“Three Jokers” es una auténtica obra de arte del cómic para los amantes del Caballero Oscuro que actúa como secuela directa (espiritual según su dibujante) de los hechos acaecidos en la mítica historia de “La Broma Asesina” de Alan Moore y el dibujante Brian Bolland.

La historia de “Three Jokers” nos sitúa como no podía ser de otra forma en plena Gotham donde al parecer en la misma noche se han sucedido 3 avistamientos de crímenes cometidos por el Joker, en 3 lugares diferentes al mismo tiempo. Este hecho hará que los protagonistas de la batfamília de esta historia tengan que cooperar para investigar qué es lo que está sucediendo con Joker.

Geoff Jones nos plantea una situación inmersiva, un cómic de intriga con los componentes detectivescos más famosos de las historias del murciélago, donde no solo vamos a explorar antiguos traumas del pasado de la vida de la Batfamila metiéndonos completamente en la psique de estos personajes, sino que además vamos a ver de primera mano cómo luchan contra sus demonios.

En cuanto al personaje del Joker, o en este caso los 3 Jokers por un lado tenemos una versión más clásica del personaje perteneciente a la “Golden Age”, al que denominamos “El criminal”, luego tendríamos a “El payaso”, quien parecer ser la versión que vimos durante Una muerte en la familia, y por último, pero al que probablemente todos los fans tengan más en mente “El comediante” que viene a ser la versión de la aclamada “La Broma Asesina” de Alan Moore.

No es ni de lejos una casualidad la elección de estas 3 versiones de Joker, pues cada una de ellas guarda una estrechísima relación con los protagonistas de este comic y es precisamente el punto más fuerte que Geoff Jones ha sabido explotar. “La historia remonta al principio, cuando Batman se encontró por primera vez con el Joker, pero también a La broma asesina y a Muerte en la familia. Bárbara y Jason han pasado por mucho, al igual que Bruce, y se centra realmente en la curación, en las cicatrices y heridas y en las consecuencias que eso tiene para alguien. A veces te cambia para bien, a veces para mal. Puedes sanar para bien o sanar para mal. Y de eso trata la colección, de la mala sanación, …” concluyó el guionista sobre la historia de tres números, a la que su dibujante Jason Fabok considera “una secuela espiritual” de la legendaria historia de “La Broma Asesina”.

Mattel nos tiene enamorados con la colección “Origins” de “Masters of the Universe”, sin duda ha conseguido modernizar de la mejor manera los muñecos clásicos de los 80.

La línia “Origins” se trata de una revisión actualizada de las figuras originales de los años 80 basadas en este mundo ficticio de Sword & Sorcery y SciFi. Un mismo diseño con mejoras de producción, detalle y con más posibilidades de articulación. ¡Los fans nos estamos volviendo locos por hacernos con toda la nueva colección!

A continuación os mostramos nuestra guía de compra de “Masters del Univero Origins” con imágenes y la lista de todos los productos a la venta (hasta día de hoy) y los que muy pronto serán lanzados al mercado:

He-Man – Masters del Universo Origins

Skeletor – Masters del Universo Origins

Príncipe Adam Sky Led – Masters del Universo Origins

Battle Cat – Masters del Universo Origins

Orko – Masters del Universo Origins

Phantor – Masters del Universo Origins

He-Man Armadura de Combate – Masters del Universo Origins

Roboto – Masters del Universo Origins

Ram Man – Masters del Universo Origins

Land Shark – Masters del Universo Origins

She-Ra – Masters del Universo Origins

Evil-Lyn – Masters del Universo Origins

Keldor & Origins Kronis –  Masters del Universo Origins

Ma-E-Faces –  Masters del Universo Origins

Scare Glow –  Masters del Universo Origins

Fisto –  Masters del Universo Origins

Mer-Man –  Masters del Universo Origins

Buzz Saw Hordak –  Masters del Universo Origins

Evil-Lyn 2 –  Masters del Universo Origins

Beast Man –  Masters del Universo Origins

He-Man (Comic-Con edición especial) –  Masters del Universo Origins

Teela –  Masters del Universo Origins

Man-At-Arms –  Masters del Universo Origins

Hordak –  Masters del Universo Origins

Tri-Klops –  Masters del Universo Origins

Zodac –  Masters del Universo Origins

Stratos –  Masters del Universo Origins

Clamp Champ –  Masters del Universo Origins

Castle Grayskull –  Masters del Universo Origins

She-Ra –  Masters del Universo Origins

Teela 2 –  Masters del Universo Origins

Webstor –  Masters del Universo Origins

Beast Man 2 –  Masters del Universo Origins

¿Habéis alucinado alguna vez con las licencias, y los surrealistas juegos de palabras, que se toman la mayor parte de medios de comunicación para criminalizar o blanquear un delito dependiendo del origen o sexo del agresor o agresora?

Corren tiempos turbios para los medios de comunicación “oficiales”, su afán de manipulación y “clickbait” se está desarrollando bajo nula supervisión por parte de los gobiernos, también auténticos cómplices de la total desinformación a la población.

