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«Battle Royale», la supervivencia del todos contra todos

Koushun Takami escribió «Battle Royale» y fue publicada en Japón en 1999. Rápidamente la polémica saltó a la palestra debido a la temática del libro, en la que 42 adolescentes están obligados a matarse entre ellos.

 

Los alumnos de 3ºB del Instituto Shirowa se disponen a subir al autobús que les llevará al tan esperado viaje de fin de curso. Al poco rato de salir, el sueño se apodera de todos los alumnos. Cuando despiertan, se encuentran todos en el aula de una escuela y lo primero que notan es el extraño collar que cada uno de ellos tiene en su cuello. Inmediatamente, un grupo de militares toma posiciones en el aula y hace acto de presencia quien se hace llamar su instructor. Este les informa que han sido seleccionados para el LXVIII Programa de Experimento de Combate para el cual se selecciona al azar una clase de 3º de cada una de las 50 prefecturas de la República del Gran Oriente Asiático.

Como alumnos seleccionados para participar en el Programa, se les permitirá salir de uno en uno del aula, a la vez que se les facilita una bolsa de supervivencia al azar. En esta bolsa encontrarán un mapa de la isla a la que han sido trasladados, un listado con los nombres de  los 42 alumnos que participan, un lápiz, comida, bebida y un arma. El objetivo que tienen todos los participantes, y sin excepción ninguna, es el de matarse entre ellos hasta que solamente quede un único superviviente. El instructor les explica que el motivo de este ejercicio obligatorio no es otro que estudiar las técnicas de supervivencia de cada uno de ellos, las tácticas de guerrillas y los métodos de asesinato.

 

 

Koushun Takami escribió «Battle Royale» y fue publicada en Japón en 1999. Rápidamente la polémica saltó a la palestra debido a la temática del libro, en la que 42 adolescentes están obligados a matarse entre ellos. Esto convirtió la novela en un enorme éxito de ventas propiciando su traducción a varios idiomas. El primer contacto que España tuvo con «Battle Royale» fue a través de su edición en inglés, que apareció en 2006. Finalmente, viendo el ritmo de vendas de la obra de Takami en otros países, la Editorial Planeta sacó la edición española en 2013 en formato rústica y con traducción al español de la versión inglesa a cargo de José C. Vales.

«Battle Royale» asentó los precedentes de este tipo de narrativa. El lema “Solo 1 puede sobrevivir” que acompaña el título hace que nos venga a la mente la película «Los Immortales», y no puede ser de otra forma pues los estudiantes de esta novela deben perseguirse sin descanso  y eliminarse entre ellos hasta que solamente quede un ganador. Pero hasta ahí las coincidencias. Si vemos las normas que rigen el Programa, encontramos que ningún estudiante puede abandonar la isla en la que se encuentran. Al mismo tiempo, a medida que va pasando el tiempo y el grupo de participantes va disminuyendo, el instructor irá anunciando zonas del mapa que se convertirán en prohibidas. En el caso de que un estudiante salga de la isla o se encuentre en una de las zonas prohibidas, su collar, conocido como Guadalcanal-22, explotará. Los participantes tampoco pueden ponerse en contacto con el exterior, cualquier intento será inmediatamente inhibido y castigado. Una última norma, si bien es cierto que no hay un tiempo límite para el desarrollo del Programa, si pasan 24 horas sin que haya habido un solo muerto, todos los collares explotarán quedando el Experimento sin ningún ganador. Fuera de estas normas básicas encontramos la repartición de diferentes armas entre los participantes y el hecho de que varias veces al día se anuncie por megafonía el nombre de los participantes que han perdido su vida. Entre esto y otras cosas que no nombraré para no destripar la novela, está claro que muchos autores han bebido de esta distopía creada por Koushun Takami, y quien más influencias ha recibido es Suzanne Collins, creadora de la exitosa trilogía Los Juegos del Hambre.

 

 

A lo largo de las casi 700 páginas de las que consta la edición de Planeta, Takami analiza a cada uno de los alumnos. Es cierto que el autor ha cortado a todos los personajes bajo el mismo patrón sin ahondar demasiado en las descripciones físicas ni psíquicas, pero, contrariamente, se detiene a describir los diferentes comportamientos ante el Programa. Una vez superada la primera fase de incredulidad y terror, vemos como se desarrollan las diferentes actitudes ante la dificultad extrema en la que la propia vida está en riesgo. Así encontramos a alumnos que no han llegado a superar esta primera fase y, todo y no ser capaces de asesinar a un compañero, el miedo atroz a ser atacado les hace estar alerta ante todo y desconfiar incluso de su propia sombra. Otros asumen la situación e intentan juntarse en un grupo grande. La protección de la manada,  a pesar de que sus integrantes sigan desconfiando incluso de los propios miembros de esa manada. Luego están los que se agrupan en equipos reducidos máximo 3 miembros. Estos grupos normalmente se componen de un tándem chico-chica y cada uno vigila las espaldas del otro. Para terminar encontramos a los lobos solitarios, ya sea chico o chica, son personas que no dependen de nadie, frías, calculadoras y que han decidido “jugar” desde el minuto cero.

