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“House of the Dragon”, todo lo que debes saber sobre la precuela de “Juego de tronos”

El universo de “Juego de Tronos” no quiere quedarse atrás a pesar de haber finalizado su trama principal en la pantalla pequeña, y HBO tiene claro que la fórmula ideal para seguir manteniéndolo de actualidad es ofreciéndonos más material mediante precuelas.

 

El universo de “Juego de Tronos” no quiere quedarse atrás a pesar de haber finalizado su trama principal en la pantalla pequeña, y HBO tiene claro que la fórmula ideal para seguir manteniéndolo de actualidad es ofreciéndonos más material mediante precuelas. Hace unos meses propuso dos títulos: “Bloodmoon” y “House of the Dragon“. La primera está ambientada 5.000 años antes años antes de los sucesos vistos en la serie madre, en la llamada “Edad de los héroes”, momento en que los hombres se enfrentaron por primera vez a los temibles caminantes blancos. Comenzó su proceso de casting alto, confirmando a Naomi Watts como una de sus protagonistas, pero después de rodar su episodio piloto anunciaba que era cancelada.

En cambio el segundo título, “House of the Dragon“, sigue adelante y nos llevará al reinado de los Targaryen primigenios el próximo 2022, y se desarrollará 300 años antes de los acontecimientos vistos en la serie y hará un seguimiento de principio a fin de la Casa Targaryen, una de las más simbólicas de las casas a pesar de haber tenido prácticamente un solo componente vivo durante la mayor parte de la emisión de Juego de tronos, Daenerys.

 

 

Este nuevo proyecto se basa en la novela “Fuego y Sangre”, el libro de George RR Martin centrado en la historia de los Targaryen, y abarcará desde el primero de esta casa real que tuvo su dragón, Aegon el Conquistador, creador del Trono de Hierro, y que podría llegar hasta la guerra civil, conocida como la Danza de los Dragones, que casi destroza su dinastía.

Al principio se confirmó que George R.R. Martin y Ryan Condal serían los encargados del guion de esta nueva serie que tendrá un total de 10 episodios en su primera temporada (de momento la única confirmada). Sin embargo, Martin avisó hace unos meses que es posible que se quede fuera del proyecto, ya que primero quiere terminar su nuevo libro, Vientos de invierno. Si la acaba a tiempo, veremos su firma en el guion. Si no, no.

Miguel Sapochnik, que dirigió múltiples episodios de “Juego de Tronos“, incluida “La Batalla de los Bastardos”, es el encargado de dirigir el piloto y actuará como co-showrunner junto Condal.

 

 

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Crítica de “La Guardia”, una serie de dimensiones épicas

Producida por la BBC America e inspirada en el mundo y los personajes creados por Sir Terry Pratchett

 

“En un lejano juego de dimensiones de segunda mano, en un plano astral ligeramente combado, las ondulantes nieblas estelares fluctúan y se separan.

Vamos…

La Gran Tortuga A’Tuin se acerca, nadando lentamente por el golfo interestelar, con los pesados miembros llenos de hidrógeno congelado, la enorme y viejísima concha llena de cráteres de meteoros. Con unos ojos del tamaño de mares, encostrados de lágrimas reumáticas y polvo de esteroides, Él contempla fijamente el destino.

En una mente más grande que una ciudad, con lentitud geológica, Él sólo piensa en el peso.

Por supuesto, la mayor parte del peso se debe a Berilia, Tabul, Gran T’Phon y Jarakeen, los cuatro elefantes gigantes sobre cuyos lomos y amplios hombros bronceados por las estrellas descansa el disco del mundo, enguirnaldado por una enorme catarata a lo largo de toda su circunferencia, y cubierto por la bóveda azul pálido del cielo.”

 

 

Así empieza el libro “El color de la magia”, el primer libro de Sir Terry Pratchett ambientado en el mundodisco. Posteriormente este universo se iría desarrollando a través de 40 libros más, con personajes que se entremezclan en los diferentes volúmenes. Mientras en cierto título uno es el protagonista, en otro se queda en un segundo plano y en el de más allá hace una pequeña aparición. El epicentro de este delirante universo bañado de magia, que haría las delicias de cualquier terraplanista, es la ciudad de Ankh-Morpork. Una ciudad sucia y decrépita urbe a la que ni la constante lluvia puede reducir su pestilencia. Escenario habitual de la extensa literatura ambientada en el mundodisco, ésta se divide en diferentes sagas: los enanos, las brujas, la muerte y los guardias. Vamos a centrarnos en esta última.