La nueva moda, aunque se lleva practicando desde hace años, es ocultar a toda costa algunos crímenes (hasta que se vuelven virales en redes sociales) o la nacionalidad u origen de los criminales que los han perpetrado por razones de ascendencia, religión, condición social o incluso de género, hasta el punto de llegar a rozar el ridículo.

La manipulación de las luchas sociales para fines propagandísticos es algo que hemos visto a lo largo de la historia en los partidos políticos, y que también se había dado en menor medida en los medios de comunicación. Aunque actualmente parece que los conceptos “manipulación política” y “periodismo” se funden con total naturalidad… A pocos se le escapa que los grandes medios de comunicación no viven de la publicidad, sino del desvío de fondos públicos por parte de las administraciones que dictan noticias al pie de la letra.

Tan exagerada es la situación actual que se ha llegado a borrar de la escena mediática a las víctimas (algunas incluso son acusadas), para en su lugar ofrecernos contenidos de redención y justificación de horribles crímenes. Hasta tal punto hemos llegado que auténticos casos de terrorismo pasan a ser considerados como simples hechos aislados por parte de personas con problemas mentales.

Como si de un concurso literario dedicado a la figura retórica de la alusión, medios de comunicación online y offline practican días tras día de forma cínica este nuevo “periodismo del blanqueo”, provocando el aumento descontrolado del odio y del verdadero racismo. El enfrentamiento, la indignación y la impotencia son poderosos excitantes para tenernos enganchados a cualquier pantalla, y esto es bien conocido por los autores de tan deleznables estrategias.

Un crimen es un crimen, cometa quien lo cometa, y la estadística nunca engaña, el resto siempre será manipulación. Sin condena de la violencia, venga de donde venga, y con justificaciones de todo tipo, los problemas no desaparecen, sino que se multiplican y crean con los años auténticos problemas sociales nacidos de una nueva fábrica de odio y racismo irracional. Algo que en una sociedad sana no debe existir.

En su particular cruzada por traernos a los grandes autores del manga, Satori Ediciones publicó a finales de abril el primer volumen (de dos) que rinde homenaje a Ryoichi Ikegami, ilustrador, entre muchas otras obras, de la exitosa  “Crying Freeman”. Ikegami ha dedicado la mayor parte de su carrera a ilustrar y materializar los guiones y personajes ideados por otros autores y, muy a su pesar, le cuesta identificar estas creaciones como propias. El público en general pide personajes alegres, empáticos y llenos de energía que viven aventuras constantes con peleas, persecuciones, sexo y otras emociones, y esto es lo que les ofrece dando forma gráfica a guiones ajenos. Este sería el Ikegami más comercial, rendido al negocio editorial que le ha proporcionado la suficiente fama y recursos económicos para poder dar rienda suelta a sus propias creaciones, frutos de su verdadera esencia y que ahora podemos disfrutar en este primer volumen de 440 páginas aproximadamente y que lleva por título “Yuko”.

“Yuko” es un compendio de 12 historias protagonizadas por mujeres fatales el influjo de las cuales desata las más bajas pasiones de los hombres que caen en sus redes. Historias inmorales de obsesiones compulsivas y comportamientos malsanos relatadas con elegancia pero sin ahorrar en detalles eróticos ni escabrosos. La elegante plasticidad del dibujo y la excelencia en el trazo de Ikegami nos ofrecen un estilo hiperrealista que casa a la perfección con el tipo de relato sórdido que llena las páginas del libro. Relatos para adultos donde se reflejan las partes más oscuras del alma humana y sus instintos más primitivos.

Ikegami empezó a cosechar fama a partir de su debut en la mítica revista Garo, cuna del gekiga más artístico y experimental. Su estilo limpio, de trazo firme y claridad visual destaca muy por encima del de sus propios compañeros de publicación. Prima en su trabajo la capacidad de llenar las escenas con miles de detalles con una precisión fotográfica asombrosa. Especializado en la figura femenina, Ikegami dibuja bellísimas mujeres de cuerpos perfectos con caras de muñeca de porcelana. El nivel de expresividad de sus personajes queda centrado en la maestría del dibujo de los ojos. Éstos centran la mirada del lector y consigue que sean el reflejo del alma del personaje.

Las historias albergadas en este volumen son de lo más dispares, aunque siempre tengan a la mujer como eje central de la narración. Para empezar, encontramos grandes diferencias en su longitud, desde capítulos de una cincuentena de páginas a otros que son de apenas ocho hojas, debido a la forma de publicación y a los requisitos del editor del momento. Por otro lado, las temáticas nos llevan desde el Japón feudal hasta la época actual, pasando por cuentos fantásticos o la adaptación de relatos de grandes autores literarios como Kikuchi, Kyôka o  Akutagawa. Esta mezcla tan heterogénea de temáticas narrativas nos muestra la gran versatilidad de este autor a la hora de contextualizar a sus atormentados personajes.