Junto a las diferentes actitudes, Takami desarrolla, a la par, diferentes filosofías. Empezando por el propio Battle Royale, que el escritor descubrió viendo un combate de lucha americana en la que observó un ring lleno de luchadores en las que cada uno tomaba una táctica diferente adaptando así sus aptitudes físicas contra los demás luchadores. La república imaginaria donde se desarrolla la historia, todo y no ahondar demasiado en ella, se trata de un estado dictatorial con un líder autoritario en constante lucha contra el Imperio Americano, esto nos lleva a ciertos paralelismos con la dictadura de Corea del Norte. Otros pensamientos que destacan en las páginas de «Battle Royale» son los discursos antibelicistas. Enfocados desde diferentes ópticas, cada uno de estos discursos se basan en las motivaciones personales de cada personaje igual que las diferentes críticas que estos hacen a la propia existencia del Programa.

 

 

La descripción de los militares y sus pensamientos totalitarios quedan reflejados únicamente en el instructor. Único militar en el que el autor ahonda un poco y al cual retrata como un individuo fiel a un sistema del cual se aprovecha para su beneficio personal. Cínico, sardónico, cruel, insensible, fanático y sátrapa, Takami deja entrever qué piensa del poder militar volcando todo su odio en el desarrollo de este personaje.

«Battle Royale» sorprende aunque ya se tenga una ligera idea de cómo se va a desarrollar la narración, incluso después de haber visto o leído (o jugado) a algún producto cuyas fuentes inspiradoras hayan sido la obra de Takami. Apasiona leer sobre las diferentes tácticas que toman cada uno de los estudiantes y como la interacción entre ellos frustra los planes de unos o da vidilla a otros que no veían posibilidades de supervivencia. El lector queda enganchado desde la primera página encadenando asesinatos y traiciones hasta llegar al clímax final que, estoy seguro, no decepcionará a nadie.

 

 

El éxito de «Battle Royale» propició que el libro se llevara a la gran pantalla en un film que lleva el mismo nombre que el libro y con Takeshi “Beat” Kitano en el papel de tutor de la clase de 3ºB. Cabe decir que el film difiere ampliamente de la trama narrada en el libro. La película, estrenada en el año 2000 también arrasó en taquilla dando paso a una segunda parte titulada «Battle Royale II: Réquiem», en la cual Koushun Takami no participó.

En vista del éxito del libro y del film, Takami decidió adaptar el guion de su obra para un manga de 15 volúmenes. En este, todo y ser bastante fiel a la historia narrada en el libro, el autor tuvo la oportunidad de profundizar más en los 42 estudiantes y cada una de sus personalidades. Años más tarde, el propio Takami retomó a los personajes de «Battle Royale» para escribir el guion de otro manga bajo el título Battle Royale: Angel’s Border. Un «spin off» que toma a los personajes que protagonizan el episodio del faro y narra su cotidianidad meses antes de esos hechos y de cómo transcurren sus vidas hasta llegar hasta ese momento. Los dos mangas han sido publicados en España por la Editorial Ivrea.

 

 

Termino diciendo que existió un proyecto de llevar Battle Royale a la televisión. Visto el éxito que estaba cosechando tanto en librerías como en salas de cine Los Juegos del Hambre, clara copia edulcorada del Battle Royale original, una red de televisión estadounidense planteó de crear una serie con la historia de Takami. Finalmente el proyecto acabó desechado a causa del tiroteo de Sandy Hook y la masacre de Aurora, incidentes que ocurrieron con menos de 6 meses de diferencia y que decantaron a los creativos televisivos en la opinión de que no era el momento de crear un producto de ficción con estudiantes matándose los unos a los otros.

 

 


Albert Solé Jerez

 

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«Antes todo esto era campo atrás» de Pablo Lolaso

Ficción, humor y mucho basket

 

«Antes todo esto era campo atrás» de Pablo Lolaso, y publicado por Córner Editorial, es una bella historia de ficción y humor de 192 páginas narrada en presente y en primera persona que nos lleva al surrealismo. Saltos al pasado y multitud de referencias al panorama baloncestístico harán la experiencia lectora divertida, amena, cercana y, por qué no decirlo, real.

