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«Rebuild of Evangelion» en Amazon Prime
La continuación de la trama de la serie original “Neon Genesis Evangelion”

Amazon Prime estrenó la cuarta y última entrega de “Rebuild of Evangelion”, un proyecto por el cual Hideaki Anno, guionista y máximo responsable, ha invertido 14 años para verlo finalmente terminado. Tal y como su propio nombre indica, se trata de una reconstrucción, una revisión de la icónica serie original de los años 1990 “Neon Genesis Evangelion”. Anno retoma el principio de la serie, sus personajes y todo el imaginario que la rodea y la va desviando hacia derroteros más comprensibles para el público con un final mucho más acorde con la épica de la narración y que sirve de colofón definitivo.
Nueve años han pasado entre la tercera entrega de esta tetralogía y el estreno de “Evangelion 3.0 + 1.01 Thrice Upon a Time”. A pesar de que en muchos momentos no se tenía nada claro de si esta cuarta película llegaría a ver la luz, hay que decir que la espera ha merecido totalmente la pena. El director Kazuya Tsurumaki (también responsable de las otras tres entregas) nos ofrece un digno espectáculo animado apoyado en las técnicas más modernas en animación por ordenador donde el equilibrio entre acción y psicología se mantiene de forma constante a lo largo de los 156 minutos de metraje. Pero antes de entrar en materia dejadme retroceder a los inicios de esta saga que nos ofrece más de 7 horas de excelente animación, acción desmesurada, grandes batallas con robots gigantes de por medio y altas dosis de filosofía, psicología y un mundo imaginario sólido como el granito.
La historia empieza con “Evangelion 1.01 You Are (Not) Alone” que sigue la trama de la serie original, “Neon Genesis Evangelion”, de forma bastante fiel aunque incorpora pequeños cambios. 15 años atrás la humanidad ha sido reducida a la mitad a causa de un ataque alienígena conocido como el Segundo Impacto. El ataque por parte de estos extraterrestres, conocidos con el nombre de ángeles, se predice en Los Textos del Mar Muerto. El armamento convencional poco puede hacer contra estas formas de vida definitiva y por eso se crea NERV, una corporación militar que desarrolla armamento para combatir a los ángeles. Estas armas, lo último en tecnología biomecánica, son potentes robots gigantes capaces de tratar de tú a tú a los alienígenas. Pilotados desde dentro por adolescentes, el peso de conducir la última esperanza de la humanidad, los EVAs (abreviación de EVANGELION), recae sobre Shinji Ikari, hijo del director de NERV.
Este primer film se centra principalmente en las escenas de acción contando con una increíble animación que mezcla elementos 2D con 3D sin que chirríe demasiado la integración de una técnica con la otra. El tempo de la película es bastante ligero y la presentación de sus personajes se hace a la vez que se desarrollan las escenas de lucha. Shinji Ikari arrastra muchos problemas a sus espaldas y eso se irá viendo a lo largo del metraje. Su inseguridad, su falta de personalidad y las tendencias depresivas irán apareciendo a medida que vaya avanzando la trama. El resto de personajes como Rei, Gendô y Katsugari se irán integrando en el relato sin presentación previa y el espectador conocerá sobre ellos, a diferentes ritmos, durante las escenas de transición, mucho más calmadas y aportando la información necesaria para comprender todo el contexto socio-político, el imaginario que rodea “Evangelion” y toda la mística y abrumadora filosofía que trae consigo esta épica historia. En esta primera entrega también aparecerán de forma esporádica otros personajes que tomaran peso en las siguientes películas.
La segunda entrega retoma la acción allí donde se quedó la primera película. “Evangelion 2.0 You Can (Not) Advance” sigue insistiendo en las escenas de acción en la lucha de la humanidad contra los ángeles. Se incorporan dos nuevos personajes que resultarán importantes para la trama: la excesiva Asuka Langley y la pícara Mari Makinami. Dos nuevos pilotos de EVA que irrumpirán en la acción como un elefante en una cacharrería. Si en la anterior entrega los personajes eran presentados de forma suave, estas dos entran protagonizando fantásticas escenas de acción haciendo gala de su hinchado ego.