Títulos como “En tiempos de Yuko” donde un jugador con grandes deudas pierde a su bella pareja al prestarla como modelo a cambio de dinero a un sádico pintor; “El lado oscuro de Shanghái” protagonizado por una pareja que perdió a su hijo y que buscan consuelo por los bajos fondos de la ciudad en la que cualquier tipo de placer puede ser comprado; “El zarcillo” muestra la obsesión de un ginecólogo por una paciente que lleva un anillo con forma de flor dentro de su sexo o “El roce del súcubo”, en la que un profesor de instituto se obsesiona con un de sus alumnas son un claro ejemplo de la belleza malsana que esconde la obsesión y el deseo carnal. Un festival de situaciones oníricas y extremas que llevan al erotismo a un nivel superior, arte sin paliativos. Un imaginario sensual y sexual por el que los tristes personajes de Ikegami se mueven guiados por un destino cruel que los abocará a la locura.

“Yuko” compila los relatos de Ryoichi Ikegami del período que va desde 1999 a 1991 y están traducidos directamente del japonés por Marta Moya. El grueso volumen está impreso en papel de primerísima calidad encuadernado en rústica. La sobrecubierta, sobria, que muestra el arte del autor con un primerísimo plano de una de sus protagonistas, está tintada con un elegante color malva sobre el que destacan en blanco el título y el nombre del autor. La primera página, la única en color, es una fantástica ilustración de la protagonista de “El biombo del infierno”. El volumen se remata con una entrevista al autor y que ha servido de base para este artículo. Por cierto, Satori Ediciones pronto publicará la segunda parte de esta oscura colección de relatos de Ikegami bajo el nombre de “Oen” que abarcará el período creativo que va de 1966 a 1972.

Albert Solé Jerez
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Una niña de 8 años es llevada a la casa Tamagiku, uno de los muchos prostíbulos que forman el barrio de placer de Yoshiwara. Como casi todas las cortesanas, su vida dentro del barrio empieza con una compraventa por parte de una familia que ha caído en desgracia y que no puede mantener a su hija. Arrastrada al burdel a la fuerza y apaleada hasta la saciedad para ablandar su fuerte carácter, la niña empieza a trabajar como criada bajo el nombre de Tomeki. Su trabajo será servir y ayudar a las más veteranas, al mismo tiempo que ellas la cuidarán procurando por su bienestar, alimentándola y vistiéndola. Este trabajo de asistenta para todo y en todo momento irá introduciéndola, ya desde buen principio, en el sórdido mundo de la prostitución. Intentos de fuga y escenas de rebelión que solamente complicarán las cosas, intensificarán el carácter inconformista de una mujer que luchará para llegar al escalafón más alto al que puede aspirar, convertirse en la oiran de la casa Tamagiku.

Editorial Kodai edita, a finales de 2020, “Sakuran” de Moyoco Anno. Un álbum autoconclusivo publicado en rústica con sobrecubiertas a todo color donde se nos narra sin ningún tipo de edulcorante lo que era la vida dentro de una casa de citas durante el periodo Edo. En esta amarga historia descubrimos el sistema jerárquico existente entre las cortesanas y las relaciones entre ellas. Una vida de esclavas sexuales que estas mujeres llevan dentro de una prisión al aire libre que toma el nombre de Yoshiwara, el barrio de placer de la capital del Japón feudal. El libro se cierra con unas notas históricas sobre la traducción que nos ayudarán a entender el contexto en el que transcurre la narración y se completa con una pequeña bibliografía de referencia.

Desde el mismo momento en que la protagonista pisa la casa Tamagiku, la cual ha pagado una buena suma de dinero para comprarla, ya queda bien claro que la vida de una cortesana no le pertenece a ella misma, sino que pasa a ser propiedad del burdel que ha desembolsado la cantidad pactada y, por lo tanto, decide sobre el presente y el futuro de su adquisición. La casa que la compra se compromete a vestirla, alimentarla, educarla e iniciarla en el oficio, aumentando aún más la inversión económica causada por esta nueva propiedad. La casa sabe que llegará un momento en que esta inversión empezará a dar sus frutos produciendo dinero para los que la han “acogido”. Siendo conscientes que las niñas llegadas a las casas de citas están ahí en contra de su voluntad, los castigos por desobediencia e intentos de fuga están a la orden del día: palizas, quemaduras, latigazos, cortes de pelo vergonzosos… Todo está permitido, excepto dejar marcas en la cara, para corregir el carácter y la actitud de estas jóvenes. El mismo barrio de Yoshiwara está amurallado y su única entrada es a través de una puerta estrechamente vigilada. Esto permite un fácil control de los visitantes favoreciendo, al mismo tiempo, un efecto disuasorio para las que tengan intención de escapar.