La historia nos traslada al universo de Pablo, un viejo exentrenador de la élite del baloncesto español que ahora disfruta de su vida de jubilado en un pueblo perdido de la mano de Dios, junto con Pepe, su antiguo y fiel delegado del cuerpo técnico de sus equipos. Juntos se embarcarán en la aventura de entrenar a un grupo de patanes del club de al lado de su casa. Todo deriva en el surrealismo cuando a Pablo le suenan misteriosamente las caras de los entrenadores rivales con los que se va cruzando y empieza a tener la sospecha de que algo raro está sucediendo.

«Antes todo esto era campo atrás» de Pablo Lolaso, cuenta con el prólogo del brillante técnico Pablo Laso, y ha llegado recientemente a su tercera edición. Una obra imprescindible para los amantes de la mística del basket y de la buena literatura.

 

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«Los locos del gekiga», de Masahiko Matsumoto

“Esta es la historia de unos idiotas redomados de Naniwa (Osaka) que tenían una perspectiva limitada de la vida diaria”.

 

En cualquier tipo de revolución encontraremos fervientes seguidores y férreos opositores. Si habéis seguido un poco mis escritos os habréis dado cuenta de que soy un auténtico admirador del gekiga, el revolucionario estilo que lanzó el manga a una dimensión mucho más global acercando el arte secuencial a los adultos y dejando atrás el concepto de que los cómics son un simple pasatiempo para niños.

Se habla de Yoshihiro Tatsumi como padre del gekiga pues fue él quien acuñó el nombre y creó una ingente cantidad de historias gráficas que con el tiempo traspasaron las fronteras japonesas. El gekiga dejaba atrás las temáticas infantiles aportando complejidad en su contenido y dándole un estilo muy cinematográfico a la forma. Historias oscuras, experiencias personales, erotismo y personajes profundos empezaron a llenar las páginas de las revistas de alquiler (en aquel tiempo de postguerra y miseria no todo el mundo podía permitirse comprar una revista). A pesar de las reservas de los editores que no concebían un comic sin chistes ni escenas divertidas, el nuevo estilo empezó publicándose en Osaka.

Por aquel entonces la distribución a nivel nacional era harto complicada y las publicaciones de entretenimiento se hacían de manera local. Rápidamente el éxito desbordó toda expectativa y la revista “Kage” (Sombra) se convirtió en la más demandada de las librerías de alquiler. Las editoriales se afanaron para copiar la fórmula y empezaron a aparecer clones de la revista “Kage” en otros puntos del país, especialmente en la gran Tokio, la meca de cualquier dibujante. A día de hoy es innegable la aportación que el gekiga ha hecho a la historia del cómic y el valor artístico que este contiene. Pero todo comienzo es duro y más cuando hay que luchar contra la adversidad económica y la incomprensión de los que deciden. Así que hay que estar muy agradecido al empeño de tres grandes artistas que lo dieron todo por una visión diferente del arte que desarrollaban. Tres visionarios que aguantaron todos los chaparrones que se les vinieron encima. Tres amigos que se apoyaron los unos a los otros en los peores momentos. Tres genios. Tres locos.

 

 

Satori Ediciones ha publicado este 2021 “Los Locos del Gekiga” de Masahiko Matsumoto (1934 – 2005). Una historia comprendida en un solo volumen de unas 320 páginas encuadernada en rústica con una sobria sobrecubierta de tonos anaranjados y siguiendo los altísimos criterios de calidad que esta editorial ya nos tiene (demasiado bien) acostumbrados. La traducción corre a cargo de Marc Bernabé y como curiosidad decir que las primeras páginas están impresas con detalles en tinta roja, como se hacía en la época.

 

“Esta es la historia del sufrimiento, las alegrías y, por qué no, las desdichas de muchos jóvenes que invirtieron su juventud entera en la creación del gekiga”

 

 

Finales de la década de 1950, tres dibujantes se encuentran en las oficinas de la editorial para la cual trabajan. Estos tres personajes no son otros que Yoshihiro Tatsumi, Takao Saitô y Masahiko Matsumoto. A partir de aquí se nos narrarán las peripecias que estos tres amigos tuvieron que pasar para tirar adelante su sueño de cambiar lo que hasta ese momento había sido el cómic japonés. La historia nos hará saltar de un punto a otro de este proceso creativo mostrando desde dentro cuál era el estilo de vida de un mangaka de esa época. Nos invitará a descubrir el sórdido mundo de las editoriales, sus tácticas y sus arriesgadas apuestas que a veces salían bien y otras veces salían mal. Nos enseñará lo que eran las dificultades económicas tanto de los autores como de los editores constantemente perseguidos por sus acreedores. Y como no podía ser de otra manera, veremos el día a día de estos tres grandes genios (y también su “noche a noche”).