La decadente ciudad es un antro de ladrones y asesinos que se han organizado en gremios y reclaman sus derechos laborales como cualquier otro trabajador. La ley les permite robar y asesinar mientras no sobrepasen el cupo anual de delitos, para todo lo demás, está la guardia de la ciudad. En palabras del propio Pratchett en su libro “¡Guardias! ¡Guardias!”: “Puede que los llamen “La Guardia de Palacio”, o “”La Guardia de la Ciudad”, o “La Patrulla”. Sea cual sea su nombre, su función en cualquier obra de fantasía heroica es siempre la misma: más o menos a la altura del capítulo Tres (o a los diez minutos de empezar la película) entran a saco en una habitación, van atacando al héroe de uno en uno y mueren por orden. Nadie les pregunta nunca si es eso lo que quieren hacer. Este libro va dedicado a estos abnegados hombres.” Así nos podemos hacer una idea del grupo de perdedores crónicos que forma parte del cuerpo de defensa de la ciudad de Ankh-Morpork.

 

 

Si algo caracteriza las novelas del mundodisco de Pratchett es su humor inciso y la facilidad por interponer los diálogos más alocados en medio de las situaciones más tensas y peligrosas. Pero entre tanto plano dimensional retorcido, densa magia de color octarino, seres de lo más variopinto, risas y carcajadas, Pratchett se las ingeniaba para tocar temas trascendentales de nuestro propio mundo, tan corrompido y cruel como la ciudad de Ankh-Morpork. Y aquí está la grandeza de la guardia nocturna de la ciudad, la integración de una panda de desarrapados perdedores rechazados socialmente por sus diferencias, por no seguir la norma no escrita que ser guapo y triunfar en la vida lo es todo para ser aceptado en cualquier mundo, ya sea real o fantástico. Pratchett nos demuestra en sus páginas como un reducido grupo de desahuciados pueden llegar a ser verdaderos héroes.

Movistar estrenó en España durante el mes de abril de 2021 la serie “La Guardia”, producida por la BBC America e inspirada en el mundo y los personajes creados por Sir Terry Pratchett. 8 capítulos de unos 45 minutos de duración que adaptan a la pantalla el rico y complejo mundo creado por el escritor. El proyecto empezó a gestarse en el año 2011, pero la muerte del escritor en 2015 hizo que la cosa se ralentizara. Más tarde, su hija, Rihanna Pratchett se desentendió del proyecto pues éste no compartía “ni un ápice de ADN con la obra de su padre”. El guión adaptado por Simon Allen, que bebe principalmente de la novela “¡Guardias! ¡Guardias!” y la dirección de Craig viveros, Emma Sullivan y Brian Kelly dejan de lado la esencia y el (des)orden del mundodisco a favor del espectáculo y una más fácil comprensión de la narración para el espectador no iniciado en esta saga literaria.

 

 

Richard Dormer (Juego de Tronos) es el encargado de dar vida al histriónico Sam Vimes, capitán de la Guardia de Ankh-Morpork. Los sucesos del pasado, que rápidamente conoceremos en el primer capítulo, lo han convertido en un personaje mentalmente torturado que sólo encuentra alivio en la bebida. El constante estado de embriaguez lo convierten en un despojo humano egoísta y esquivo cuya única finalidad es mantener un alto nivel de alcohol en sangre. Eso no quita que tenga sus virtudes, el personaje evolucionará rápidamente a medida que deja de descorchar botellas. Dormer sobreactúa, mantiene una postura forzada echando el cuello hacia adelante en todo momento mientras pasea, de forma constante, un cigarro de lado a lado de su boca. La verdad es que la actuación tiene sus momentos de brillantez pero hay escenas en que parece que el actor se haya inspirado en Popeye el marinero para crear el personaje de Vimes.

El resto de miembros de la Guardia son otro cantar. El variopinto grupo de inadaptados viene encabezado por Zanahoria, interpretado por Adam Hugill (1917). Se trata de un humano criado por enanos y paradigma del sentido común. Es la última incorporación en la Guardia  y se toma la ley al pie de la letra saltándose a la torera cualquier derecho laboral de los gremios de asesinos y ladrones. Zanahoria es quien azuza al resto del equipo a tomarse en serio su trabajo y quien tira del carro durante las ausencias etílicas de Vimes. Angua Von Überwald, interpretada por Marama Corlett (Los guardianes de la galaxia) es la más fiera del grupo. Su apariencia frágil y menuda esconde un fuerte carácter y una crónica mirada penetrante, sin mencionar su origen que guarda en el más profundo secreto y que la hace temible. Jo Eaton-Kent (Los Romanov) encarna a Jovial Culopequeño (Cheery), el alquimista (científico) del grupo. Su condición transgénero lo convierte en el personaje más llamativo del grupo, a la vez que en el más sensato, reflexivo y sensible. Es quien se encarga de la parte científica dentro de la Guardia. Detritus, un trol de los de toda la vida, de esos que viven debajo los puentes y que tienen la piel pétrea. Un turbulento accidente del pasado lo une a Vimes, quien lo acoge dentro de la Guardia como un miembro más. Lady Sybill Ramkin, última de una estirpe de ricachones de la alta sociedad ankh-morporkiana. Dedica su fortuna a proteger a los dragones de pantano, pequeñas criaturitas escupe fuego que al mínimo descuido pueden explotar por culpa de sus malas digestiones.

