Cine
Crítica de Outrage, la trilogía de Kitano
Analizamos a fondo la trilogía de Takeshi Kitano iniciada el año 2010
Si nos piden que digamos el título de una película en la que se muestren los entresijos de la mafia, la primera que les viene a la cabeza al 95% de las personas es, sin lugar a dudas, “El padrino” de Coppola. No voy a poner en duda que esta película es una obra maestra en todos los sentidos: dirección, ambientación, interpretación, narrativa, banda sonora y cualquier otro aspecto valorable, cinematográficamente hablando. Pero (y sí, siempre hay un pero) Pero si tomamos “El Padrino” como una trilogía sobre la mafia italiana afincada en los Estados Unidos de América, veremos que la cosa (nostra) hace aguas con la segunda y, sobre todo, tercera entrega. Es por este motivo que quiero reivindicar la trilogía “Outrage”, dirigida por Takeshi Kitano, ahora que está disponible al completo en la plataforma Amazon Prime.
Kitano empezó su carrera artística formando parte del dúo humorístico “Two Beat”, los que ya tenemos una edad recordaremos esa etapa suya de cuando se emitió por la televisión privada el programa original “Takeshi’s castle” (nada que ver con lo que se está emitiendo ahora) y que aquí se tradujo desacertadamente como “Humor amarillo”. Con el éxito, Kitano empezó a interpretar roles serios en producciones cinematográficas para, con el tiempo, ponerse detrás de las cámaras. Las películas de Kitano giran alrededor del drama mafioso o policial, utilizando un negro sentido del humor a la vez que invita a la reflexión creando personajes ambiguos entre el bien y el mal pues, simplemente, son fieles a sus principios morales.
“Outrage” dirigida e interpretada por Takeshi Kitano se estrenó en el 2010 y fue distribuida internacionalmente por la Warner Bros. En ella se retratan los tejemanejes de diferentes familias de yakuza disputándose el poder en los negocios sucios. Otomo (Interpretado por Kitano) está del lado del clan Ikemoto luchando contra los del clan Maruse en una disputa territorial. Si esta guerra abierta da los frutos esperados, Otomo, como brazo ejecutor de todo el plan, espera ascender en el escalafón de poder que rige la organización criminal.
Esta primera entrega retrata el ambiente sórdido por el que se mueven los integrantes de la mafia japonesa. Un oscuro mundo de tiroteos a plena luz del día y de meñiques cortados. Drogas, prostitutas, bares de alterne, casinos ilegales, asesinatos, ocultación de cadáveres, extorsión, usura, tráfico de influencias, traiciones, corrupción policial, persecuciones en coche… todo un sinfín de actos criminales destinados a aumentar el territorio de acción del clan junto con los beneficios.
Mantener el respeto de las otras familias requiere brutalidad y contundencia, y esa es la especialidad de Otomo. Mandar mensajes a los otros clanes a través de acciones violentas a la vez que se intenta conservar las relaciones entre ellos, conforma un delicado equilibrio que el filme nos muestra de manera muy concisa y directa (véase la escena del dentista, por ejemplo).
Kitano deja el peso de la interpretación a todo el elenco de actores mientras él se centra en su trabajo de dirección. No obstante, las escenas en las que hace aparición quedan llenas con su presencia. Interpretación sencilla y comedida, muy al estilo japonés, pero que impone y da credibilidad a un personaje feroz y sin escrúpulos (la parálisis facial que sufre el actor ayuda muchísimo en este aspecto). Enigmático y opaco, nunca sabes que está pensando cuando te mira a los ojos con esa media sonrisa tan bien entrenada.
“Outrage” está compuesta por largos planos y le cuesta de arrancar. La primera escena, donde se nos presentan a todos los personajes, es una larga conversación negociadora en la que se apoya el resto del film. 20 minutos de diálogos en la que el espectador irá más que perdido pues estos diálogos cobran sentido más adelante, cuando uno se ha familiarizado con los personajes y sabe, por fin, quien es quien, a que clan pertenece cada personaje y que puesto ocupa dentro de él. La violencia llena todo el metraje, ya sea comedida o explícita, y en muchas ocasiones Kitano apagará la cámara para mostrar solamente las consecuencias de la brutalidad yakuza. De la misma manera que el filme empieza lento, este va cogiendo ritmo a medida que pasan los minutos y, una vez está lanzado, el espectador podrá ver como es la mafia japonesa por dentro y toda su variedad de negocios. Igual que una vieja locomotora diesel que arranca despacio, el filme coge su velocidad máxima cuando se acerca al final, con muertes y sangre por doquier y un tremendo giro inesperado de los acontecimientos.