Matsumoto nos ofrece un relato sincero, llano y sin rencor de unos años duros de su vida. Una época que, a pesar de sus desencuentros, frustraciones y miseria, el autor nos la muestra con el orgullo de saber que revolucionaron el estilo del manga catapultándolo a la consideración de arte. Un tiempo en que la fuerza y la perseverancia de tres jóvenes consiguieron que sus sueños se hicieran realidad. El estilo de dibujo es sencillo, sin grandes alardes de estilo, pero su narrativa nos sumerge en el Japón de mediados del siglo XX mezclándonos con personajes reales (Kazuo Umezz, Sakyô Komatsu, Shichima Sakai) y otros ficticios pero basados en las propias experiencias de estos tres compañeros de fatigas. El ritmo es pausado, dejando espacio para la reflexión y los diálogos entre los protagonistas para que el lector comprenda el proceso creativo de estos tres genios, junto con sus desengaños, dudas y frustraciones. Un dramatismo bien hilvanado conduce al lector a través de las densas páginas de esta obra, densas en viñetas y en diálogos, llevándonos de viaje a los años 1950 donde la recuperación económica producía más incertidumbres que alegrías. No faltan en esta historia los pequeños pasajes de humor socarrón que nos harán sonreír ante la picardía de algún personaje para hacer frente a ciertas situaciones adversas.

 

 

La lucha de Matsumoto, Tatsumi y Saitô para tirar adelante este nuevo género no era solo contra la penuria económica, sino que tuvieron que lidiar contra la opinión desfavorable del Movimiento de Erradicación de Libros Nocivos que tenía al manga y a sus autores en el punto de mira. La bonanza económica de la sociedad japonesa también fue un arrecife que hizo naufragar a los autores de manga, aunque de buenas a primeras esto parezca contradictorio, la narración de Masahiko Matsumoto nos lo aclara a la perfección.

“”Los Locos del Gekiga” es una lectura apasionante. El cómic dentro del cómic relatado en un estilo tan japonés como es “la narrativa del yo”. Un documento vital por parte de Masahiko Matsumoto que absorbe completamente al lector y le permite apreciar en primera persona las dificultades, frustraciones, alegrías, penas y enfados de este trío tan especial. Un pedazo de historia tremendamente ambientado y repleto de personajes pintorescos que dejan entrever la desenfadada mentalidad japonesa de la época y su particular filosofía. Un relato descarnado sobre el nacimiento de un nuevo estilo que ya forma parte de la historia del cómic mundial. Un álbum de lectura obligada para todos los amantes de la novela gráfica y un imprescindible en cualquier biblioteca que se precie.


Albert Solé Jerez
www.japaniums.blogspot.com

 

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Marguerita, John Wayne y el «misterioso» barco de la Costa Brava

¿Se trató del “Norwester” o, quizás, de la copia que se utilizó para el plató de “Red River”?

 

En abril de 2013 un yate de nombre “Marguerita” zarpó del puerto de Roses (Cataluña, España) con destino a Francia. Al poco tiempo de navegar, una vía de agua hizo que el barco naufragara. Como que el barco no se hundió del todo, las autoridades de salvamento y guardacostas creyeron oportuno remolcarlo hasta el cercano puerto de Portbou para evitar posibles colisiones con otras embarcaciones. Nadie reclamó el yate como su propiedad y durante mucho tiempo estuvo amarrado en el puerto fronterizo esperando una solución administrativa.

 

 

Poco a poco la gente empezó a acercarse al puerto de Portbou para fotografiarse al lado del yate. Lo que al principio eran unos pocos curiosos acabó convirtiéndose en un desfile de gente que mostraba abiertamente su interés por sacarse un retrato al lado del barco. ¿Cómo es posible que una embarcación abandonada a su suerte y rescatada por salvamento marítimo produjera tanto interés entre la población? La razón no era otra que varios periódicos locales se hicieron eco de que esa embarcación perteneció al actor John Wayne.

 

 

Parece ser que una de las mayores aficiones del actor hollywoodiense era navegar, y así lo demuestran las numerosas fotografías que existen de Wayne al timón de alguno de sus yates. También es verdad que estuvo navegando por la Costa Brava en la época en que rodó en Barcelona la película “Circus World”, en España conocida como “El maravilloso mundo del circo”, en 1964. Pero hasta ahí las coincidencias.

Dicen las malas lenguas que el primer yate que perteneció a John Wayne fue el “Marguerita”, un Crusader de madera de 20 metros de eslora construido en Massachusetts en 1933. El nombre del barco provenía de una antigua amante del actor, dicen que se enamoró del barco y decidió ponerle su nombre. En 1948 se mandó construir una réplica del yate pues este formaba parte de los decorados de la película “Red River”, y como el actor temía que le dañaran el casco prefirió utilizar una réplica. A la muerte del actor en 1975, legó el yate a su abogado con quien compartía la afición por el mar. A partir de ahí se perdió su pista hasta que reapareció en 2009, cuando el “Marguerita” compitió el Trofeo Almirante Conde de Barcelona.

