe el ritmo en alguna ocasión.

El guion nos cuenta una historia para nada complicada y sin demasiados giros, ideal para el disfrute de toda la familia. Luminosa y ágil, rompe totalmente con las oscuras tramas ofrecidas en anteriores entregas. Regada con muchos momentos de humor blanco, “Lupin III The First” es una cinta de aventuras que bebe muchísimo de la saga Indiana Jones, sobre todo de su tercera entrega “La última cruzada”. Nazis, secuestros, un diario que contiene pistas, un templo lleno de trampas mortales, el poder absoluto como objetivo del mal… muchos clichés ya explotados anteriormente por el tándem Spielberg – Lucas, pero que, sin embargo, siguen funcionando a la perfección.

“Lupin III The First” es humor, slapstick clásico, acción a ritmo de big band haciendo resonar sus metales al estilo setentero. Un film de animación divertido y sin más pretensión que la de entretener. No defrauda, ofrece lo que promete. No busquemos grandes moralejas o enseñanzas vitales, simplemente desconectar de lo que nos rodea durante hora y media para disfrutar de este magnífico espectáculo.

Albert Solé Jerez
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“El Señor de los Anillos” volverá al formato película con los días más violentos de Rohan en “The War of the Rohirrim”, en una anime anunciado por New Line y que llegará antes que la nueva serie de Amazon.

“The War of the Rohirrim”, será una precuela animada de las películas de Peter Jackson, donde Kenji Kamiyama será el encargado de llevar a la pantalla la saga del noveno rey de Rohan, Helm Mano de Martillo y el último bastión de Cuernavilla, asediado por el ejército dunledino controlado por Wulf durante su conquista. El guion correrá a cargo de Jeffrey Addiss y Will Matthews.

Los hechos, descritos por J.R.R. Tolkien en ‘Las dos Torres’, sucedieron unos 260 años antes de la Guerra del Anillo de las películas, y este anime abordará, entre otras cosas la formación de la fortaleza del Abismo de Helm, que terminaría salvando al pueblo de Rohan siglos más tarde, cuando Saruman quiso llevar el poder de Sauron a las tierras de los Rohirrim.

“Super Mario Bros: The Morton Jankel Cut (VHS Extended Rough Cut 1.0)” es el título elegido para bautizar a una nueva versión de “Super Mario Bros” con 20 minutos de metraje inédito.

Bob Hoskins y John Leguizamo protagonizaron esta historia que acabó siendo un desastre en todos los aspectos, incluso durante su rodaje.  Annabel Jankel y Rocky Morton fueron marcados por la industria de por vida y Shigeru Miyamoto, el padre del fontanero, todavía se arrepiente de haber dejado en sus manos el debut de Super Mario en el cine.

Los entusiastas de Super Mario Bros. The Movie Archive, foro de amigos de esta obra maestra del desastre, han dado con material jamás visto de la película en una vieja copia en VHS de desechos de montaje. Como héroes que son, han contactado con Garrett Gilchrist, que hizo su magia con la eterna ‘El ladrón de Bagdad’ (Richard Williams, 1993), y han logrado una versión con 20 minutos extra a la que han titulado ‘Super Mario Bros: The Morton Jankel Cut (VHS Extended Rough Cut 1.0)’.

La podéis ver de forma totalmente gratuita en el siguiente enlace.

Si nos piden que digamos el título de una película en la que se muestren los entresijos de la mafia, la primera que les viene a la cabeza al 95% de las personas es, sin lugar a dudas, “El padrino” de Coppola. No voy a poner en duda que esta película es una obra maestra en todos los sentidos: dirección, ambientación, interpretación, narrativa, banda sonora y cualquier otro aspecto valorable, cinematográficamente hablando. Pero (y sí, siempre hay un pero) Pero si tomamos “El Padrino” como una trilogía sobre la mafia italiana afincada en los Estados Unidos de América, veremos que la cosa (nostra) hace aguas con la segunda y, sobre todo, tercera entrega. Es por este motivo que quiero reivindicar la trilogía “Outrage”, dirigida por Takeshi Kitano, ahora que está disponible al completo en la plataforma Amazon Prime.