En 2012 se estrena “Outrage 2” o “Outrage Beyond” como se conoce internacionalmente. Los hechos narrados en la primera entrega traen cambios en la organización de los clanes. Siguen las luchas por ampliar el negocio, pero ahora son los miembros jóvenes quienes tienen más influencia que los veteranos, situación inadmisible para la mentalidad japonesa. Aunque se pretenda modernizar la yakuza, los viejos no están nada contentos con este cambio de paradigma, a la vez que se acrecientan sus sospechas sobre la conspiración llevada a cabo durante el primer filme. Tampoco la policía está conforme con esta nueva situación, los jóvenes no conocen ni dios ni dueño, y conspirará para que los veteranos vuelvan a tomar el poder de la mafia. Por su lado, Otomo sale de cárcel después de 5 años, y ya va siendo hora de que se cobre su particular venganza por lo ocurrido en la primera entrega.
En esta continuación Kitano nos ofrece un guion mucho más elaborado y complejo. Ya no interesa mostrar el negocio de la mafia, pues ya lo hizo con todo lujo de detalles durante la primera película, sino que prefiere centrarse en la guerra entre familias, sus traiciones y sus intrigas por el poder. Aquí veremos muchos más ajustes de cuentas y la brutalidad con la que estos se llevan a cabo. Kitano tiene menos presencia en pantalla, pero su trabajo detrás de la cámara mejora respecto a la primera película. La complejidad de los planos y las secuencias es mucho mayor y el guion contiene muchos giros que nos mantendrán amorrados a la pantalla hasta el minuto final.
La segunda entrega es superior (en mi humilde opinión) a la primera en cuanto a historia y ejecución. Quizás la película no sea tan “educativa” como la primera, pues ya no se centra en los diferentes chanchullos de la organización, sino que ahora ahonda en las relaciones entre sus miembros, poniendo toda la atención en la parte humana. Aquí los actores se crecen, Kitano se aparta, les da rienda suelta y deja que se explayen para construir personajes realmente profundos e interesantes. El espectador tiene la oportunidad de conocer las motivaciones de cada uno de ellos, cosa que no ocurría con la primera de la trilogía. La labor de Kitano de dar forma lógica a todo el revoltijo de emociones, envidias, venganzas, egos y ansias de poder es encomiable. Nadie está a salvo. Es un todo contra todos donde los pactos verbales se los lleva el viento.
“Outrage 3” o “Outrage Coda” se estrena en Japón en 2017 poniendo el punto y final a esta trilogía sobre la yakuza. Otomo está en Corea donde rige un casino y un negocio de prostitución. Las cosas van más o menos bien hasta que un yakuza mata a un empleado del Señor Chan, el protector de Otomo. Esta afrenta no puede quedar impune y Otomo se verá obligado a volver a Japón para resolver el asunto como solamente un verdadero yakuza sabe hacer, a la vieja usanza.
El colofón de “Outrage” no podía ser mejor. Esta tercera parte quizás sea la entrega más floja de la trilogía debido a que los personajes ya empiezan a estar gastados, los años no pasan en balde, ni siquiera para los que están fuera del sistema. También se pierde el impacto que causó, sobre todo la primera película, mostrando los métodos expeditivos y desalmados de la mafia nipona. Estos ya no sorprenden al espectador pues se ha perdido la novedad y ya nos hemos familiarizado con su brutalidad y contundencia. Sin embargo, Kitano firma un guion todavía más complejo lleno de conspiraciones y traiciones que consigue mantener al espectador en vilo hasta la gran traca final.