La acción sube de nivel en esta segunda película del proyecto “Rebuild of Evangelion”. Unos ángeles cada vez más fuertes y sofisticados necesitan la acción de 3 EVAs luchando al mismo tiempo. La espectacularidad de las batallas y las tensiones existentes entre los tres pilotos se llevan la mayor parte del metraje de la película. La brutalidad de las imágenes aumenta exponencialmente en este film. Los EVAs dejan de ser robots pilotados para convertirse en seres con voluntad propia capaces de absorber el alma del piloto para protagonizar algunas de las escenas más truculentas de toda la tetralogía. El rechazo de Shinji Ikari a ser piloto contrasta con otras producciones del mismo género en las que el protagonista está orgulloso de ser el luchador que salvará a la humanidad. Cada batalla, cada victoria por la mínima se lleva consigo un trozo de alma del piloto que queda sumido en el abatimiento y la desesperación. Un estado de ánimo que lo lleva a tomar decisiones erróneas.
“Evangelion 2.0 You Can (Not) Advance” es el punto de inflexión que Hideaki Anno utiliza para desarrollar el nuevo guión. Siguiendo la serie original hasta cierto punto en el que marca una desviación que nos llevará hacia las siguientes entregas. El imaginario “Evangelion” crece con la presentación de la organización SEELE y dando a conocer conceptos como la Llave de Nabucodonosor, el Tratado del Vaticano, el temido piloto automático y el despertar del EVA.
La tercera entrega de esta tetralogía es la primera que cuenta con una trama que no tiene nada que ver con la obra original. “Evangelion 3.0 You Can (Not) Redo” nos traslada a 14 años después del catastrófico final de la anterior película. Los trabajadores de NERV se han dado cuenta de las verdaderas intenciones de Gendô Ikari y sus ansias por terminar el Plan de Implementación Humana que implica la destrucción de toda forma de vida tal y como la conocemos sobre la faz de la Tierra. La nueva organización, WILLE, lucha para que la Tierra no vuelva a sufrir un nuevo impacto a la vez que ayuda a reconstruir las vidas a los supervivientes del Casi Tercer Impacto. Shinji Ikari se encuentra en medio de estas dos organizaciones sin tener ni idea de lo que ha pasado en el lapso de tiempo en el que ha estado en hibernación. Tratado como un criminal peligroso por unos y como objeto de deseo por otros, su alma vacía de afecto y su necesidad de reconocimiento paterno le harán tomar, otra vez, erróneas decisiones que acarrearán grandes sufrimientos para la humanidad.
Esta vez la película se centra en la psicología de sus personajes para dejar de lado la acción apabullante que se nos ofreció en los dos primeros metrajes. Film denso y pausado que ahonda en la personalidad de todos los personajes haciendo hincapié en el frágil Shinji Ikari. Este último encuentra cierta paz interior en compañía de Kaworu Nagisa, un misterioso piloto de EVAs quien parece tener un profundo interés en Shinji. El guion juega con los claro-oscuros del alma y se adentra en teorías y suposiciones del comportamiento humano. Hideaki Anno arriesga, de nuevo, en escribir un guion metafísico e introspectivo en el que intenta dar una razón a todo lo que el espectador ha visto en las anteriores entregas. Esto ya lo llevó a desarrollar el decepcionante final de la serie original y lo vuelve a intentar, suavizando un poco la intensidad, en esta tercera película. Así que Anno vuelve a tropezar de nuevo con la misma piedra y nos ofrece un film sin apenas acción que se basa en los diálogos y, sobre todo, en lo que no se dice para que el espectador intente entender el mundo interior del protagonista. Como era de esperar la recepción por parte del público fue glacial. Pero quiero romper una lanza a favor de esta tercera película diciendo que todo y ser muy floja, pero con mucha diferencia respecto a las otras tres, “Evangelion 3.0 You Can (Not) Redo” debería verse como una preparación para lo que tiene que venir. Un enlace que une el principio de la serie original con el apoteósico final que Anno tiene en mente. Una vez completada la tetralogía, esta tercera entrega cobra todo el sentido del mundo pues, las 4 películas no deberían ser visionadas como obras independientes sino como un todo. Un absorbente metraje de más de 7 horas de duración que merece entrar en el Olimpo de la ciencia-ficción por la puerta grande.