Kitano empezó su carrera artística formando parte del dúo humorístico “Two Beat”, los que ya tenemos una edad recordaremos esa etapa suya de cuando se emitió por la televisión privada el programa original “Takeshi’s castle” (nada que ver con lo que se está emitiendo ahora) y que aquí se tradujo desacertadamente como “Humor amarillo”. Con el éxito, Kitano empezó a interpretar roles serios en producciones cinematográficas para, con el tiempo, ponerse detrás de las cámaras. Las películas de Kitano giran alrededor del drama mafioso o policial, utilizando un negro sentido del humor a la vez que invita a la reflexión creando personajes ambiguos entre el bien y el mal pues, simplemente, son fieles a sus principios morales.

“Outrage” dirigida e interpretada por Takeshi Kitano se estrenó en el 2010 y fue distribuida internacionalmente por la Warner Bros. En ella se retratan los tejemanejes de diferentes familias de yakuza disputándose el poder en los negocios sucios. Otomo (Interpretado por Kitano) está del lado del clan Ikemoto luchando contra los del clan Maruse en una disputa territorial. Si esta guerra abierta da los frutos esperados, Otomo, como brazo ejecutor de todo el plan, espera ascender en el escalafón de poder que rige la organización criminal.

Esta primera entrega retrata el ambiente sórdido por el que se mueven los integrantes de la mafia japonesa. Un oscuro mundo de tiroteos a plena luz del día y de meñiques cortados. Drogas, prostitutas, bares de alterne, casinos ilegales, asesinatos, ocultación de cadáveres, extorsión, usura, tráfico de influencias, traiciones, corrupción policial, persecuciones en coche… todo un sinfín de actos criminales destinados a aumentar el territorio de acción del clan junto con los beneficios.

Mantener el respeto de las otras familias requiere brutalidad y contundencia, y esa es la especialidad de Otomo. Mandar mensajes a los otros clanes a través de acciones violentas a la vez que se intenta conservar las relaciones entre ellos, conforma un delicado equilibrio que el filme nos muestra de manera muy concisa y directa (véase la escena del dentista, por ejemplo).

Kitano deja el peso de la interpretación a todo el elenco de actores mientras él se centra en su trabajo de dirección. No obstante, las escenas en las que hace aparición quedan llenas con su presencia. Interpretación sencilla y comedida, muy al estilo japonés, pero que impone y da credibilidad a un personaje feroz y sin escrúpulos (la parálisis facial que sufre el actor ayuda muchísimo en este aspecto). Enigmático y opaco, nunca sabes que está pensando cuando te mira a los ojos con esa media sonrisa tan bien entrenada.

“Outrage” está compuesta por largos planos y le cuesta de arrancar. La primera escena, donde se nos presentan a todos los personajes, es una larga conversación negociadora en la que se apoya el resto del film. 20 minutos de diálogos en la que el espectador irá más que perdido pues estos diálogos cobran sentido más adelante, cuando uno se ha familiarizado con los personajes y sabe, por fin, quien es quien, a que clan pertenece cada personaje y que puesto ocupa dentro de él. La violencia llena todo el metraje, ya sea comedida o explícita, y en muchas ocasiones Kitano apagará la cámara para mostrar solamente las consecuencias de la brutalidad yakuza. De la misma manera que el filme empieza lento, este va cogiendo ritmo a medida que pasan los minutos y, una vez está lanzado, el espectador podrá ver como es la mafia japonesa por dentro y toda su variedad de negocios. Igual que una vieja locomotora diesel que arranca despacio, el filme coge su velocidad máxima cuando se acerca al final, con muertes y sangre por doquier y un tremendo giro inesperado de los acontecimientos.

En 2012 se estrena “Outrage 2” o “Outrage Beyond” como se conoce internacionalmente. Los hechos narrados en la primera entrega traen cambios en la organización de los clanes. Siguen las luchas por ampliar el negocio, pero ahora son los miembros jóvenes quienes tienen más influencia que los veteranos, situación inadmisible para la mentalidad japonesa. Aunque se pretenda modernizar la yakuza, los viejos no están nada contentos con este cambio de paradigma, a la vez que se acrecientan sus sospechas sobre la conspiración llevada a cabo durante el primer filme. Tampoco la policía está conforme con esta nueva situación, los jóvenes no conocen ni dios ni dueño, y conspirará para que los veteranos vuelvan a tomar el poder de la mafia. Por su lado, Otomo sale de cárcel después de 5 años, y ya va siendo hora de que se cobre su particular venganza por lo ocurrido en la primera entrega.