 

 

Este grupo de personajes funciona por sí solo. Todos se complementan los unos con los otros en un trabajo comedido por parte de los actores que los encarnan. La serenidad de este conjunto choca con la exageración de Dormer, pero a su vez actúa como catalizador convirtiendo a Vimes en uno más cuando comparte escena con ellos. A decir verdad, ahora que ya se han podido ver dos capítulos de la serie, hay que decir que el desmadre de Vimes del primer capítulo se desacelera a pasos agigantados para refugiarse dentro de los límites del conjunto que lo rodea ¡Todo un alivio! Otros personajes completan el reparto de esta serie. Lord Vetinari (Anna Chanceller) es el Patricio de Ankh-Morpork, Wendell Pierce pone voz a La Muerte, personaje muy recurrente en la literatura de Pratchett y el malvado Carcer Dun interpretado por Sam Adewunmi.

Simon Allen, con su guión, ha convertido a la Guardia en una especie de CSI fantástico que difiere de la esencia de la obra principal. Ha hecho de estos vigilantes un grupo bien definido donde cada uno tiene un papel y unas funciones muy marcadas, cosa que no ocurre en la literatura. La Guardia destaca por su caos organizativo y por sus constantes dudas de pertenecer al cuerpo más despreciado de Ankh-Morpork. La serie nos los presenta como unos anti-héroes que tomaran las riendas de una investigación que involucra a los diferentes gremios de la ciudad, incluyendo a los intocables magos, en la que intervienen el tráfico de drogas y el robo de un poderoso grimorio de la biblioteca de la Universidad Invisible.

 

 

El universo creado por Pratchett es tremendamente complejo de llevar a la pantalla, y una vez más queda demostrada esta dificultad con “La Guardia”. La propia Ankh-Morpork es víctima de esta adaptación, en la que las tabernas de jarras y barriles se han convertido en bares con luces negras que hacen brillar fosforescencias multicolores. La Propia Universidad Invisible, templo del saber mágico y primer edificio que se construyó alrededor del cual se desarrolló la ciudad, queda desdibujada en una arquitectura moderna e impecable. Igual ocurre con el palacio del Patricio que gobierna la ciudad, el non plus ultra de la arquitectura palaciega y limpieza. Pratchett siempre dio a la ciudad una sensación de caos constante y del desasosiego de sus habitantes de ser robados o asesinados con total impunidad, y eso no lo encontramos en la serie, donde todo tiene un orden y cierta lógica. La aparición de personajes recurrentes como el archicanciller o el bibliotecario sólo hacen que afirmar esa sensación de falta de surrealismo en la serie y que tanto se agradece en forma de carcajadas en los libros. Tampoco hay rastro de los comentarios perspicaces e irónicos con los que el genial autor llenaba sus páginas.

Ahora vamos a dejar de lado el mundo literario y nos vamos centrar en la serie en sí, como si no estuviera basada en los personajes de Sir Terry Pratchett. Nos encontramos ante un producto muy bien hecho. Muy logrado. La mezcla de acción y misterio dentro de un mundo imaginario al más puro estilo de fantasía medieval, adornado con unos efectos especiales más que resolutivos y una ambientación tremendamente lograda, con una variedad enorme de personajes y situaciones de lo más dispares es una fórmula ganadora segura. Como veis no todo es malo en “La Guardia” y si conseguís superar los primeros dos tercios del primer capítulo os encontrareis con un espectáculo que mezcla muy buenas escenas de acción, momentos para el humor más disparatado y un misterio en forma de libro robado. Desde aquí sólo os puedo decir que a partir del segundo episodio la cosa gana en interés y expectación, y tal como dice La Muerte en la frase que cierra el primer episodio: “Al principio se hace pesado pero engancha”.

 

 

Por otro lado, los lectores de las sagas de Pratchett verán que sus personajes preferidos no han sido respetados y se quejarán de que hayan modificado su esencia para convertirlos en seres carismáticos dando lugar a un espectáculo dirigido a todos los públicos. Cosas del show-business,  que actúa así cuando quiere hacer un producto atrayente para el espectador,  y “La Guardia” cumple con todas estos requisitos. En esta dicotomía me encuentro, entre la decepción por un producto que no es fiel al original y la sorpresa por encontrarme una serie de fantasía a la que se le han puesto gran cantidad de recursos para hacerla atractiva a un público mayoritario. Decidan ustedes, yo tan solo tengo un último mensaje para los no avezados con el mundodisco: mucho antes que Hogwarts ya estaba la Universidad Invisible.

 


Albert Solé Jerez
www.japaniums.blogspot.com

 

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¿Cuándo se estrena la tercera temporada de “Titans”?

La acción se trasladará a Gotham y se introducirán nuevos personajes

 

Sin noticias oficiales sobre la fecha concreta para el retorno de la serie “Titans”, solo nos queda esperar a la confirmación por parte de HBO Max, plataforma donde se emitirá. Algunos rumores sitúan este regreso para el próximo 15 de julio de este 2021, pero como ya sabemos este tipo de informaciones solo se publican para generar clickbait.