Para este film, un Kitano mucho más maduro gana protagonismo delante de la pantalla y lleva la mayor parte del peso de la interpretación sobre sus hombros. Con un presupuesto mucho más holgado que en las anteriores películas, las escenas de acción resultan espectaculares y se nota que se ha tirado la casa por la ventana, el tiroteo en cámara lenta en la fiesta es una magnífica muestra. Puedo afirmar con total seguridad (y vehemencia) que en “Outrage 3” encontramos a un Takeshi Kitano totalmente desatado, metido en su propia salsa, que nos brinda un cierre espectacular para su trilogía sobre la yakuza y que no decepcionará a los amantes del cine de acción.
La trilogía “Outrage” es una de esas maravillas que nos ofrece el cine japonés que ahonda en las organizaciones criminales niponas y las relaciones entre sus miembros. La yakuza abierta en canal mostrando sus entrañas al espectador en un desfile de violencia, conspiraciones y humor negro profundo. La historia de un mafioso de medio pelo que busca prosperar dentro de la familia donde la obediencia a los superiores (padres) y el honor hacia sus semblantes (hermanos) lo es todo. Una filosofía que desciende directamente del código de honor del samurái que conlleva a la muerte a todo aquel que se aparte del camino marcado. Kitano nos regala una historia profunda, repleta de personajes bien trabajados (y mejor interpretados) llena de intrigas y acción a partes iguales. Un espectáculo cinematográfico de primer orden y de excelente factura a descubrir para los que aún no la conocen, para ahondar en ella los que se quedaron con la primera entrega y para revisar con urgencia los que ya la conocen.
Albert Solé Jerez
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Cine
El reboot de «El Señor de los Anillos», todo lo que se sabe hasta ahora
Los fans de Tolkien reciben la noticia con gran expectación
El reboot de «El Señor de los Anillos» será una realidad, ¿pero qué se sabe hasta fecha de hoy de este nuevo proyecto? Las dos trilogías de Peter Jackson basadas en la obra de JRR Tolkien recaudaron más de 6.000 millones de dólares en todo el mundo para Warner Bros. Así que quizá no debería sorprendernos mucho saber que la empresa matriz Warner Bros. Discovery ha urdido un acuerdo para hacer más películas.
Para que quede claro, estas nuevas películas previstas serán independientes de «El Señor de los Anillos: La guerra de los Rohirrim», la historia animada de la casa de Helm Hammerhand, el legendario rey de Rohan. Esta última llegará a los cines el 12 de abril del año que viene.
Dado que la noticia acaba de ser revelada por David Zaslav, Consejero Delegado de WBD, en una reunión con inversores, no hay detalles sobre el origen de las nuevas películas, pero esperamos que la empresa no intente repetir lo mismo. (También es probable que la Segunda Era esté fuera de los límites gracias a las series de televisión de gran presupuesto de Prime Video).
En cuanto a la participación de Jackson, Fran Walsh y Philippa Boyens, no hay nada oficial al respecto, aunque han comentado: «Warner Brothers y Embracer nos han mantenido informados en todo momento», dijo el trío. «Estamos deseando seguir hablando con ellos para conocer su visión de la franquicia de cara al futuro».
«El Exorcista del Papa» es una historia de terror basada en una historia real (más o menos) en la que Crowe interpreta al padre Gabriele Amorth, que durante mucho tiempo ocupó el cargo de exorcista personal del Papa. Si ese nombre te suena, es porque fue el protagonista del documental «El diablo y el padre Amorth», de William Friedkin, allá por 2017.
Este film supone el regreso del director Julius Avery, responsable de Overlord, un blockbuster de terror y zombis ambientado en el Día D, y una vez más equilibra la ambientación histórica con el horror sobrenatural, en el que el padre Amorth se enfrenta a la posesión de un niño. Pero a pesar de todo el contexto del mundo real, esto parece una gran aventura nocturna con un toque desenfadado y todo tipo de travesuras espeluznantes.
¿He-Man y Skeletor aparecieron en Thor: Love and Thunder? Muchos espectadores así lo afirmaron en redes sociales, pero la verdad es que no fue ni un estar egg, a pesar de que la lucha entre Thor y Gorr the God parecía calcada a la lucha entre He-Man y Skeletor por el control de Eternia.