La propia vida dentro de las casas de citas es muy complicada. Las cortesanas de más alto rango compiten entre ellas mismas para convertirse en la oiran de la casa para la que trabajan. La oiran representa la máxima expresión en belleza, elegancia, cultura y educación, y es quien representa a la casa de citas en el desfile anual en el que los prostíbulos compiten entre ellos jugándose la reputación dentro del barrio de placer. En pocas palabras, es la cortesana de lujo de cada una de las casas y la que hace pagar más caros sus servicios. En esa época los servicios de la oiran se pagaban con bu. Cuatro bu era el equivalente a un ryô, y un ryô equivalía en dinero a lo que una persona consumía en arroz a lo largo de un año. El servicio de una oiran podía valer 2 bu, toda una fortuna al alcance de muy poca gente.

Tomeki, la protagonista, se quedará bajo las órdenes de Shôhi, quien le enseñará todo lo que sabe a cambio de servirla como criada. Para una niña de fuerte carácter, doblegarse y adaptarse a esta jerarquía le llevará bastantes disgustos hasta la claudicación y aceptación de su suerte. La popularidad de una cortesana se mide con el número de colchones de terciopelo que posee y por el número de criadas que puede mantener. De todas estas criadas, pocas serán aceptadas como aprendices por la casa para la que trabajan, desarrollando así un fuerte espíritu competitivo desde la más tierna infancia. Con los años Tomeki se convierte en aprendiz, y su nombre cambia a Orin para simbolizar su cambio en el escalafón. Orin aprenderá el arte de la recitación poética, el de los pinceles y recibirá instrucción en instrumentos de cuerda como el koto y el shamisen. Con el transcurso del tiempo, Orin podrá recibir a los clientes en nombre de la oiran, distrayéndoles hasta que esta esté libre para poder atenderlos. Concluida la fase de aprendizaje, Orin deberá empezar a trabajar para sí misma ofreciendo sus servicios a los hombres que puedan pagarlos. Un nuevo cambio de nombre, Kiyoha, revela que la casa Tamagiku la reconoce como una de sus cortesanas y que ya puede recibir clientes. Una subasta con sumas desorbitadas tiene lugar entre los clientes habituales para ser el primero en acostarse con la nueva cortesana y poder desflorarla. A partir de aquí solamente depende de ella misma para conseguir fama y prestigio dentro del barrio de Yoshiwara.

A pesar de la cruel vida que lleva la protagonista, Moyoco Anno dota a su personaje de una enorme fuerza de voluntad y de un espíritu de lucha inalterables que la ayudan a abrirse paso dentro de un mundo que la trata como un objeto de ocio al servicio de los hombres. El poco valor que la vida de una cortesana tenía para la casta samurái queda reflejado varias veces a lo largo de la obra, una vida donde las mujeres se mueven a voluntad de los hombres. A veces la suerte puede sonreír a una de las chicas y un hombre suficientemente adinerado puede pagar la libertad de una cortesana, este puede comprarla y convertirla en su esposa, sacándola así del denigrante barrio pero convirtiéndola en su propiedad bajo la forma de matrimonio.

“Sakuran” es un álbum cruel y doloroso que no dejará a nadie indiferente. La narrativa es compleja, pues va dando saltos temporales y se nos explica la historia de manera no lineal. El dibujo es sublime, destacando muy por encima las páginas en color, donde el trazo de Moyoco está mucho más cuidado y lleno de detalles de lujo, entre los cuales destacan los vestidos y las diferentes texturas de las telas que los conforman. Las figuras delgadas y estilizadas coronadas con enormes ojos son la marca de estilo de esta autora, junto con la expresividad que consigue dar a las miradas de sus personajes. Por el contrario, la caracterización de las chicas es muy parecida entre ellas, y esto puede llevar a ciertos momentos de confusión por parte del lector para saber quién es quién en la acción.

“Sakuran” retrata una época y una situación terrible para las mujeres japonesas. La tristeza y la amargura están presentes a lo largo de la obra. Las situaciones mostradas en la historia son de una gran dureza sin ningún tipo de paliativos. Mujeres que se convierten en propiedades privadas y que son explotadas como objetos. Con el paso del tiempo aceptan su desgracia e intentan ser felices con lo que tienen. Sin embargo, la vida las pondrá constantemente en su sitio recordándoles que son “simples putas”, uno de los escalones más bajos dentro de la sociedad feudal japonesa. Este estatus social condiciona brutalmente las relaciones con los hombres, incluso a la hora de encontrar el amor. “Amar es caer en el infierno, al igual que ser amada. Sin embargo ¿Quién puede sobrevivir sin la calidez con la que ese amor tiñe el mundo?” “Sakuran” es un libro incómodo, retrato fiel de la vida diaria dentro de las casas de citas. Un puñetazo en el estómago que retrata una situación lejana a nosotros tanto en el espacio como en el tiempo, pero que tiene muchos paralelismos con situaciones parecidas que están teniendo lugar a día de hoy a nuestro lado y a las que no prestamos ningún tipo de atención ni importancia. El negocio de la prostitución no ha cambiado nada con el paso de los siglos, y sus métodos de explotación y esclavitud siguen siendo los mismos.

“Sakuran” fue llevada a la gran pantalla en una adaptación en imagen real dirigida por Mika Ninagawa y protagonizada por la actriz y modelo Anna Tsuchiya.