 

 

Cuando las autoridades pusieron el barco en el dique seco después de ser reflotado, encontraron que la embarcación, pintada de amarillo, se encontraba con el casco en muy mal estado y el resto de la nave en un deterioro muy avanzado. Los trabajos de restauración solamente dieron problemas y pérdidas al puerto de Portbou, pero finalmente se pudo vender por medio millón de euros.

La realidad es que John Wayne tuvo en su propiedad un yate cuyo nombre fue “Norwester”. Si miramos las fotografías de ambas embarcaciones tendremos la impresión de que se trata de barcos gemelos. Su parecido es verdaderamente asombroso, pero no hay que dejarse llevar por la fantasía popular de algunos periodistas locales pues el “Norwester” sigue navegando por aguas norteamericanas a día de hoy. Otro dato que se pasa por alto es que cuando el actor navegó por la Costa Brava lo hizo con el “Wild Goose”, un viejo dragaminas del ejército americano transformado en yate de lujo por el propio Wayne.

 

 

A partir de aquí que cada uno crea lo que quiera. ¿Es el barco naufragado en la Costa Brava el mismo que pilotó John Wayne? ¿Se trata del “Norwester” o, quizás, de la copia que se utilizó para el plató de “Red River”? ¿Es todo fruto de la imaginación desatada de unos periodistas poco informados? Que cada uno haga su apuesta.

 


Albert Solé Jerez
www.japaniums.blogspot.com

 

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«Freedom», recordando el mejor documental de George Michael

La vida de Georgios Kyriacos Panayiotou en un documental imprescindible

 

«Freedom», publicado en 2016, es posiblemente el mejor documental sobre la vida de Georgios Kyriacos Panayiotou, mejor conocido como George Michael.  Un documental póstumo dirigido por él mismo junto a su amigo y manager David Austin poco antes de su inesperado final. Kate Moss, Elton John, Stevie Wonder, Nile Rodgers o Jean-Paul Gaultier y algunos de los iconos más actuales de la escena musical como Liam Gallagher también aparecen en el documental.

Todos ellos destacan de inicio su valor musical como algo perceptible incluso desde sus primeros pasos con el pop para adolescentes con la formación Wham!, En plena recesión británica durante los años 80. Ya en solitario, logró confeccionar un nuevo personaje, más sofisticado, alguien «que pudiera estar a la altura de Madonna, Michael Jackson o Prince», un momento que llegó con la publicación de su primer álbum en solitario, Faith (1987).

«En 1988 George Michael se convirtió en el artista de mayor éxito comercial del mundo.» Esta es una historia sobre cómo la fama y la tragedia intervinieron para cambiar para siempre el curso de su historia», proclama una voz ‘en off ‘en los primeros minutos del documental «Freedom».

El miedo de no estar a la altura y la soledad, exacerbada por una homosexualidad reprimida desde que estampó su firma en un contrato con la multinacional Sony, le acompañaron al principio, más aún cuando hits como I want your sex, Careless Whisper o la misma Faith lo pusieron de forma constante en el punto de mira. En uno de los momentos más escalofriantes del documental recuerda como la sombra del sida se asomó por primera vez en su vida cuando Anselmo (su primer gran amor) viajó a Brasil para hacerse la prueba y pasaron separados la Navidad, ignorando su entorno, bajo la amenaza de que también él pudiera haber contraído la enfermedad.

Estas y demás historias de este gran artista encontrarla explicadas al documental «Freedom» de George Michael, incluido el litigio que lo convirtió en el primer gran artista en querer romper su contrato con una gran discográfica, proceso en el que no recibió el apoyo de ningún artista en ningún momento, como bien se remarca. Y es que el artista nunca se rindió por muy difícil que fuera la situación.

 

 

 

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El imparable aumento del odio a los animales y el alquiler en España

Países como España se están situando en la cima del odio animal

 

¿Hasta qué punto es legal publicar un anuncio para alquilar un piso prohibiendo el acceso de animales a la vivienda? ¿A caso son todos los humanos cuidadosos a la hora de pagar el alquiler o tener cuidado de un inmueble? ¿Os imagináis algo tan absurdo como no alquilar un piso a una persona por su etnia, clase social o género independientemente de su cuidado y actitud? Evidentemente podría ser denunciado, llevado a todas las televisiones y resto de medios de comunicación. ¿Y cuándo pasa con los animales? Se hace el silencio.