En esta continuación Kitano nos ofrece un guion mucho más elaborado y complejo. Ya no interesa mostrar el negocio de la mafia, pues ya lo hizo con todo lujo de detalles durante la primera película, sino que prefiere centrarse en la guerra entre familias, sus traiciones y sus intrigas por el poder. Aquí veremos muchos más ajustes de cuentas y la brutalidad con la que estos se llevan a cabo. Kitano tiene menos presencia en pantalla, pero su trabajo detrás de la cámara mejora respecto a la primera película. La complejidad de los planos y las secuencias es mucho mayor y el guion contiene muchos giros que nos mantendrán amorrados a la pantalla hasta el minuto final.

La segunda entrega es superior (en mi humilde opinión) a la primera en cuanto a historia y ejecución. Quizás la película no sea tan “educativa” como la primera, pues ya no se centra en los diferentes chanchullos de la organización, sino que ahora ahonda en las relaciones entre sus miembros, poniendo toda la atención en la parte humana. Aquí los actores se crecen, Kitano se aparta, les da rienda suelta y deja que se explayen para construir personajes realmente profundos e interesantes. El espectador tiene la oportunidad de conocer las motivaciones de cada uno de ellos, cosa que no ocurría con la primera de la trilogía. La labor de Kitano de dar forma lógica a todo el revoltijo de emociones, envidias, venganzas, egos y ansias de poder es encomiable. Nadie está a salvo. Es un todo contra todos donde los pactos verbales se los lleva el viento.

“Outrage 3” o “Outrage Coda” se estrena en Japón en 2017 poniendo el punto y final a esta trilogía sobre la yakuza. Otomo está en Corea donde rige un casino y un negocio de prostitución. Las cosas van más o menos bien hasta que un yakuza mata a un empleado del Señor Chan, el protector de Otomo. Esta afrenta no puede quedar impune y Otomo se verá obligado a volver a Japón para resolver el asunto como solamente un verdadero yakuza sabe hacer, a la vieja usanza.

El colofón de “Outrage” no podía ser mejor. Esta tercera parte quizás sea la entrega más floja de la trilogía debido a que los personajes ya empiezan a estar gastados, los años no pasan en balde, ni siquiera para los que están fuera del sistema. También se pierde el impacto que causó, sobre todo la primera película, mostrando los métodos expeditivos y desalmados de la mafia nipona. Estos ya no sorprenden al espectador pues se ha  perdido la novedad y ya nos hemos familiarizado con su brutalidad y contundencia. Sin embargo, Kitano firma un guion todavía más complejo lleno de conspiraciones y traiciones que consigue mantener al espectador en vilo hasta la gran traca final.

Para este film, un Kitano mucho más maduro gana protagonismo delante de la pantalla y lleva la mayor parte del peso de la interpretación sobre sus hombros. Con un presupuesto mucho más holgado que en las anteriores películas, las escenas de acción resultan espectaculares y se nota que se ha tirado la casa por la ventana, el tiroteo en cámara lenta en la fiesta es una magnífica muestra. Puedo afirmar con total seguridad (y vehemencia) que en “Outrage 3” encontramos a un Takeshi Kitano totalmente desatado, metido en su propia salsa, que nos brinda un cierre espectacular para su trilogía sobre la yakuza y que no decepcionará a los amantes del cine de acción.

La trilogía “Outrage” es una de esas maravillas que nos ofrece el cine japonés que ahonda en las organizaciones criminales niponas y las relaciones entre sus miembros. La yakuza abierta en canal mostrando sus entrañas al espectador en un desfile de violencia, conspiraciones y humor negro profundo. La historia de un mafioso de medio pelo que busca prosperar dentro de la familia donde la obediencia a los superiores (padres) y el honor hacia sus semblantes (hermanos) lo es todo. Una filosofía que desciende directamente del código de honor del samurái que conlleva a la muerte a todo aquel que se aparte del camino marcado. Kitano nos regala una historia profunda, repleta de personajes bien trabajados (y mejor interpretados) llena de intrigas y acción a partes iguales. Un espectáculo cinematográfico de primer orden y de excelente factura a descubrir para los que aún no la conocen, para ahondar en ella los que se quedaron con la primera entrega y para revisar con urgencia los que ya la conocen.