Albert Solé Jerez
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El fotógrafo y diseñador digital francés, Benoit Lapray ha creado un proyecto en que reemplaza en sus fotografías los más famosos monumentos parisinos por estatuas de nuestros personajes favoritos: Gandalf, Batman, Goku, Darth Vader… Y el resultado es el siguiente. Quién sabe si algún día no abundarán este tipo de estatuas en nuestras ciudades…

¿Cuáles son las mejores revistas de fútbol del momento? A continuación te nombramos las mejores cabeceras dedicadas al mundo del fútbol, si lo que realmente buscas es alejarte de los grandes periódicos y sus editoriales sensacionalistas estas son las mejores opciones para degustar en tu tiempo libre.

Kodro Magazine

La revista mensual Kodro Magazine, dedicada a la historia del fútbol internacional, es la culminación de un proyecto nacido en Internet el mayo de 2018, y que actualmente se sitúa como líder indiscutible de audiencia en España y Latinoamérica. Un auténtico fenómeno con más de 130.000 seguidores en redes sociales, más de 500.000 lectores web y mareantes cuotas de engagement que llegan a más de 10 millones de personas de alcance. Sus contenidos se basan principalmente en artículos dedicados a la historia del fútbol internacional, además de videojuegos, libros y demás objetos de coleccionismo o consumo para los amantes de la historia del deporte rey.  Su revista se puede conseguir desde cualquier parte del mundo al precio de 2,5€ / 3,05$ en los kioscos digitales Magzter, World Plus, PressReader o desde su propia tienda online: tienda.kodromagazine.com Una de las grandes sorpresas de este 2021 de exquisita factura.

Revista Jugón!

Para los pequeños amantes del fútbol, con la revista Jugón! estarás siempre al día de las últimas noticias, fichajes y competiciones. Revista mensual en español con todas las novedades y movimientos de tu equipo y tus jugadores favoritos de la Liga Española de Fútbol y de las principales competiciones del mundo. Además todos los meses incluye regalos: pósteres, cromos exclusivos, adrenalyn, láminas… Publicada bajo el sello Panini Comics, se puede conseguir en formato digital y físico por tan solo 4€.

Revista Panenka

Una de las revistas de fútbol más populares de España, que con el paso de los años ha ido perdiendo fuerza en contenido y diseño, pero que sigue demostrando que aún a día de hoy sigue habiendo sitio para ella en el mercado superando los 100 números. Sus contenidos están dedicados mayoritariamente al fútbol español, con algunos toques de fútbol internacional, y con una visión muy personal de cada uno de sus autores. Se puede conseguir en formato digital desde su propia tienda online o en los kioscos de España al precio de 5,50€.

Revista Líbero

La Revista Líbero es una revista trimestral muy diferente al resto, que basa su atractivo en la calidad fotográfica y el diseño. Sus contenidos, aunque están principalmente basados en la actualidad del fútbol español, también dan gran cobertura a temas internacionales con mucho mimo. Se puede conseguir al precio de 5€ en formato digital o en kioscos españoles.

Fútbol Total

Todo lo que quieras saber de fútbol en México y de las principales ligas del mundo: noticias, resultados, diversión, entrevistas y ¡más!  Se puede conseguir gratis en formato digital.

A finales de 2020 Satori Ediciones publica “Box. Hay algo dentro de la caja” (Hako no naka ni nani ka iru) del hasta ahora inédito por estos lares Daijirô Morohoshi, con traducción del gurú Marc Bernabé. El manga apareció originalmente en la revista Monthly Morning Two de Kodansha entre 2015 y 2016, y ahora nos llega editado en tres volúmenes de unas 180 páginas encuadernados en rústica con sobrecubiertas a todo color en las que predomina un elegante tono plateado.

Kôji recibe en su domicilio una caja de Hakone. Una de esas cajas hechas por artesanos que para abrirlas hay que realizar una combinación exacta de movimientos. En el mismo momento que consigue abrirla una serie de hechos extraños se suceden. Guiado por una premonición, Kôji llega a un parque donde encuentra a otras personas que también han recibido algún tipo de rompecabezas. Solo una chica, Kyôko, dice encontrarse allí como observadora. Delante de ellos se erige un raro edificio de forma cúbica sin una entrada aparente. La curiosidad hace que consigan encontrar una apertura e introducirse. Una vez dentro, la entrada se cierra y no hay forma de salir. Ante ellos aparece una niña pequeña que hace las funciones de anfitriona y les anuncia que para poder salir del cubo tendrán que resolver todos los acertijos que se les plantee.

Morohoshi es un autor polifacético especializado en ciencia-ficción, misterio y terror. Sus influencias más importantes son la oscura obra de Kazuo Umezu (Umezz en occidente) y la variedad de  criaturas fantásticas que llenan el folklore japonés y que (re)popularizó Shigeru Mizuki a lo largo de toda su vida productiva. Bajo la protección del maestro Osamu Tezuka, padre del manga moderno, fue reclutado para llenar con sus historias las páginas de la revista COM, competencia directa de la mítica Garo. Morohoshi fue desarrollando su propio estilo creando escenas efectivas llenas de sombras y con un acercamiento muy próximo al feísmo que nos rodea. La falta de excelencia en el trazo queda sobradamente compensada por la habilidad narrativa y la capacidad de crear misterio y suspense que atrapan al lector desde la primera página.