Lo que sí que sabemos seguro es que la acción se trasladará a Gotham, lo que nos llevará a la introducción de un personaje clave como Barbara Gordon (Savannah Welch), en su versión de Oráculo, y quién sabe si también conoceremos a su padre. Además también veremos a Jason Todd transformado en Red Hood, Tim Drake hará su debut con Jay Lycurgo interpretándolo, Starfire estrenará nuevo atuendo y que nuestros héroes se enfrentarán al Espantapájaros.

 

 

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“Terminator” llegará en formato anime a Netflix

Sorpresa mayúscula para los fans de la franquicia y del anime

 

La franquícia “Terminator” estará muy pronto de vuelta, esta vez en formato anime y en Netflix. La compañía de streaming ya habría encargado su producción, aunque se encuentra en una fase muy temprana. Lógicamente, los detalles de la trama, así como el punto de la cronología de Terminator en la que se situaria la producción, son desconocidos.

Lo único que sabemos sobre la trama es que tratará más la parte de la guerra entre los robots y los humanos que la que históricamente han tratado las películas: “La nueva serie animada explorará este universo de una manera que nunca antes se había hecho. No podemos esperar a que los fanáticos experimenten este increíble nuevo capítulo en la batalla épica entre máquinas y humanos”,  aseguró John Derderian, vicepresidente de Netflix de Japón y anime.

Terminator será, por tanto, otra de las grandes franquicias que la compañía trasformará en anime como “Castlevania” y “Blood of Zeus”. Además de “Terminator”, Netflix tiene pendiente el estreno de una serie animada de “Splinter Cell” y un anime derivado de la película de Zack Snyder, “Army of the Dead”.

 

 

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“Star Wars: The Bad Batch”, este mayo en Disney +

La esperada secuela de “The Clone Wars”

La serie de animación “The Clone Wars” tiene secuela y esta será estrenada este próximo mes de mayo en Disney + bajo el título “The Bad Batch (La Remesa Mala)”, en concreto el día 4,  el día de “Star Wars”. La historia nos mostrará las aventuras de un escuadrón de Clone Troopers de élite que formó parte de la séptima y última temporada de “The Clone Wars” durante los últimos días de la Vieja República, al final de la Guerra de los clones “y más allá”, según la descripción oficial de Lucasfilm.

Y es que el universo de “Star Wars” va mucho más allá de las películas, e incluso de las series “live action”. Quienes han visto The Mandalorian ya estarán al tanto que, durante su segunda temporada, la serie comenzó a conectar con personajes y acontecimientos que anteriormente habíamos visto solo en series animadas, tanto en “The Clone Wars” como en “Star Wars Rebels”.

 

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“WandaVision” o cómo Disney por fin muestra sus intenciones

Disney ya no esconde sus oscuras intenciones para el futuro de la franquicia Marvel…

 

WandaVision” no es solo la serie más cara de la historia, sino también el programa de televisión más popular del mundo según Parrot Analytics. Desde esta compañía se compartieron datos específicos que revelaron que “WandaVision” no comenzó a ascender a la cima hasta el episodio 3, cuando se convirtió en la “segunda o tercera” serie con mayor demanda. Se mantuvo entre los tres primeros hasta el lanzamiento del episodio 5, cuando llegó al estrellato.

Precisamente es a partir del cuarto capítulo de esta serie exclusiva de la plataforma de streaming Disney + cuando los más atentos habrán notado como una buena historia como la que se nos planteaba en los primeros episodios cambió por completo, incluso afectando al tono de la trama para acabar ofreciéndonos de forma repentina un producto 100% Disney carente de personalidad: personajes totalmente planos, roles totalmente marcados (rozando el ridículo) y dando peso a un casting de actores secundarios, como mínimo desafortunado. Hasta el punto que uno ya no sabe si está viendo una serie del universo Marvel o la nueva entrega de la serie happyflower/cotillas de turno, con gran inversión en maquillaje, vestuario y entrenadores personales para conseguir las mejores sonrisas falsas en pantalla.

Quizás el detonante de tan rotundo cambio fue el forzado protagonismo de la tripleta formada por los personajes  de Darcy Lewis, Monica Rambeau y Jimmy Woo, que podrían pasar desapercibidos en cualquier serie del “Arrowverso” o de películas como “Aves de Presa” o Wonderwoman 84″. Sus actuaciones totalmente planas, en especial la de la actriz Teyonah Parris en el papel de Rambeau (nos recuerda a los peores momentos de Aliyah Royale en “The Walking Dead: World Beyond”), destrozan por completo todo lo planteado anteriormente en “WandaVision“, llevándola al cajón de las víctimas de la “Disneyzación”. No nos olvidemos tampoco de Josh Stamberg, totalmente desconocido respecto a otros trabajos mucho más exigentes y serios como su papel en “The Affair”.