Superman V nunca llegó a producirse, y hay muchas razones por las que Christopher Reeve no volvió a interpretar al Hombre de Acero tras el fracaso de Superman IV: The Quest for Peace (1987). Christopher Reeve interpretó a Superman durante una década, empezando por Superman: The Movie (1978) de Richard Donner y continuando con Superman II y Superman III de Richard Lester. Para una generación de fans, el Superman de Reeve es la versión definitiva y sigue siendo el estándar por el que se juzgan todos los demás actores que han interpretado al Hombre de Acero.
Superman V era una secuela planeada que iba a ser distribuida por Warner Brothers y codistribuida por Cannon Films. Su estreno estaba previsto para 1989 e iba a ser dirigida por Albert Pyun., aunque Christopher Reeve y el resto del reparto se negaron a trabajar en otra película de Superman después de trabajar en Superman IV: The Quest For Peace.
El plan de Cannon Films era reunir 45 minutos de metraje no utilizado de Superman IV como base para una quinta película. Sin embargo, no se consiguió nada, y Cannon, que estaba en números rojos tras numerosos fracasos cinematográficos, se retiró a principios de la década de 1990. Los derechos cinematográficos de Superman volvieron a manos de los Salkind, pero crearon una serie de televisión de Superboy en lugar de una película.
Sin embargo, en 1991, el guionista Cary Bates propuso a Alexander e Ilya Salkind una idea para Superman V, que volvería a protagonizar Christopher Reeve. El plan de Bates era ignorar Superman III y IV (algo que Bryan Singer también decidió hacer cuando dirigió Superman Returns en 2006) y enfrentar al Hombre de Acero con Brainiac en la Ciudad Embotellada de Kandor. Pero en ese momento, a principios de los 90, los Salkind estaban produciendo Cristóbal Colón: El Descubrimiento, que se excedió enormemente en el presupuesto y acabó haciendo perder al equipo de productores padre-hijo 40 millones de dólares. Los Salkind abandonaron el negocio del cine y los derechos de Superman volvieron a Warner Bros. Tras el fracaso de Superman IV en 1987, tuvieron que pasar 19 años para que el Hombre de Acero volviera a la gran pantalla en Superman Returns, a pesar de un infame intento de Warner de hacer Superman Lives, protagonizada por Nicolas Cage y dirigida por Tim Burton.
En 1995, Christopher Reeve sufrió un trágico accidente al ser arrojado por su caballo durante una competición ecuestre. El accidente dejó a Reeve tetrapléjico, aunque perseveró heroicamente. Tras su rehabilitación, Reeve se convirtió en un defensor de la investigación con células madre, de la investigación con la médula espinal y de las personas con discapacidad, creando la Fundación Christopher Reeve (que ahora es la Fundación Christopher y Dana Reeve). Reeve también volvió a actuar e incluso apareció en la segunda temporada de Smallville, donde pasó la antorcha al nuevo Hombre de Acero de la pequeña pantalla, Tom Welling. Christopher Reeve murió el 10 de octubre de 2004, pero los últimos años de su vida demostraron que el hombre de la vida real era más heroico de lo que su aparición en Superman V le permitiría ser.
Cine
Thor: Love and Thunder, el Dios del descalabro en Marvel
¿Taika Waititi se ha cargado definitivamente la franquicia?
La franquicia de Thor en el cine se caracteriza básicamente por su descalabro, película tras película, sepultando la franquicia y haciéndola solo válida para espectadores no exigentes y para niños en etapa formativa. El director Taika Waititi, parecía el elegido para poder parar esta dinámica, insertando una mezcla única de humor y creatividad para convertir Thor: Love and Thunder en la primera piedra para levantar otra vez este pequeño reino de Marvel, como mínimo al nivel del primer film.