El aumento del odio a los animales sigue imparable día tras día en países tan atrasados en el derecho animal como España, donde los propietarios de inmuebles que odian profundamente a los animales pueden seguir restringiendo el acceso a la vivienda a familias que convivan con ellos. Y lo hacen 100% apoyados por la ley, la política y el silencio de las supuestas plataformas animalistas españolas más pendientes de las donaciones que de hacer su trabajo… Algo inaudito teniendo en cuenta que cada vez más animales conviven con personas y menos personas disponen de dinero para comprar su propia vivienda.

En el artículo 4.2 de la Constitución Española se deja claro que “los arrendamientos de vivienda se regirán por los pactos, cláusulas y condiciones determinados por la voluntad de los implicados”. Esto significa que cualquier propietario, tiene derecho a prohibir mascotas en el alquiler siempre y cuando figure en el contrato.

¿Entonces qué pueden hacer las familias que conviven con animales y que no tienen suficiente dinero para comprar un inmueble? ¿Cuál es la solución que dan los gobiernos? Ninguna. Así de claro, por lo que al final se debe apostar por mentir a los propietarios y exponerse a ser expulsados de sus pisos, una situación extrema y vergonzante que parece que no tiene solución, ni la tendrá.

El odio a los animales es legal y además es potenciado por las inmobiliarias y principales portales online de alquiler, que en ningún momento protestan o avisan de la grave injusticia que se está cometiendo, participando activamente de un agravio y un crimen sin pena.

 

 

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Atlántropa, el proyecto para secar el mar Mediterráneo

Una idea que hubiera cambiado el Sur de Europa

Simulació d'Atlàntropa

El ingeniero alemán Herman Sörgel en 1929 planificó la construcción de un inmenso dique en Gibraltar con la idea de unir Europa y África secando el mar Mediterráneo, este proyecto fallido recibió el nombre de Atlántropa. Uno de los sueños más colosales jamás realizados por el ser humano y que por suerte no salió adelante porque hubiera supuesto la ruina y la defenestración del ecosistema de miles de animales.

A Herman Sörgel le pasó por la cabeza que desecar el Mediterráneo era una de las mejores cosas que podía hacer una Europa superpoblada. Así, desarrolló su proyecto Atlántropa que consistía en crear una gran presa que juntara las columnas de Hércules y convierte el estrecho de Gibraltar en la central hidroeléctrica más grande del mundo. El cierre de la conexión entre el Atlántico y el Mediterráneo haría emerger más de 600.000 km² de terreno y África y Europa que serían conectadas por tierra y ferrocarril.

 

 

Para Sörgel, con Atlántropa acabaría el paro, la superpoblación y la crisis energética. Probó de vender su plan a Hitler y Mussolini, pero a ninguno le gustó la idea de que los africanos llegaran a Europa sin arriesgar la vida en el Mediterráneo. Ni Mussolini quería cambiar de lugar sus puertos, ni Hitler quería alterar sus planes de dominio de Europa.

El día de Navidad de 1952 dictó una conferencia sobre las bondades de su proyecto en la universidad de Mónaco de Baviera. A la salida, cuando iba en bicicleta por una avenida semi desierta, un automóvil le pasó por encima, dos días después lo enterraron.

Para ampliar información sobre este proyecto tan surrealista recomendamos un interesante documental alemán de 60 minutos del director Michael Morales titulado Der Traum vom neuen Kontinent.

 

 

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«Batman: Three Jokers», la esperada secuela de «La Broma Asesina»

La esperada secuela de los hechos de «La Broma Asesina» y «Una Muerte en Família»

 

“Three Jokers” es una auténtica obra de arte del cómic para los amantes del Caballero Oscuro que actúa como secuela directa (espiritual según su dibujante) de los hechos acaecidos en la mítica historia de “La Broma Asesina” de Alan Moore y el dibujante Brian Bolland.

La historia de «Three Jokers» nos sitúa como no podía ser de otra forma en plena Gotham donde al parecer en la misma noche se han sucedido 3 avistamientos de crímenes cometidos por el Joker, en 3 lugares diferentes al mismo tiempo. Este hecho hará que los protagonistas de la batfamília de esta historia tengan que cooperar para investigar qué es lo que está sucediendo con Joker.

 

 

Geoff Jones nos plantea una situación inmersiva, un cómic de intriga con los componentes detectivescos más famosos de las historias del murciélago, donde no solo vamos a explorar antiguos traumas del pasado de la vida de la Batfamila metiéndonos completamente en la psique de estos personajes, sino que además vamos a ver de primera mano cómo luchan contra sus demonios.