 

 

Y que conste que las actuaciones de Elizabeth Olsen, Paul Bettany, Kathryn Hahn, Evan Peters nos parecen sencillamente fantásticas, y quizás sean la única razón para seguir viendo esta serie, el primer producto Marvel donde el sello Disney ya no esconde sus oscuras intenciones para el futuro de la franquicia…

 

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“El Espía”, Sacha Baron Cohen nos deja boquiabiertos en Netflix

La historia de Eli Cohen, uno de los más exitosos espías de los tiempos modernos

 

“El espía (The Spy)” es una miniserie de suspense francesa de habla inglesa basada en la vida del célebre espía israelí Eli Cohen, quien había sido infiltrado por el Mossad en Siria en los años 60. Esta gran mini serie de tan solo 6 episodios (se nos ha hecho extremadamente corta) que actualmente podemos encontrar en la plataforma de streaming Netflix, está escrita y dirigida por Gideon Raff y Max Perry, y su protagonista es el popular Sacha Baron Cohen. Está basada ben el libro “L’espion qui venait d’Israël (El espía que vino de Israel)”, de los coautores Uri Dan y Yeshayahu Ben Porat. La serie es una producción de la francesa Legende Production para Canal+ y de Netflix, siendo este último el medio que la emite en streaming fuera de Francia. Fue lanzada el 6 de septiembre de 2019.

 

 

Eli Cohen fue reconocido como uno de los más exitosos espías de los tiempos modernos. Nacido en Alejandría, Egipto, de padres judíos sirios de Alepo, contribuyó a actividades proisraelíes en su país en los años 50, pero la parte más importante de su carrera comenzó cuando fue reclutado por la inteligencia militar israelí en 1960. Se le dotó de una identidad falsa como un árabe sirio que volvía a Siria tras vivir en Argentina.​ Para establecer su coartada, Cohen se fue a Argentina en 1961 y al año siguiente se mudó a Damasco. Durante los siguientes años, usando el apodo de Kamel Amin Tsa’abet (pronunciado habitualmente como Sa’bet o Tha’bet), Cohen se ganó la confianza de varios militares sirios y oficiales del gobierno, y envió mensajes de inteligencia a Israel por radio, cartas secretas y, ocasionalmente, visitando Israel en persona.

 

 

Su logro más famoso fue su viaje a las fortificaciones sirias de los Altos del Golán.​ En 1964 su control fue transferido al Mossad como parte de la reorganización llevada a cabo en los sistemas de inteligencia israelíes.

En enero de 1965 fue hallado in fraganti por expertos soviéticos enviando mensajes de radio y por este hecho fue condenado por espionaje. A pesar de los esfuerzos internacionales para que Siria cambiase la sentencia de muerte, incluso del Papa Pablo VI,​ acabó siendo ahorcado públicamente en la plaza de Marje de Damasco. Su cuerpo se mantuvo colgado durante seis horas, con un cartel en el que se describían sus «crímenes» y su «servicio al enemigo». Al día de hoy, Siria rechaza devolver los restos de Eli Cohen a su familia para un entierro en Israel.

La serie intenta recrear los hechos de la forma más realista, aunque la hija del propio Eli Cohen la criticó duramente. Cuando se le pidió que señalara lo que consideraba que no reflejaba la experiencia de su familia, Ben-Dor citó «la brecha étnica», señalando que su madre nunca fue una criada, como se describe en la serie.

 

 

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“Recursos inhumanos”, la grata sorpresa televisiva de Eric Cantona

6 episodios que nos narran la vida de Alain Delambre

 

Recursos Inhumanos” (Dérapages), protagonizada por la exestrella del fútbol Eric Cantona, llegó a la plataforma Netflix el 15 de mayo de 2020. La serie fue un éxito en Francia, con 2,12 millones de espectadores la misma noche en que se emitieron los tres primeros episodios en el canal franco-alemán Arte, el 16 de abril.

Esta grata sorpresa televisiva, de 6 episodios,  nos narra la vida de Alain Delambre, que vive en un modesto apartamento en París junto a su esposa Nicole (Suzanne Clément). Alain lleva seis años sin trabajo estable desde que fue despedido de su trabajo como director de RR. HH. por considerarlo demasiado viejo, malviviendo con trabajos esporádicos que no son suficientes para pagar la hipoteca de su apartamento, que necesita ser reparado. La suerte por fin parece estar de su lado cuando se abre una vacante de reclutador de recursos humanos en una gran empresa, sin embargo tras la prueba y una entrevista descubre que habrá que hacer algo más si quiere optar a esta posición…

 

 

La serie está basada en una novela de 2010 de Pierre Lemaitre, Cadres Noirs, mientras que los episodios fueron dirigidos por Ziad Doueri, que trabajó en el guion con Lemaitre. Al parecer, el guionista estaba en contra de ofrecer el papel principal a Eric Cantona como protagonista, porque consideraba que Alain Delambre no podía tener el carisma que tiene Cantona. Finalmente su elección fue un éxito rotundo.