Albert Solé Jerez
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[Crítica sin spoilers] La esperamos desde el primer rumor de su posible existencia, con unas expectativas casi crueles, con una espera que se nos hizo agobiante, y después de tenernos 242 minutos, que se nos hicieron extremadamente cortos, enganchados a una pantalla mostrándonos la acción en 4:3,  hay que decir que “Zack Snyder’s Justice League” es la rotunda obra maestra que estábamos esperando.

¿La mejor película de superhéroes de la historia? Eso cada uno lo valorará después de verla según su criterio, pero sin duda alguna lo que es indiscutible es que el cine de acción de superhéroes (un formato totalmente diferente al hiperrealismo propuesto por Nolan y Todd Phillips) ha alcanzado un nuevo nivel hasta ahora desconocido con esta continuación directa de las excelentes “Man of Steel” y “Batman v Superman”, ambas ridiculizadas, insultadas y menospreciadas por la crítica y los medios de comunicación de forma constante y permanente, ahogados en su propia ignorancia, prepotencia y odio irracional a lo que no comprenden.

Algo totalmente opuesto a la opinión de la gran mayoría de fans de DC Comics, que ven en ellas y en Zack Snyder una oportunidad histórica de llevar el cine de acción de superhéroes a un escenario totalmente alejado de los personajes planos, bromas fáciles y guion para espectadores que lo único que buscan es pasar un rato divertido, sin muchas más pretensiones intelectuales.

¿Ha cumplido “Zack Snyder’s Justice League” las expectativas?

Empezar un film poniéndole el listón lo más alto posible en todos los aspectos nos condiciona todo el metraje, pero “Zack Snyder’s Justice League” es tan buena que no solo ha cumplido con las expectativas, sino que ha sentado las bases para un nuevo nivel de calidad nunca antes visto en el cine de acción de superhéroes, des del minucioso trabajo de fotografía hasta la brutal banda sonora de Junkie XL, años luz de las últimas producciones cinematográficas de DC…

Eso sí, la tarjeta roja se la lleva HBO España, que a diferencia del resto de países no solo no ha ofrecido la película en calidad 4K, sino que además su plataforma ha sufrido graves problemas de bitrate perjudicando la experiencia de la audiencia española. ¿Pagar por un servicio de streaming o descargar una película de forma ilegal? Lo que no tiene sentido es pagar por un servicio arcaico que a nivel técnico no está a la altura de las circunstancias ni de la competencia.

Zack Snyder repara el daño causado a los personajes de Wonder Woman, Aquaman, Mera y el Joker

A estas alturas hay poco que añadir sobre las películas en solitario de algunos de los personajes que aparecen en “Zack Snyder’s Justice League”. El descalabro total de Gal Gadot en “Wonder Woman 1984”, después de una irregular primera incursión en solitario, situaba su personaje en un camino muy difícil de reconducir por culpa de Patty Jenkins. Y Zack Snyder nos ha mostrado, por segunda vez, como Wonder Woman, y por extensión las Amazonas, pueden llegar a ser unos personajes memorables y Gal Gadot una actriz a la altura de lo que se le exige, la superheroína por excelencia. Lo mismo para el Joker de Jared Leto, llevado a un nuevo nivel totalmente opuesto a lo que vimos en “Suicide Squad”, donde fue totalmente ninguneado por David Ayer.

Y por último, ver a Jason Momoa y Amber Heard mostrando lo mejor de sus personajes, después de la total vergüenza ajena que nos hicieron pasar en la infumable “Aquaman” de James Wan, ya no queda ninguna duda de que Zack Snyder no solo es una leyenda del cine de superhéroes, sino que su inmenso talento saca lo mejor de cada actor.