En cuanto al personaje del Joker, o en este caso los 3 Jokers por un lado tenemos una versión más clásica del personaje perteneciente a la «Golden Age», al que denominamos “El criminal”, luego tendríamos a “El payaso”, quien parecer ser la versión que vimos durante Una muerte en la familia, y por último, pero al que probablemente todos los fans tengan más en mente “El comediante” que viene a ser la versión de la aclamada «La Broma Asesina» de Alan Moore.

 

 

No es ni de lejos una casualidad la elección de estas 3 versiones de Joker, pues cada una de ellas guarda una estrechísima relación con los protagonistas de este comic y es precisamente el punto más fuerte que Geoff Jones ha sabido explotar. «La historia remonta al principio, cuando Batman se encontró por primera vez con el Joker, pero también a La broma asesina y a Muerte en la familia. Bárbara y Jason han pasado por mucho, al igual que Bruce, y se centra realmente en la curación, en las cicatrices y heridas y en las consecuencias que eso tiene para alguien. A veces te cambia para bien, a veces para mal. Puedes sanar para bien o sanar para mal. Y de eso trata la colección, de la mala sanación, …» concluyó el guionista sobre la historia de tres números, a la que su dibujante Jason Fabok considera «una secuela espiritual» de la legendaria historia de «La Broma Asesina».

 

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El cómic de Spiderman del millón de dólares

Se ha revalorizado el doble en el espacio de tan solo 5 años

 

Una copia publicada en 1962, y en casi perfectas condiciones, del Amazing Fantasy 15 de Marvel que contiene la primera aparición de Spiderman se ha vendido por más de un millón de dólares, ¡convirtiéndose así en el cómic Marvel más caro de la historia!

Curiosamente, esta misma copia de la primera aparición de Spider-Man en los cómics se vendió en 2016 por 450.000 dólares. Ahora se ha vendido por la friolera de 1.050.000 dólares. El comprador dobló la inversión en 5 años…

 

 

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El periodismo del blanqueo, nueva fábrica de odio y racismo

Ascendencia, religión o género pueden ser motivos para culpar o no a un criminal

 

¿Habéis alucinado alguna vez con las licencias, y los surrealistas juegos de palabras, que se toman la mayor parte de medios de comunicación para criminalizar o blanquear un delito dependiendo del origen o sexo del agresor o agresora?

Corren tiempos turbios para los medios de comunicación «oficiales», su afán de manipulación y «clickbait» se está desarrollando bajo nula supervisión por parte de los gobiernos, también auténticos cómplices de la total desinformación a la población.

La nueva moda, aunque se lleva practicando desde hace años, es ocultar a toda costa algunos crímenes (hasta que se vuelven virales en redes sociales) o la nacionalidad u origen de los criminales que los han perpetrado por razones de ascendencia, religión, condición social o incluso de género, hasta el punto de llegar a rozar el ridículo.

 

 

La manipulación de las luchas sociales para fines propagandísticos es algo que hemos visto a lo largo de la historia en los partidos políticos, y que también se había dado en menor medida en los medios de comunicación. Aunque actualmente parece que los conceptos «manipulación política» y «periodismo» se funden con total naturalidad… A pocos se le escapa que los grandes medios de comunicación no viven de la publicidad, sino del desvío de fondos públicos por parte de las administraciones que dictan noticias al pie de la letra.

Tan exagerada es la situación actual que se ha llegado a borrar de la escena mediática a las víctimas (algunas incluso son acusadas), para en su lugar ofrecernos contenidos de redención y justificación de horribles crímenes. Hasta tal punto hemos llegado que auténticos casos de terrorismo pasan a ser considerados como simples hechos aislados por parte de personas con problemas mentales.

 

 

Como si de un concurso literario dedicado a la figura retórica de la alusión, medios de comunicación online y offline practican días tras día de forma cínica este nuevo «periodismo del blanqueo», provocando el aumento descontrolado del odio y del verdadero racismo. El enfrentamiento, la indignación y la impotencia son poderosos excitantes para tenernos enganchados a cualquier pantalla, y esto es bien conocido por los autores de tan deleznables estrategias.

Un crimen es un crimen, cometa quien lo cometa, y la estadística nunca engaña, el resto siempre será manipulación. Sin condena de la violencia, venga de donde venga, y con justificaciones de todo tipo, los problemas no desaparecen, sino que se multiplican y crean con los años auténticos problemas sociales nacidos de una nueva fábrica de odio y racismo irracional. Algo que en una sociedad sana no debe existir.