 

 

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La tercera temporada de “American Gods” en Amazon Prime Video

Odín vuelve con la magnífica interpretación de Ian McShane

 

Odín, el padre de todos, vuelve a nuestras pantallas con la magnífica interpretación de Ian McShane en lo que ya es la tercera temporada de la serie “American Gods” en Amazon Prime Video. Basada en la novela homónima de Neil Gaiman, la historia sigue los pasos de Sombra Moon, un ex convicto al que no le queda nada donde agarrarse en este mundo y que se pone a trabajar bajo las órdenes del misterioso Sr. Miércoles como guardaespaldas y chico para todo.

Esta tercera temporada viene cargada de sorpresas desde el primer capítulo, y la más llamativa de todas es el cambio de peinado del coprotagonista Sombra Moon, interpretado por Ricky Whittle. Parece ser que la serie se deshace de algunos secundarios nada más empezar esta tercera ronda, aunque no descarto que puedan reaparecer más adelante. Nunca se sabe cuando tratas con dioses. Por otro lado, y viendo el tráiler promocional, descubrimos la incorporación de nuevas deidades que irán haciendo acto de presencia a lo largo de lo que parece la última temporada de la serie, una de ellas interpretada por Danny Trejo (“Machete”). Otra cosa que nos llama la atención es la cantidad de episodios, mientras que las temporadas 1 y 2 tenían 8 episodios cada una, esta tercera temporada tendrá 10 capítulos, una despedida por todo lo grande siempre y cuando no abusen de los capítulos de relleno tal y como hicieron en las otras dos temporadas.

American Gods” es una road movie en la que los dos protagonistas, el Sr. Miércoles y Sombra Moon viajan por todo el país siguiendo un complejo plan para conseguir un ambicioso objetivo: permanecer en la memoria. Los nuevos dioses se están haciendo con la fe y la idolatría de los seres humanos. El sexo, las drogas, la tecnología, los media, el dinero, la ciencia, los coches, el juego, etc, han ganado mucho terreno dentro del corazón de las personas, dejándolo sin espacio para los antiguos dioses como Odin, Thor, Ibis, Czernobog, Bilquis, Anansi y otros seres mitológicos como el Leprechaun, que se ven condenados a muerte ante el abismo del olvido. Es posible que esta tercera temporada deje atrás los viajes por carretera y se centre en el día a día de Sombra en el pueblo de Lakeside, lugar al que ha llegado contra su voluntad.

 

 

Intentaré resumir en unos pocos párrafos lo que han dado de sí las dos anteriores temporadas, así que los que aún no las hayáis visto saltaros los siguientes puntos porqué aquí empieza el destripe. A medida que los hombres llegaban al nuevo continente, traían con ellos sus creencias y sus dioses. Desde los primeros habitantes que llegaron provenientes de Asia Oriental, cruzando el mar a pie durante la última era glacial, hasta los mejicanos que dejaron sus vidas cruzando el rio, pasando por los vikingos que navegaron hasta la tierra prometida, los esclavos que llegaban en condiciones infrahumanas como mercancía o los deportados por la justicia inglesa. Gente de todos lugares, colores y creencias dejaron su huella religiosa en esa tierra de oportunidades. Creencias que se mezclaron con las que ya existían allí.

Sombra Moon sale de la cárcel 3 días antes de terminar condena debido a la muerte de su mujer en un accidente de coche. De camino hacia el entierro conoce al Sr. Miércoles, quien lo contrata verbalmente como guardaespaldas bajo el testimonio de Sweeney, un gigante irlandés. Durante este encuentro, Sweeney le da a Sombra su moneda de la suerte, la moneda del sol. Sombra llega al entierro y en la misma iglesia se entera que Laura, su esposa, había estado liada con su mejor amigo mientras él estaba en la cárcel. Sombra se despide de Laura delante de su tumba y arroja la moneda del sol sobre la tierra. La moneda hace que Laura vuelva de entre los muertos, pero la descomposición de su cuerpo ya empieza a notarse. Laura persigue a Sombra, pero éste último ya no quiere saber nada de ella.

Los nuevos dioses, liderados por el Sr. Mundo, el dios de la globalización, también persiguen a Sombra para sonsacarle los planes de Miércoles, que no son otros que reunir a todos los dioses posibles para empezar una guerra que destruya a las nuevas creencias. Miércoles contacta con Czernobog, dios de la oscuridad; Vulcano, dios de la guerra y la fragua que vive una segunda juventud en una pequeña comunidad supremacista y que forja una espada de guerra para Miércoles; las hermanas Zorya, diosas eslavas; Anansi, el dios del conocimiento y las historias; Ibis, dios de la muerte; Djinn, un genio destructor de dioses; Bilquis, la diosa del amor, también conocida como la Reina de Sheba y, para finalizar, Ostara, diosa celta de la fertilidad, la cosecha y la primavera, también conocida como Pascua. Es en casa de Ostara que Sombra descubre el plan de Miércoles y su verdadera identidad. Los nuevos dioses atacan la fiesta pero la intervención de Odín frustra sus planes. Esta refriega sirve para reafirmar que los dioses se han declarado la guerra de forma oficial.