En “Box. Hay algo dentro de la caja”, el autor se deja influenciar por obras tan conocidas como “Los Mitos de Cthulhu” o el film de Vicenzo Natali “The Cube”. Queda claro desde el principio de la obra que la caja está regida por una entidad que inflige su propia voluntad a sus visitantes. Esta situación tan lovecraftiana desemboca en una serie de normas inquebrantables para los inquilinos que se encuentran dentro del cubo, y son:

1- Al resolver los puzles recibidos, se van abriendo compuertas que conducen a la salida.

2- No obstante, cuando uno resuelve un rompecabezas, sufre una pérdida: puede ser una parte del cuerpo, alguien de la familia o algo relacionado.

3- Si uno finge no haber resuelto su puzle, la caja monta en cólera.

4- Hay que ceder algo que uno considere innecesario al “ente” que mora en la parte más profunda.

Morohoshi nos irá conduciendo por salas llenas de trampas que los personajes deberán saber evitar, desactivar y superar. Los actores tendrán que aprender a colaborar entre ellos y dejar sus diferencias, miedos y ambiciones de lado si quieren salir con vida del extraño edificio. Kôji, el protagonista principal, actuará como líder de la expedición gracias a su iniciativa y valentía a la hora de enfrentarse a las diferentes situaciones. Megumi es un chico que quiere dejar de serlo debido a su condición transgénero. Yamauchi vive atormentado por su homosexualidad. Kôda es el egoísta del equipo, un arquitecto perseguido por la justicia debido a sus triquiñuelas con la legalidad vigente. Jingû es una chica con sensibilidad extrasensorial. Los Tani son un matrimonio de la tercera edad víctima del olvido generacional y de la rabiosa especulación inmobiliaria. Finalmente, Kyôko, un personaje rescatado de otras obras anteriores del autor, aparece en escena movida por intereses propios. Como podemos ver, cada uno de los personajes tiene sus propias motivaciones y un carácter bien diferenciado del resto y el autor se servirá de todos estos elementos para crear situaciones límite y tensiones entre ellos de la más variada índole.

Otro elemento que se introduce en la narrativa es la figura del anfitrión, representado en una niña de aspecto diabólico. Este personaje, que irá apareciendo en los momentos en los cuales los personajes se vean atrapados en alguna sala sin salida para darles alguna pista, o incluso para dificultar su avance si estos van demasiado rápido, parece que está fuertemente inspirado en la Reina Roja, la niña holográfica, de “Resident Evil”. La saga de videojuegos llevada a la gran pantalla también influye en las horribles criaturas que perseguirán a los protagonistas que quieren escapar de la caja. Monstruos deformes con ansia asesina fáciles de evitar debido a sus movimientos lentos, pero sumamente peligrosos cuando se acumulan en los estrechos pasillos que forman la estructura de la caja.

Acabando con los elementos inspiradores a los cuales el autor ha echado mano para la realización de esta historia encontramos una profunda presencia de las “mayoiga”, una casa encantada típica de las creencias populares japonesas que queda recogida en las “Leyendas de Tôno” de Kunio Yanagita y que la Editorial Quaterni editó ya hará unos años. Las ilusiones ópticas y perspectivas imposibles de los grabados de M. C. Escher también tienen su espacio en la obra que tenemos entre manos.

“Box. Hay algo en la caja” es una amalgama de todas las influencias que acabo de mencionar, zurcidas y entremezcladas para formar un relato de misterio y supervivencia que va un paso más allá de los típicos “survival horror”. La motivación de los personajes no es tan solo sobrevivir a la trampa en la que se han metido, sino salir de ella convertidos en personas nuevas. Los años de experiencia que Morohoshi tiene sobre sus espaldas cuando dibuja esta historia se notan en su ritmo fluido y en los momentos de tensión que se producen especialmente en el final de los capítulos. Es muy probable que esta experiencia también juegue en su contra en cuanto a frescura y espontaneidad a la hora de realizar el guion. El autor conoce bien sus limitaciones gráficas, pero sabe compensarlas con otros elementos como la construcción de situaciones límite.

“Box. Hay algo en la caja” es una obra diferente, mucho más psicológica que otras historias del mismo estilo. El ritmo narrativo es frenético, la acción constante y los enigmas bastante bien encontrados. Incluso el autor interactúa con el lector proponiéndole varios rompecabezas, convirtiéndolo en un personaje más de su creación. El interés inicial no decae en ningún momento, los personajes van sacándose la máscara a medida que se van internando dentro del cubo y, cuando se acerca el final, la tensión se acentúa y el grado de peligro aumenta. Una obra sólida cargada de metafísica, surrealismo, engaños, criaturas de otros planos dimensionales y mucho, mucho misterio. Una lectura fácil y amena que se convierte en un puro ejercicio de entretenimiento enorme.