Flash, Alfred y Cyborg, los grandes beneficiados

Sin duda alguna los personajes que más nos han cautivado, junto a los impecables Batman, Louis Lane, Martha Kent, y Superman, han sido Flash, Alfred y Cyborg, todos ellos con grandes momentos en pantalla bordados con una gran interpretación, aportando la parte más trágica y divertida al filme. Sí, divertida, por qué “Zack Snyder’s Justice League” además de emocionarnos (y mucho) también nos ha hecho reír.

No hay futuro para DC y Warner, sin Zack Snyder

Si finalmente DC y Warner deciden prescindir de Zack Snyder, que no quepa la menor duda que el DCEU nunca podrá competir con el MCU, y será totalmente relegado a un papel secundario sin posibilidad de discusión alguna, por mucho que intente construir una versión paralela con “The Batman” de Matt Reeves y Robert Pattinson. Seguir la estela de “Birds of Prey”, “Wonder Woman 1984”, “Aquaman” y de las pasables “Suicide Squad” y “Shazam”, solo puede llevar al DCEU al fracaso, y a un ritmo acelerado. Mucho cuidado con dar continuidad al peligroso trabajo de Patty Jenkins y a James Wan, pueden destruir todo lo que Zack Snyder ha construido hasta el momento para la franquicia.

Epílogo

¿Alguien tiene también la sensación de que una pequeña parte de esta misma película la soñamos una mala noche, y estaba dirigida por Josh Weddon? Quizás pasamos demasiadas horas enganchados a la pantalla 😉

“Justice League” de Zack Snyder es sin duda alguna la película de superhéroes más esperada de este 2021, la versión definitiva de la Liga de la Justícia según la visión de su propio director original. Este esperado film se estrenará el próximo 18 de marzo en Estados Unidos mediante streaming después de la gran campaña de los fans que hizo cambiar de parecer a Warner Bros.

¿Se podrá ver en España y en Latinoamérica el mismo día? Sí, en distintas plataformas. Dependiendo del país en el que vivas, podrás ver el Snyder Cut en distintas plataformas de video on demand, e incluso en HBO, solo en algunos territorios. A continuación encontrarás la lista definitiva de donde podrás ver la versión definitiva de Justice League en España y Latinoamérica. En territorio latinoamericano estará disponible desde el 18 de marzo hasta el 7 de abril en estas plataformas.

Dónde ver el Snyder Cut de Justice League

• España: estará disponible directamente en HBO, a través de sus servicios, tanto en inglés como doblada al español.
• México: App de Apple TV, Tienda de Prime Video, Cinépolis Klic, Claro Video, Google Play, Izzi, Megacable, Total Play, Axtel, Microsoft Store.
• Argentina: App de Apple TV, Google Play, Direct TV.
• Chile: App de Apple TV, Google Play, Cinépolis Klic, Direct TV.
• Colombia: App de Apple TV, Google Play, Cinépolis Klic, Direct TV.
• Perú: App de Apple TV, Google Play, Cinépolis Klic, Direct TV.
• Ecuador: App de Apple TV, Google Play, Direct TV.
• Uruguay: App de Apple TV, Google Play, Direct TV.
• Venezuela: App de Apple TV y Google Play.
• Costa Rica: App de Apple TV, Google Play y Cinépolis Klic.
• República Dominicana: App de Apple TV, Google Play y Altice.
• Honduras: App de Apple TV, Google Play y Cinépolis Klic.
• Nicaragua: App de Apple TV y Google Play.
• Bolivia: App de Apple TV y Google Play.
• Paraguay: Google Play.
• Panamá: App de Apple TV, Google Play, Cableonda, Cable & Wire.
• Guatemala: App de Apple TV, Google Play y Cinépolis Klic.
• El Salvador: App de Apple TV, Google Play y Cinépolis Klic.
• Brasil: App de Apple TV, Google Play, Claro, Looke, Microsoft Store, PlayStation, Sky, Uol Play, Vivo, WatchBr.
• Islas del caribe: App de Apple TV y Direct TV.