 

 

Odín reúne a los antiguos dioses en la Casa de la Roca para trazar un plan y el Sr. Mundo aprovecha la reunión para matar a Zorya Vechernyaya, la estrella del ocaso. El grupo se divide y mientras Odín y Laura matan a Argus, el que lo ve todo, el Djinn y Salim recuperan a Gungnir, la lanza de Odín. A todo esto, Sombra es capturado y torturado por el Sr. Ciudad, un secuaz de Sr. Mundo que intenta sonsacarle, nuevamente, los planes de guerra de Odín. Miércoles se encuentra con Sr. Mundo en Saint Louis, donde ambos luchan para obtener los favores del Sr.Dinero a la vez que Laura y Sweeney llegan a Nueva Orleans atraídos por la magia negra que puede devolver la vida a Laura. Miércoles convence a Albis y a Valin, enanos artesanos, uno herrero y el otro grabador de runas, para que reparen Gaugnir. Finalmente, en una discusión, Sombra mata a Sweeney. Por su parte, los nuevos dioses, con la ayuda de New Media, crean una trama de falsas noticias que acusan a Sombra y a Miércoles de ser los responsables de una masacre policial, los demás dioses también salen mal parados y deben huir. Para rematar la situación Chico Tecnológico lanza un virus que ataca todas las entidades financieras del país desatando el caos en toda la población. Fin del destripe.

Muchos son los temas que toca “American Gods” a lo largo de sus capítulos, quizás el más destacable sea el propio título de la serie, que habla de América, nombre de todo un continente que alberga muchos países para referirse única y exclusivamente a Estados Unidos. Es el feo vicio estadounidense de creerse el ombligo del mundo pensando que hay un abismo de terror, ignorancia y desesperación más allá de sus fronteras. La supremacía nacional de un país que relega al resto a meros sirvientes de sus deseos. Lo mismo hace con los hombres y mujeres de otras razas, especialmente la negra. A lo largo y ancho de toda la serie se recurre al maltrato que el hombre blanco ha dispensado hacia sus congéneres de distinto color de piel. Un campo abonado para todo tipo de abusos gracias al auto odio que los propios negros sienten hacia ellos mismos. Este sentimiento de autodestrucción queda maravillosamente representado de forma visual en la figura de William “froggie” James, quien fue linchado y asesinado por una turba de exaltados mientras los propios negros reían y aplaudían la acción.

Otro de los temas estrella que toca la serie es la evolución de la sociedad y sus necesidades. En reflexión del propio Odín se puede resumir que las nuevas creencias se basan en anhelos. Los nuevos dioses, representaciones del consumismo agresivo, se dedican a satisfacer y a entretener, mientras que las antiguas creencias, los cultos, se dedicaban a dar sentido a las vidas de las personas. Estos antiguos dioses, la gran mayoría de ellos ya olvidados, no resultan inmortales tal y como ellos mismos se imaginaban, pues un dios muere cuando dejan de creer en él.

 

 

American Gods” es un enorme espectáculo de entretenimiento con una visual sorprendentemente impactante. Los planos de cámaras no dejan ningún detalle fuera de campo. Las alegorías y metáforas visuales resultan muy efectivas y están apoyadas con un despliegue de efectos especiales a la altura de las grandes superproducciones cinematográficas. Valga como ejemplo los primeros 15 minutos del primer capítulo de la serie con la llegada de los Vikingos a la nueva tierra. Muchas series pecan de centrar todos los recursos en el primer y segundo capítulo para captar la atención del espectador para luego decaer cualitativamente en los siguientes episodios. Esto no ocurre con “American Gods” pues el nivel se mantiene durante toda la primera temporada con un ligero, repito, ligero descenso en la segunda temporada. La serie va destinada a un público mayor de 16 años pues no escatima en detalles escabrosos, violencia extrema, sangre a chorro, sexo a mansalva con genitales en primer plano, palabras malsonantes, lenguaje gestual y todos los extras duros y blandos que podamos pedir. Esto no hace de “American Gods” una serie chabacana, al contrario, todos estos elementos se integran a la perfección en una historia extrema que habla de dioses y su mundo, pero sobretodo retrata a las personas y sus vicios. El ritmo de la serie es bastante irregular, contiene varios capítulos de relleno que se centran en tal o cual personaje, que permite al espectador conocer sus orígenes pero sin ningún tipo de interés en el desarrollo de la historia. Sombra, Laura y Sweeney el Loco tienen sus propios capítulos, resultando el de éste último el más interesante, pero como ya he dicho, no interfieren en el desarrollo de la historia, ni siquiera en el de los propios personajes.