Albert Solé Jerez
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El local abre desde las doce de la noche hasta las siete de la mañana. Lo conocen como “La cantina de medianoche”. ¿Qué si tengo clientes? Pues sí, entra bastante gente. La carta de la taberna es escueta, un plato combinado y una pequeña lista de bebidas alcohólicas. Pero la gente pide lo que quiera, y si se puede hacer, lo preparo con mucho gusto. Esa es la política de la casa.

En 2019 Astiberri Ediciones lanzó el primer volumen de “La cantina de medianoche” (Shinya Shokudo), un manga de Yaro Abe que se ha convertido un todo un éxito de ventas en Japón y del cual ya se han realizado dos versiones cinematográficas bajo el título internacional de “Midnight diner: Tokyo stories” distribuidas por la plataforma Netflix. La edición de Astiberri está compuesta por volúmenes dobles, de unas 300 páginas, encuadernados en rústica con solapas en un tamaño de 21 x 15. El esmero y cuidado que se ha puesto en la publicación rozan la excelencia, igual que la magnífica traducción de Alberto Sakai. A fecha de hoy, ya se han publicado 3 volúmenes de “La cantina de medianoche”.

Shinjuku es el barrio más cosmopolita de Tokyo. Las calles abarrotadas de neones se codean con los grandes rascacielos. Tiendas de tecnología, karaokes, restaurantes, bares y locales de copas atiborran los bajos (y altos) de los edificios. Es en una callejuela de este animado ambiente que se encuentra la “izakaya” (taberna tradicional japonesa) que regenta nuestro protagonista. Él nos narrará las historias de sus parroquianos, habituales o espontáneos, que siempre van ligadas a algún plato de la gastronomía popular japonesa. La nula información que el autor nos ofrece sobre el propietario de “La cantina de medianoche” hace que el personaje sea todavía más atractivo: pelo blanco corto, bigote fino, una cicatriz que le cruza la cara y el eterno pitillo entre los dedos. Este personaje se mueve como pez en el agua entre su dispar clientela: yakuzas, marineros, strippers, maestros en el arte de “rakugo” (monólogos humorísticos), mujeres de compañía, boxeadores, delincuentes de todo tipo, videntes, actores de telenovelas, transexuales, dueños de bares de ambiente, cowboys de medianoche, músicos ambulantes y un más que largo etcétera de personajes surgidos de los ambientes nocturnos más decadentes.

El misterio que rodea al dueño de la “izakaya”, del que no sabemos ni siquiera el nombre, tan solo que “da miedo, pero es buena persona”, contrasta con todas las historias que nos cuenta de cada uno de los clientes que entran en el local. Por lo general, y pese a su dudosa moralidad, son personas que sufren la soledad de la gran ciudad. Almas errantes en un mundo masificado donde no acaban de encontrar su lugar y que acuden a la cantina para desahogar sus penas, encontrar a alguien que escuche las anécdotas de ese día o, simplemente, encontrar compañía conocida y comer algo junto con la única familia que conocen. “La cantina de medianoche” se ha convertido, a la vez, en confesionario y en purgatorio, en mentidero y en despacho de consejos, pero por encima de todo esto, en un pequeño rincón donde los atormentados feligreses de la bohemia tokiota se reencuentran con lo que les hace humanos: los sentimientos.

Como he mencionado, cada historia arranca con un cliente pidiendo un plato de comida cuya presentación, ingredientes o aromas desatan los recuerdos y vivencias de los diferentes protagonistas. Aprenderemos porque Tat-chan, un duro “yakuza”, se pirra por las salchichas fritas con forma de pulpo; porque el “kazunoko” (huevas de arenque) representan la buena cosecha y la fertilidad en la tradicional comida de año nuevo;  que son los helados Garigari-kun, las propiedades anti-calvicie del alga nori, cuál es la mejor manera de comerse una paparda, porque unos simples aros de cebolla fritos pueden ser un gran manjar, que las recetas occidentales como los espaguetis o la ternera Strogonoff también triunfan entre los japoneses o, incluso, las múltiples formas de preparar el cerdo con jengibre.

“La cantina de medianoche” está formada por pequeños capítulos independientes de entre 8 y 12 páginas cada uno que se pueden leer de forma autónoma y sin necesidad de seguir un orden concreto. Historias como la ya mencionada de Tat-chan se cruzan con la del maestro de shôgi (ajedrez japonés) que alecciona a su alumno; la de Tanaka, actor porno que debuta gracias a la protección de Erecto-Oki, una leyenda del género; los esfuerzos de Mayumi por perder peso; el resentimiento hacia los hombres de las solteronas conocidas con el apodo de las “Ochazuke (arroz con té) Sisters” o la nostalgia de un médico hacia sus años de bailarín con los “Takenoko-zoku” en una época en que los domingos se cortaba al tráfico la principal avenida de Harajuku y se llenaba de grupos de baile que competían entre ellos.