Han pasado 33 años desde que Eddie Murphy triunfara con su personaje de Kareem, el príncipe rebelde que escapa del micropaís africano Zamunda para evitar una antigua tradición que le obliga a contraer matrimonio con una mujer a la que nunca ha visto. Su huida lo llevó a Queens donde se puso a vivir de forma modesta para, así, conseguir encontrar a una mujer que le quiera por como es y no por su fortuna. Acompañado en todo momento por Semmi (Arsenio Hall), Kareem conoce a Lisa McDowell (Shari Headley) con quien vuelve a su país y acaba casándose.

El paso del tiempo nos muestra que el matrimonio formado por Kareem y Lisa vive felizmente y sin preocupaciones en palacio junto a sus tres hijas. Y este es el problema, que las leyes patriarcales que regulan el país no permiten que una mujer herede el trono de Zamunda. La suerte hace acto de presencia en forma de revelación. Baba, el brujo y médico de palacio ha tenido un sueño en el que se le muestra que Kareem tiene un primogénito varón concebido de forma fortuita durante su estancia en Queens. No queda otro remedio que partir en su búsqueda y convertirlo en el nuevo heredero al trono.

Este es el punto de partida de “El rey de Zamunda”, film estrenado en la plataforma digital Amazon el 5 de marzo de este 2021 y que está dirigido por Craig Brewer. La película es una secuela de “El príncipe de Zamunda” y recupera a los mismos personajes de la primera entrega a los que se les reúnen algunos más. Con un guion escrito para lucimiento del dúo formado por Murphy y Hall, que llenan la pantalla durante la mayor parte del metraje, se pasa de puntillas por al lado de lo que podrían ser los verdaderos intereses de la película: la nueva historia romántica protagonizada por el hijo perdido de Kareem y las reivindicaciones sociales de un pueblo anclado en un pasado patriarcal. Y es que el filme soluciona lo primero con 3 escenas mientras que sobre lo segundo ni se hace mención mientras se nos muestra una sociedad donde la mujer es mero objeto de decoración. Consejos vendo que para mí no tengo. ¿Qué ha pasado durante todos estos años con la chica luchadora de Queens que se casó con un príncipe revolucionario que quería escapar de las ancestrales tradiciones locales que desprecian a la mujer? Pues ahí los tenemos 33 años después viviendo a tutiplén sin haber reformado ni un ápice de su código legal, ético y moral. Supongo que cuando llegaron a palacio todos estos valores progresistas se quedaron dentro de las maletas.

Por lo que al tono de la comedia se refiere, este ha perdido chispa. Ha dejado de lado su actitud gamberra e irreverente para acabar durmiéndose en sus laureles. La película recupera a todos los personajes que ya interpretaron Murphy y Hall cargados con toneladas de maquillaje. Por eso nos volveremos a encontrar con el trío de la barbería, con el reverendo Brown o con Randy Watson, el líder del grupo Chocolate Sexy. Todos estos hacen sus apariciones y tienen sus minutos de gloria, pero su regreso no podía ser más descafeinado. Su humor mordaz, incluso hiriente, que ponía el dedo en la llaga se ha convertido en un par de frases ocurrentes con más nostalgia que gracia. Ni siquiera el veterano actor James Earl Jones, quien interpreta al padre de Kareem, salva este desaguisado interpretativo con su fuerte carisma en pantalla. Incluso el gran Morgan Freeman hace una discreta aparición como maestro de ceremonias en algún momento de la película que también se queda en agua de borrajas.

Por suerte otros personajes se unirán a los ya conocidos como el grotesco Baba, el brujo de palacio (también interpretado por Arsenio Hall) que conseguirá arrancarnos más de una sonrisa con sus salidas de tono. Después está, en mi opinión, el mejor personaje del film, el General Izzi, dictador de Nextdoria (¡ahí se han matado para encontrarle el nombre al país vecino!) interpretado por Wesley Snipes. Las apariciones de Izzi en el metraje son enormes, llenan la pantalla con toda la pompa y el boato que un dictador narcisista merece, siempre acompañado por su espectacular grupo de bailarines de danzas africanas con lo que sus entradas son sencillamente espectaculares. Creo que si el film hubiera tirado más de nuevos personajes paródicos que llevan el verdadero peso de la comedia, como estos dos últimos que acabo de mencionar, en lugar de intentar explotar la nostalgia del espectador, el resultado habría sido totalmente diferente. ¡Ojo! Que no digo que ciertos personajes no merezcan ser recuperados, simplemente veo que el ejercicio de nostalgia y respeto hacia ellos les ha robado la esencia transgresora que tuvieron en su momento.