Como ya pasó con la serie original, Anno encontró terribles dificultades para tirar adelante esta tercera película, sobre todo en el ámbito de productoras e inversores. Además, la baja aceptación por parte de la crítica y del público hizo que el proyecto entrase en un periodo de stand by mientras se dedicaba a otros menesteres como resucitar al icónico «Godzilla» para la gran pantalla. 9 años ha tardado en sacar la última entrega de “Rebuild of Evangelion” y 14 en terminar todo el proyecto, pero como ya he dicho antes, la espera no ha sido en balde.
“Evangelion 3.0 + 1.0 Thrice Upon a Time” es el magnífico cierre a toda esta épica y grandiosidad. El colofón perfecto. Ni sobra ni falta. Una obra maestra que puede gustar más o menos a los fans de la serie original, pero a la que no se le pueden negar las incontables virtudes que el film posee.
La tierra se ha convertido en un lugar inhabitable debido a la contaminación producida por los hechos narrados en las anteriores películas. WILLE lucha para mantener a ralla esta contaminación en los pocos asentamientos humanos que aún aguantan a la vez que se dedica a recuperar ciudades enteras para volver a hacerlas habitables. Uno de estos asentamientos es Pueblo III, una zona de refugiados a la que irán a parar los tres pilotos. La forma de vida colaborativa y la obligación de aportar al asentamiento actúa como un bálsamo que cura las cicatrices del alma. Incluso Shinji Ikari, quién cae en un profundo estado depresivo al culparse por el terrible destino de la humanidad, levantará cabeza y, por fin, veremos un verdadero progreso en un protagonista que ya empezaba a volverse odioso para el espectador.
El film, de 156 minutos de duración, nos conduce sin prisa, pero sin pausa, hasta el deseado final. Por el camino habrá grandes dosis de acción, importantes revelaciones e impactantes despedidas. Todo esto amenizado por una impresionante animación que vuelve a hacer uso, y abuso, de los gráficos en 3D ofreciendo imágenes impactantes. Este film se convierte en el cierre ideal para una de las franquicias que más seguidores tiene, que más incertidumbre ha creado y que más interpretaciones se le ha dado. La película ofrece un delicioso equilibrio entre acción y psicología, cosa de la que no gozaban las otras entregas que, o bien se decantaban hacia la acción, o bien se inclinaban hacia la exploración interior de los personajes. Tanta intensidad narrativa nos lleva de la mano hacia el gran duelo final, el esperado enfrentamiento de Shinji Ikari con su padre. Este duelo es una amalgama de escenas soberbias que empiezan en una batalla física para terminar en una lucha mental. Las escenas oníricas, creadas completamente con técnicas CGI, acompañan la perorata de justificación del antagonista con la que se intenta explicar el porqué de todo, en un extraño intento de poesía visual. Este soliloquio final también se apoya en diferentes estilos de dibujo y técnicas de animación como el carboncillo o los bocetos. También destacar la increíble banda sonora creada por Shirô Sagisu, igualmente responsable de las partituras de las otras tres películas anteriores, pero que resulta tremendamente efectiva en este bizarro discurso final.