“La cantina de medianoche” es una obra que desborda humanismo y analiza al dedillo los sentimientos, ansias y anhelos humanos. El dibujo sencillo, pero tremendamente afectivo ayuda a retratar las situaciones con una delicadeza visual inusitada. Las viñetas plasman escenas amables que se contraponen a unas historias personales muchas veces duras, pero siempre dejando espacio para el humor. El ritmo de los capítulos es rápido y cuenta con un texto conciso, sin florituras, lo que facilita su lectura y disfrute. Yaro Abe no ha querido ofrecernos un serial lacrimógeno (aunque a veces nos arranque más de una sonrisa amarga) sino mostrarnos el camino que sus personajes han recorrido para llegar a convertirse en lo que son. Al fin y al cabo eso es lo más interesante de cualquier historia, el camino andado.

Albert Solé Jerez
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Ha habido muertes ridículas a lo largo de la historia. Incluso podemos encontrar muertes deshonrosas dignas de ser olvidadas. Pero no encontraremos ninguna que sea tan ridícula y tan deshonrosa a la vez, e incluso tan masiva, como la que tuvo lugar en los hechos de la catedral de Érfurt.

El rey Enrique VI (1165 – 1197) y emperador del Sacro Imperio Romano Germánico (también conocido como Primer Reich) fue hijo de Federico I Barbarroja. Su padre, incansable organizador de cruzadas y campañas bélicas varias, dejó en manos de Enrique los tejemanejes de la corte alemana desde muy temprana edad. De hecho, Enrique estaba acostumbrado a viajar al lado de su padre en sus constantes refriegas, pues esto formaba parte de la educación para su futuro como regente. De esta manera, en 1176 participó en la campaña contra la liga lombarda y, más tarde, en la batalla contra la rebelión de Enrique el León.

Unos años más tarde, Enrique VI se dirigía hacia Polonia, encabezando una nueva cruzada, cuando hizo un alto en la catedral de Érfurt, capital de Turingia, lugar en el que instaló su corte. El motivo de esa parada en el camino fue para mediar en un conflicto que mantenían, por una parte, el duque Luis III (primo del propio Enrique VI), y por el otro bando, Conrado de Wittelsbach, arzobispo de Maguncia. La enemistad de ambos personajes se origina con el derrocamiento de Enrique el León, su posterior desposesión de títulos nobiliarios y el consecuente destierro.

La asamblea fue convocada el 26 de julio de 1184 en una de las salas del segundo piso de la catedral de Érfurt. Debido a la importancia de los efectos del desenlace de esta en términos económicos, territoriales, sociales y de prestigio, muchos fueron los asistentes que acudieron a participar, o simplemente a escuchar, en el desarrollo de las conversaciones. El cúmulo de gente hizo que el viejo, y seguramente podrido, suelo del segundo piso de la catedral se derrumbase bajo los pies de los asistentes que se precipitaron contra el suelo del primer piso. El impacto de los cuerpos y posterior caída de vigas y cascotes hizo que el primer piso también cediera, arrojando a las pobres almas, en su espontáneo viaje exprés de arriba hacia abajo, a las entrañas de la fosa séptica de la basílica, que acumulaba los desechos de las letrinas y de los “aborterkers”.

Muchos fueron los que murieron del primer impacto contra el suelo o por aplastamiento al caerles las vigas del techo descompuesto encima, pero fueron muchos otros los que murieron ahogados en aguas fecales tragando vete tú a saber el qué. Las crónicas de la época hablan de alrededor de 60 fallecidos, entre ellos personajes de la jet set de la época como el conde Gozmar III de Ziegenhain, el conde Fridrich I de Abenberg, el conde Fridrich I de Kirchberg, el conde Heinrich de Schwarzburg y un largo etcétera de poderosillos del momento. El rey Enrique VI se salvó por la suerte de que su asiento en la reunión estaba sobre una zona del suelo hecha de piedra y no cedió, aunque su persona quedó en el mismísimo borde del abismo fecal y tubo el reflejo de agarrarse al marco de una ventana para evitar ser tragado por un pozo ciego.

Para los presentes que seguían en pie en el segundo piso de la catedral, la escena les debió parecer de lo más dantesca, un descenso instantáneo, cuestión de segundos, al mismísimo infierno. Superada la impresión inicial y los minutos de dar vueltas sobre sí mismos con las manos en la cabeza profiriendo lamentos y murmullos de toda clase, los asistentes consiguieron rescatar al rey utilizando una escalera.

Una vez superado el susto, el rey prosiguió su camino hacia Polonia. La catedral fue reparada y sus suelos reforzados. De los cadáveres no se sabe nada, supongo que no debieron dejarlos ahí aunque no me extrañaría. Sea como sea, los hechos ocurridos en la catedral de Érfurt son dignos de ser recordados, sobre todo cuando estéis con el agua al cuello o creáis que estáis teniendo un mal día.

Albert Solé Jerez
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