Sin embargo, tras su estreno, pudimos comprobar que la solución fue mucho más grave que el problema, y esta nueva cinta es un total despropósito en todos los sentidos, excepto por su gran colorido, eso no se puede negar. Tal y como están las críticas actualmente, Thor: Love and Thunder es ahora mismo la película de Thor peor valorada en Rotten Tomatoes, con un 65% de aprobación de los críticos en el Tomatómetro. Esta cifra significa que el 65% de los críticos dieron a Love & Thunder una puntuación positiva, que es ligeramente inferior a la de Thor: The Dark World, ya que se sitúa en un 66%. Tanto Thor como Thor: Ragnarok obtuvieron una puntuación mucho más alta, recibiendo un 77% y un 93%, respectivamente. Aun así, las puntuaciones del público pintan un panorama diferente, ya que Love & Thunder se sitúa por encima de Thor 1 y Thor 2 con una puntuación del 77%, aunque solo por uno o dos puntos.
Aunque no está claro cómo afectarán estas bajas calificaciones al futuro de Thor en el MCU, es ciertamente posible que pongan fin a la posibilidad de un Thor 5, y más con la recién renuncia de Taika Waititi. Eternals, que sufrió un destino similar en Rotten Tomatoes, convirtiéndose en la primera película de Marvel en recibir una puntuación podrida, ha sido ignorada en gran medida, sin que se hayan anunciado noticias de una secuela. El potencial antagonista del que se habla en una de las escenas de los créditos finales de Thor 4 tampoco está seguro del destino de la franquicia, otra señal que no parece tan prometedora.
Solo queda añadir para terminar, que ha sido muy triste ver a Christian Bale convertido en un personaje ridículo que le ha permitido tirar por la borda todo su potencial mostrado en el Batman de Nolan.
Posiblemente, Dragon Ball sea la franquicia más maltratada de la historia en cuanto a adaptaciones live action. Todo lo que se ha producido hasta día de hoy es de un nivel tan paupérrimo que todos los que intenten superar lo creado hasta día de hoy no lo pueden hacer peor. A continuación te hemos reunido las 4 adaptaciones más destacadas, todas realmente lamentables.
Dragonball: La magia comienza (Chu Liang Chen, 1991)
Una de esas cintas VHS que consiguió engañar a miles de fans en su momento y que es recordada por su mística. Más que adaptar Dragon Ball, cogieron ideas de la serie original y acabaron haciendo lo que les dio la gana.
Dragonball Zero (Wang Ryo, 1990)
Aunque adapta paso por paso el manga original, con Bulma, Goku, Puar y demás gente haciendo acto de aparición y recreando las escenas conocidas por todos, acaba siendo un brutal despropósito. Lo peor es saber que las aventuras de este infame Goku coreano continuaron en secuelas totalmente inventadas, en las que va el colegio, tiene pandilla de amigos y se enfrenta a otros seres mitológicos.
Supermario vs Son Goku (Babs Austria, 1995)
En esta ocasión, se trata de una historia en la que el protagonista se va introduciendo en diferentes videojuegos y se transforma tanto en Super Mario como en Son Goku. Efectivamente, jamás hay enfrentamiento entre los dos personajes. ¡Menudo bochorno de cinta!
Dragonball Evolution (James Wong, 2009)
¿A quién se le ocurrió la idea de poner a Goku como un adolescente humano en un instituto americano? Es sin duda el punto más bajo de la carrera de Chow Yun Fat, interpretando al Maestro Muttenroi, pero también el de James Wong. Después de este film Justin Chatwin no volvió a levantar cabeza nunca más.
Cine
Crítica de Pinocchio, el nuevo film de Robert Zemeckis en Disney +
Una grata sorpresa pese a sus defectos
Pinocchio del director Robert Zemeckis es la última interpretación de una historia de más de 142 años, desde que Carlo Collodi publicara su cuento por primera vez. A pesar de sus defectos, en su conjunto es una gran película, muy recomendable y que está por encima de las injustas críticas vertidas sobre ella.
El film se inicia de la misma manera que la clásica fábula de Disney, con Geppetto (Tom Hanks) fabricando la marioneta de madera en su pequeña tienda frente a la narración de Pepito Grillo (Joseph Gordon-Levitt). El primer tercio de la película es una adaptación bastante cercana a su homóloga animada, con los numerosos relojes de Geppetto y El Hada Azul (Cynthia Erivo) dando vida a Pinocho (Benjamin Evan Ainsworth), pero eso es lo más fiel que se puede hacer.