 

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«Yuko», 12 historias protagonizadas por mujeres fatales

“Yuko” compila los relatos de Ryoichi Ikegami del período que va desde 1999 a 1991

 

En su particular cruzada por traernos a los grandes autores del manga, Satori Ediciones publicó a finales de abril el primer volumen (de dos) que rinde homenaje a Ryoichi Ikegami, ilustrador, entre muchas otras obras, de la exitosa  “Crying Freeman”. Ikegami ha dedicado la mayor parte de su carrera a ilustrar y materializar los guiones y personajes ideados por otros autores y, muy a su pesar, le cuesta identificar estas creaciones como propias. El público en general pide personajes alegres, empáticos y llenos de energía que viven aventuras constantes con peleas, persecuciones, sexo y otras emociones, y esto es lo que les ofrece dando forma gráfica a guiones ajenos. Este sería el Ikegami más comercial, rendido al negocio editorial que le ha proporcionado la suficiente fama y recursos económicos para poder dar rienda suelta a sus propias creaciones, frutos de su verdadera esencia y que ahora podemos disfrutar en este primer volumen de 440 páginas aproximadamente y que lleva por título “Yuko”.

“Yuko” es un compendio de 12 historias protagonizadas por mujeres fatales el influjo de las cuales desata las más bajas pasiones de los hombres que caen en sus redes. Historias inmorales de obsesiones compulsivas y comportamientos malsanos relatadas con elegancia pero sin ahorrar en detalles eróticos ni escabrosos. La elegante plasticidad del dibujo y la excelencia en el trazo de Ikegami nos ofrecen un estilo hiperrealista que casa a la perfección con el tipo de relato sórdido que llena las páginas del libro. Relatos para adultos donde se reflejan las partes más oscuras del alma humana y sus instintos más primitivos.

 

 

Ikegami empezó a cosechar fama a partir de su debut en la mítica revista Garo, cuna del gekiga más artístico y experimental. Su estilo limpio, de trazo firme y claridad visual destaca muy por encima del de sus propios compañeros de publicación. Prima en su trabajo la capacidad de llenar las escenas con miles de detalles con una precisión fotográfica asombrosa. Especializado en la figura femenina, Ikegami dibuja bellísimas mujeres de cuerpos perfectos con caras de muñeca de porcelana. El nivel de expresividad de sus personajes queda centrado en la maestría del dibujo de los ojos. Éstos centran la mirada del lector y consigue que sean el reflejo del alma del personaje.

Las historias albergadas en este volumen son de lo más dispares, aunque siempre tengan a la mujer como eje central de la narración. Para empezar, encontramos grandes diferencias en su longitud, desde capítulos de una cincuentena de páginas a otros que son de apenas ocho hojas, debido a la forma de publicación y a los requisitos del editor del momento. Por otro lado, las temáticas nos llevan desde el Japón feudal hasta la época actual, pasando por cuentos fantásticos o la adaptación de relatos de grandes autores literarios como Kikuchi, Kyôka o  Akutagawa. Esta mezcla tan heterogénea de temáticas narrativas nos muestra la gran versatilidad de este autor a la hora de contextualizar a sus atormentados personajes.

 

 

Títulos como “En tiempos de Yuko” donde un jugador con grandes deudas pierde a su bella pareja al prestarla como modelo a cambio de dinero a un sádico pintor; “El lado oscuro de Shanghái” protagonizado por una pareja que perdió a su hijo y que buscan consuelo por los bajos fondos de la ciudad en la que cualquier tipo de placer puede ser comprado; “El zarcillo” muestra la obsesión de un ginecólogo por una paciente que lleva un anillo con forma de flor dentro de su sexo o “El roce del súcubo”, en la que un profesor de instituto se obsesiona con un de sus alumnas son un claro ejemplo de la belleza malsana que esconde la obsesión y el deseo carnal. Un festival de situaciones oníricas y extremas que llevan al erotismo a un nivel superior, arte sin paliativos. Un imaginario sensual y sexual por el que los tristes personajes de Ikegami se mueven guiados por un destino cruel que los abocará a la locura.

 

 

“Yuko” compila los relatos de Ryoichi Ikegami del período que va desde 1999 a 1991 y están traducidos directamente del japonés por Marta Moya. El grueso volumen está impreso en papel de primerísima calidad encuadernado en rústica. La sobrecubierta, sobria, que muestra el arte del autor con un primerísimo plano de una de sus protagonistas, está tintada con un elegante color malva sobre el que destacan en blanco el título y el nombre del autor. La primera página, la única en color, es una fantástica ilustración de la protagonista de “El biombo del infierno”. El volumen se remata con una entrevista al autor y que ha servido de base para este artículo. Por cierto, Satori Ediciones pronto publicará la segunda parte de esta oscura colección de relatos de Ikegami bajo el nombre de “Oen” que abarcará el período creativo que va de 1966 a 1972.

 

 


Albert Solé Jerez
www.japaniums.blogspot.com

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