Los personajes están muy bien trabajados, no sólo los dos protagonistas y sus secundarios más cercanos como Laura o Sweeney. Todos los demás dioses tienen una personalidad arrolladora y magistralmente interpretados ya sea desde la contención como el Sr. Ibis, desde el histrionismo extremo como Anansi o con una sobrecarga de efectos especiales como el Sr. Mundo. Las sorprendentes evoluciones del Chico Tecnológico o de Media hacen que tengamos al mismo personaje visto desde diferentes prismas, y eso aporta variedad y sorpresa para el espectador. El propio Sr. Mundo, líder de los nuevos dioses, hace una actualización asombrosa en el primer episodio de la tercera temporada con homenaje a Robert de Niro incluida. Finalmente decir que “American Gods” nos ofrece un viaje panorámico por los Estados Unidos profundos, desde los barrios marginales de las grandes ciudades hasta el gran sur bañado por el Mississippi. Al ritmo del dixie, blues, jazz, rock clásico y country, banda sonora de un lugar y un tiempo muy concreto, los personajes evolucionan cada uno con sus propias intenciones egoístas y la interacción entre todos ellos crea verdadera magia cinematográfica. Un placer visual y narrativo delante del cual es difícil quedarse indiferente. Muy recomendada.

 


Albert Solé Jerez
www.japaniums.blogspot.com

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“Ethos”, la serie indie revelación de 2020 en Netflix

“Ethos” o “Nos conocimos en Estambul” (como ha sido desafortunadamente titulada en territorio hispanoamericano), es el tipo de serie que seguramente pasará desapercibida por el gran público, más allá de la audiencia turca que consume los servicios de streaming de Netflix.

 

Ethos” o “Nos conocimos en Estambul” de Netflix (como ha sido desafortunadamente titulada en territorio hispanoamericano), es el tipo de serie indie con toques al más puro Paolo Sorrentino,  que seguramente pasará desapercibida por el gran público, más allá de la audiencia turca. Una serie de extrema bella factura de ocho densos episodios de 50 minutos.

Un inteligente drama turco, al que hay dar mucha paciencia en su primer episodio, en el que descubriremos la vida de varias personas cuyos destinos se entrelazan a través de la casualidad y las circunstancias. Todos proceden de diferentes entornos socioeconómicos y viven problemas personales diversos, empezando por Meryem (Öykü Karayel), una limpiadora a tiempo parcial que sufre desmayos y confía en la psicóloga Peri (Defne Kayalar).

 

 

Ethos” adopta un cambio de enfoque mucho más fundamentado de las relaciones, la psique, los traumas internos y externos, la conexión, la curación y muchos más temas además, con muchas cuestiones extremadamente discutibles de la cultura y el clima político religioso de Turquía.

Un producto televisivo con suficiente universalidad temática y pura artesanía en la producción para atraer a una amplia franja de espectadores de todo el mundo, especialmente a aquellos con la paciencia para desentrañar un complejo drama interpersonal. La escritura es densa pero sólida, y la actuación es a menudo excelente, y virtualmente nunca peor que buena.

 

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“Barbarians”, la mayor traición de la historia en Netflix

“Barbarians” de Netflix es una de aquellas series que gustan, pero que te dejan con la sensación de que podrían haber supuesto mucho más si se hubieran planteado prácticamente de forma opuesta. Seguramente, si el guion y casting hubieran ido en otra dirección, ahora mismo estaríamos hablando de una de las series más épicas nunca creadas del universo romano.

 

Barbarians” de Netflix es una de aquellas series que gustan, pero que te dejan con la sensación de que podrían haber supuesto mucho más si se hubieran planteado prácticamente de forma opuesta. Seguramente, si el guion y casting hubieran ido en otra dirección, ahora mismo estaríamos hablando de una de las series más épicas nunca creadas del universo romano, con vestuarios y escenificación rozando la perfección del género, sumándole el uso de los idiomas originales contemporáneos a la historia que nos narra.

 

 

Desarrollada por los alemanes Arne Nolting, Jan Martin Scharf y Andreas Heckmann, la serie se basa en los prolegómenos y batalla del bosque de Teutoburgo entre el ejército romano y las tribus germánicas en el año 9 d.C., desde la perspectiva de tres amigos de la infancia. El detonante de esta situación lo encontramos en el liderazgo del gobernador Varus (Gaetano Aronica), que exige terribles impuestos a las tribus germánicas, que no pueden hacer frente a estas peticiones, pero tampoco revelarse al existir total escisión entre ellas.

Barbarians“, que nos intenta relatar a su manera la mayor traición de la historia perpetrada por Varus (germano secuestrado y reeducado por los romanos), se pierde en su hilo argumental con simplicidades sentimentaloides para el gran público, aunque su formato a momentos acaba recordando a “Vikings”, y no se hace difícil de soportar. La profundidad de los personajes es otro de sus defectos, mostrándonos los típicos roles que una y otra vez han sido explotados en las producciones de este tipo, y  que con el paso del tiempo se hacen insufribles.

 

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