Quizás lo más remarcable de esta primera parte del film es la discutible elección del look de la Hada Azul. Cynthia Erivo aparece con el pelo rapado, uñas extremadamente largas (mucha grima) y la puesta en escena sufre a cada segundo en pantalla, debido a la nula «belleza angelical» de la actriz, provocando al espectador una sensación totalmente opuesta a la esperada para el personaje en cuestión. A todo ello hay que sumarle la torpe maniobra de insertar la inclusión forzada en este personaje, que no respeta para nada el canon/naturaleza/belleza del personaje.
Esta película además introduce varios cambios en la historia, tanto grandes como pequeños, que podrían ser un obstáculo para los fans más conservadores del querido cuento. Da la sensación de que Zemeckis ha escogido las partes que considera necesarias o innecesarias del clásico de Disney de 1940, y luego ha incluido pequeños fragmentos y chistes para un reskin más moderno, incluyendo una referencia a Chris Pine. Además, Pepito tiene un molesto apodo. Francamente, es fácil hacer la vista gorda ante estos pequeños cambios, pero los más grandes son más difíciles de ignorar. El acto final de la película no se parece en nada al clásico de Disney y lo que es peor, el narrador intenta justificar sin éxito el cambio. También nos resulta curioso que, aunque algunos de los chistes se han modernizado, el resto de la película y su ambientación siguen pareciendo antiguos.
Dicho esto, la esencia de la historia sigue intacta. Tras ser traído a la vida por el Hada Azul, Pinocho emprende un viaje para convertirse en un niño de verdad y así poder hacer feliz y orgulloso a su padre. El mensaje principal de la historia y las lecciones morales siguen siendo las mismas: ser valiente y veraz, escuchar a tu conciencia, obedecer a los adultos y que nunca es demasiado tarde para hacer lo correcto, por muchos errores que hayas cometido.
Afortunadamente, también se mantienen en la acción real varios personajes originales importantes. Aparte de Pepe, Pinocho, el Hada Azul y Geppetto, personajes como Honest, el cochero, Stromboli y Lampwick (rebautizado como Candlewick) también han cobrado vida gracias a Keegan-Michael Key, Luke Evans, Giuseppe Battiston y Lewin Llyod, respectivamente. Gideon, Cleo y Fígaro también llegaron a la pantalla, aunque no tienen papeles hablados.
La película también incorpora a los recién llegados Kyanne Lamaya como una aspirante a bailarina discapacitada llamada Fabiana, y Lorraine Bracco como Sofía, un pájaro que ayuda a Pepito y Pinocho en diferentes partes de la película. Fabiana es un personaje completamente nuevo en la historia, mientras que Sofía, aunque sin nombre, ha aparecido en varias iteraciones del cuento original. Fabiana no desempeñó un papel tan relevante en el viaje de Pinocho, pero la marioneta con la que jugaba sí ayudó a enseñar a Pinocho la lección de la confianza. Por el contrario, la Sofía de Bracco está en toda la acción.
Es difícil elegir un favorito en el reparto dada la evidente fuerza de las estrellas, pero Hanks como Geppetto es una de las interpretaciones más fuertes. Recién salido de su papel de manager en el biopic de Elvis, y reunido con Zemeckis, Hanks interpreta a un padre preocupado y su caracterización de un hombre desconsolado es muy desgarradora. Curiosamente, el Geppetto de Hank tiene un acento italiano (ligeramente chapucero), mientras que el personaje original tenía acento austríaco.
Hablando de CGI, la recreación de Pinocho luce a momentos bastante pobre en pantalla, y además cada vez que el Geppetto de Hanks acaricia a Fígaro, la mala calidad de la animación se acentúa aún más. Sin embargo, no es una queja ni un gran inconveniente, ya que el mejor uso de los efectos de la película está principalmente en Pinocho, Pepito, las escenas en la Isla del Placer y Monstro, el gigantesco cachalote que se traga a nuestro protagonista hacia el final de la película.