Continuando con la nostalgia, debo decir que la película ofrece algunas escenas donde los protagonistas rememoran su primer viaje a Nueva York. En estas escenas aparecen Murphy y Hall rejuvenecidos con la ayuda de la infografía y cabe decir que su lifting facial y su look ochentero están tremendamente logrados. Un buen trabajo el que ha realizado el equipo de efectos especiales.

Los números musicales son otra de las bazas de esta producción. Estos sobresalen de entre un guion y un desarrollo más bien mediocre. Y la verdad es que si de algo se pueden vanagloriar los norteamericanos es de su especial visión y comprensión del espectáculo. Números de baile muy visuales llenos de movimiento, belleza y color que hacen bastante más ameno el visionado de esta película, a pesar de que de fondo suene (¡oh sorpresa!) el más que previsible “waka-waka”.

La verdad es que “El rey de Zamunda” ha sido una enorme decepción, sobre todo teniendo en cuenta lo que podría haber sido. El film carece de personalidad y lo que debería haber sido una comedia disparatada con toques románticos termina siendo un refrito sin ningún tipo de gracia ni siquiera para los nostálgicos de la primera entrega. En todo momento tuve la sensación de estar viendo la típica producción Disney protagonizada por doceañeros con diálogos repletos de sus bromas de patio de colegio, o lo que es peor, en un (demasiado) largo episodio de El show de Bill Cosby, donde papá es reprendido por sus hijos por ser demasiado carca.  Podríamos haber esperado 33 años más para poder visionar este film totalmente prescindible. Y encima ahora asistimos atónitos a como Murphy nos amenaza con retomar otro de sus personajes emblemáticos, el detective Axel Foley.  ¿Redención o caída a los infiernos? El tiempo dirá.

Albert Solé Jerez
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En 1989 se estrenaba el Batman de Tim Burton en la gran pantalla, un film que llevó al personaje al éxito a partes iguales frente a la crítica y la taquilla. Su secuela “Batman Returns”, de 1992, repitió el éxito y reunió al elenco de actores principal con el mismo director, además de unas cuantas adiciones que elevaron el nivel de la historia. Sin embargo, cuando estaba por llegar una nueva entrega para completar la trilogía todo quebró.

El supuesto título para estar parte era “Batman Continues”, esta película no solo iba a significar el regreso de algunos de los villanos presentados por Burton, sino que además iba a agregar otros para dar mayor coherencia a una historia que ya era querida por el público y llena de creatividad. El regreso de Billy Dee Williams como Harvey Dent le hubiera llevado a su transformación a Dos Caras, con Catwoman teniendo un papel muy importante en esta transformación. Aunque la mayor sorpresa de “Batman 3” podría haber sido Marlon Wayans en el papel de Dick Grayson/Robin. Él ya estaba contratado para trabajar con Tim Burton, quien originalmente lo quiso para “Batman Returns”, pero el director decidió dejarlo para una entrega posterior porque sintió que ya había demasiados personajes como para contar una historia coherente. Su participación había llegado tan lejos al punto que incluso ya había hecho pruebas de vestuario. Al final nunca apareció en el papel por el que había firmado, pero hasta hoy recibe regalías por la película, además de un pago en el momento que se le dijo que no iba a trabajar con el nuevo director.

La secuela también iba a estar llena de villanos y Robin Williams era el actor que tenían en la mira para el papel de El Acertijo. El director no quería a alguien más en su lugar, pero ya tenían historia. Originalmente fue convocado para el papel del Guasón que se llevó Jack Nicholson y luego fue contactado nuevamente para el villano que mencionamos. Al final no pudo porque el nuevo director tenía planes muy diferentes para su película.

Ahora un fan de la saga de Tim Burton ha recreado su idea de la tercera entrega, titulándola “Batman Strikes” y estas son la figuras de acción que ha creado para deleitarnos con su creatividad.