En general, Pinocho es una película agradable que cuenta la emblemática historia de la marioneta de madera cuyo único deseo es ser un niño de verdad. La adaptación es una mezcla del cuento de Disney y del cuento original de Collodi que, aunque puede dividir a algunos fans acérrimos de Disney, especialmente en lo que respecta a una escena importante del tercer acto, no debería condenar a la película. En todo caso, añade una nueva capa a los personajes y nos ayuda a conectar con ellos aún más. Para nosotros la nota final es un consistente 7/10.
Una inteligencia artificial se encargó de recrear a los personajes de «El Señor de los Anillos» según los relatos escritos por el propio Tolkien. Este curioso trabajo de recreación corre a cargo de Jim Clyde Monge, quien mediante la IA DALL.E 2, dio un aspecto fiel a varios personajes que conforman La Comunidad del Anillo como Aragon, Legolas, Gandalf, Frodo y Sam y aunque faltan muchos miembros, el usuario no descarta realizar el mismo proceso a futuro.
Los diseños de la IA son muy diferentes a lo que vimos en la trilogía de Jackson, siendo quizá Aragon y Gandalf los más apegados. Por otro lado, Frodo y Sam, se ven como hobbits de unos 50 años a diferencia de sus versiones jóvenes en las películas; respecto a Legolas, debido a que Tolkien sólo lo describió como alguien muy ágil y profundizó poco en sus rasgos, la IA lo representó de forma algo curiosa.
El Ejército de la Cinta Roja (Red Ribbon) resucita de sus cenizas gracias a la ambición del comandante Magenta, hijo del comandante Red. Ante su ansia por conquistar el mundo, Magenta recluta al Dr. Hedo, nieto del monstruoso Dr. Gero, creador de los androides A17 y A18 y del propio Cell. El malvado plan de Magenta por dominar la Tierra pasa porque el Dr. Hedo crea unos androides aún más poderosos que los que construyó su abuelo y utilizarlos, no solo para destruir el planeta, sino también para vengarse de Son Goku y toda su tropa de héroes por haber destruido las ambiciones del Ejército de la Cinta Roja tantas veces.
Son Goku y Vegeta se están entrenando junto a Broly en el planeta de Bills y no se enteran de lo que está pasando en esos momentos en la Tierra. El primer contacto con esta nueva amenaza la recibe Piccolo, quien es sorprendido durante uno de sus entrenamientos. Pero como que sabe más el diablo por viejo que por diablo, Piccolo escapa fácilmente del encuentro y se pone a investigar de qué va todo este asunto.
“Dragon Ball Super: Super Hero” es un film de animación de la franquicia “Dragon Ball” dirigido por Tetsuro Kodama con guion realizado por el propio Akira Toriyama, creador del manga original, en el que introduce nuevos personajes diseñados, también, por él mismo. La producción va a cargo de Toei Animation y de su distribución en nuestro país se ocupa, lamentablemente, la multinacional Crunchyroll. En su primer fin de semana “Dragon Ball Super: Super Hero” ha vendido 126.799 entradas, recogiendo la nada desdeñable cantidad de 851.785 euros. Si bien las cifras quedan algo por debajo del estreno de la anterior película de la franquicia “Dragon Ball Super: Broly” hay que señalar que se ha posicionado en el número 2 de taquilla en su primer fin de semana de proyección, solamente superada por la tercera entrega de las aventuras de Tadeo Jones.
“Dragon Ball Super: Super Hero” es acción constante con pequeñas pausas para desarrollar la trama a través de conversaciones que irán teniendo los diferentes personajes, sobre todo los malvados, e irán destapando las múltiples sorpresas que esconde el film. La película está animada al 100 % con técnica CGI dando una falsa apariencia de 2D. Este tipo de animación es bastante frecuente en los videojuegos, pero aún no se había visto aplicada en un film destinado a la gran pantalla. En ningún momento chirría. La animación se adapta perfectamente a la acción, ya sea la de los personajes o su interacción con los diferentes decorados. Esto es gracias a que el trabajo técnico ha sido ambicioso y que se ha aplicado de maravilla. Tal como avanza la animación por ordenador, a día de hoy se puede hacer cualquier cosa con esta técnica, y esta película es una buena muestra de ello.
La paleta de colores mostrada en pantalla es viva, tal y como exige la franquicia “Dragon Ball”. Espacios luminosos, colores bien vivos, potentes flashes de luz y rayos de colores eléctricos llenan en todo momento las diferentes escenas. Los personajes, todo y haber crecido (y envejecido), lucen más espectaculares que nunca. La técnica de animación utilizada los ha rejuvenecido de forma magnífica. Las luchas, tan típicas de esta serie, se desarrollan a velocidades vertiginosas y, con todo, aún les sobra tiempo para colarnos algún que otro chascarrillo.
Esta vez el protagonismo recae en Piccolo y en Son Gohan. El guion profundiza en la relación entre ambos personajes que no interactuaban tanto desde que Piccolo se vio obligado a entrenar a un jovencísimo Son Gohan en los primeros episodios de “Dragon Ball Z”. La relación entre estos dos personajes ha tenido sus tira y afloja, pero esta película demuestra que Piccolo aún se preocupa por quien considera su discípulo.
En cuanto a las referencias a la serie clásica, todo y no llegar al extremo de “Dragon Ball Z: la Batalla de los Dioses” que es un festival de nostalgia debido a que celebra el 30° aniversario de la primera emisión de “Dragon Ball” en Japón, “Dragon Ball Super: Super Hero” hace constantes guiños a los fans más veteranos incorporando en la acción elementos de la serie original y del manga. Estos elementos los podremos encontrar bastante escondidos por los decorados, pero ahí están. Mención aparte para la introducción del film donde se muestran imágenes de la serie clásica con colores sepia capaces de hacer vibrar a cualquier fan de Son Goku. Lagrimita.
Ya se ha mencionado anteriormente, otra cosa que hace esta película, y que es totalmente contraria al elemento nostálgico, es incorporar nuevos personajes al universo “Dragon Ball”. Los nuevos androides Gamma 1 y 2 y el Dr. Hedo son algunos ejemplos y ya veremos si tienen continuación en el mundo creado por Toriyama igual que lo han tenido otros personajes presentados en otros largometrajes. Pero no solo se incrementa el bestiario, sino que el imaginario, también incorpora nuevos elementos como nuevas transformaciones y ataques que no explicaré para no aguar la sorpresa a quien todavía no hayan visto esta película. Todos estos nuevos personajes, así como los vehículos que van apareciendo junto con las nuevas transformaciones, han sido diseñados por el propio Akira Toriyama.
“Dragon Ball Super: Super Hero” es puro entretenimiento tanto para nostálgicos como para neófitos, sobre todo los más jóvenes. Una película que desborda calidad por todos lados y que viene acompañada con una banda sonora compuesta por el veterano Naoki Satô. La película y la cifra de espectadores tira en la cara lo que ya sabíamos de antemano, pero que muchos no quieren reconocer: “Dragon Ball” aún tiene cuerda para muchísimo rato y, aunque cueste de aceptar, mueve y seguirá moviendo a la gente a ir al cine. Una película espectacular que da todo lo que de ella se espera: acción, lucha, humor, luz, fuego y destrucción. ¡Cómo tiene que ser!
Albert Solé Jerez
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Cine
El fan casting perfecto para una futura película de Street Fighter
¡Por favor que los futuros productores lo vean!
El artista gráfico Samukarts vuelve a hacer de las suyas con un fan casting de actores actualmente en activo que podría encajar perfectamente en una futura película de Street Fighter. Ludi Lin como Ryu, Shah Rukh Khan como Dhalsim, Kisenosato Yutaka como Edmond (E.) Honda, Michael Jai White como Balrog, Dwayne ‘The Rock’ Johnson como Sagat, Mike Moh como Fei Long, Jamie Foxx como Deejay, Vitor Belfort como Blanka, Scott Eastwood como Guile, Meng’er Zhang como Chun-Li o Lucas Daniel Till como Ken, ¡lucen espectaculares!
Samukarts se ha esforzado al máximo con sus increíbles castings y esperamos que, si hay una nueva película de Street Fighter en el horizonte, alguien escuche y siga el consejo de este artista.