“Evangelion 3.0 + 1.0 Thrice Upon a Time” es una maravilla por sí sola. Es el equilibrio ideal que debería tener toda película. Una historia intensa que resuelve de forma satisfactoria toda la tetralogía de “Rebuild of Evangelion”. La despedida de unos personajes que lo han dado todo y que han sido exprimidos hasta la última gota. El intento de hacer comprensible uno de los finales, el de la serie original, más indescifrables de la historia del audiovisual. Y la oportunidad de comprender el significado real de las palabras “Neon Genesis” que han sido borradas del título para esta revisión de la aventura de Shinji Ikari. Una delicia para todos los sentidos que nos emocionará en cada una de sus escenas. Un relato épico y grandioso con una construcción de mundo sin fisuras que nada tiene que envidiar a las grandes sagas cinematográficas de ciencia-ficción y fantasía. Las más de 7 horas de “Rebuild of Evangelion” es para visionarlas varias veces, con calma, para percibir todos los detalles, absorber todos los conceptos, no perderse ninguna frase por banal que sea, retener cada nueva información. Una genialidad hecha película que no hay que perderse, y menos ahora que Prime ha incluido las tres películas anteriores en su plataforma con motivo del estreno de esta.
Albert Solé Jerezwww.japaniums.blogspot.com

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Rex Smith, el primer Daredevil televisivo
«The Trial of the Incredible Hulk» supuso el primer multiverso de Marvel

Para muchos, el mejor Daredevil que ha existido es el interpretado por Charlie Cox, sin embargo, mucho antes de que Cox o el anterior Daredevil de la gran pantalla, Ben Affleck, asumieran el papel, otro actor interpretó al superhéroe de Marvel. Más conocido por la serie de culto de los años 80 «Street Hawk», Rex Smith fue el primer Daredevil de acción real en la pantalla, dando vida al personaje por primera vez en la película para televisión de 1989 «The Trial of the Incredible Hulk». Se planeó una serie de televisión de «Daredevil» protagonizada por Smith, pero nunca se concretó, en gran parte debido a la llegada de una serie de superhéroes rival.
Rex Smith comenzó la década de 1980 con el potencial de convertirse en la próxima gran estrella, pero al final de la década parecía estar peligrosamente cerca de ser un actor olvidado. Originario de Jacksonville, Florida, Smith se dio a conocer en la industria del entretenimiento como cantante; su mayor éxito fue el sencillo de 1979 «You Take My Breath Away», pero pronto se volcó en la actuación. Smith tuvo un gran impacto en Broadway con una producción de «Grease» y rápidamente se convirtió en un ídolo juvenil en las revistas para adolescentes. Sin embargo, para la mayoría de los niños de los 80, Smith se volvería sinónimo de Jesse Mach, el policía convertido en justiciero que combatía el crimen con una motocicleta de alta tecnología en la serie de televisión «Street Hawk».
A pesar de ser un favorito de la infancia para muchos, «Street Hawk» tuvo una vida sorprendentemente corta y fue cancelada después de solo 13 episodios. La carrera de Smith en la pantalla se resintió; consiguió algunos papeles menores en cine y televisión, pero le costó conseguir papeles protagónicos. Entonces, llegó Marvel. En ese momento, era una editorial de cómics que intentaba convertirse en un imperio del entretenimiento y necesitaba un éxito. Al borde de la bancarrota en los años 80, la solución de Marvel fue adaptar su vasta colección de superhéroes a la pantalla, pero sus primeros intentos cinematográficos – «Howard the Duck» (1986), «The Punisher» (1989) y «Captain America» (1990) – no tuvieron éxito.
Las versiones cinematográficas de «Spider-Man», «X-Men» y «Black Panther» estaban en sus primeras etapas de desarrollo, y a finales de los 80, Marvel decidió centrar su atención en su única propiedad de acción real que había sido exitosa hasta ese momento: «The Incredible Hulk». La serie de televisión había disfrutado de altos índices de audiencia en su emisión original de 1978 a 1982 y seguía siendo popular en repeticiones.
Los actores de «The Incredible Hulk», Bill Bixby (alter ego humano del Hulk, renombrado David Banner en la serie) y Lou Ferrigno (el propio Hulk), estaban interesados en retomar sus roles. Bixby incluso había intentado producir una película para televisión de Hulk/Spider-Man a mediados de los 80, con Nicholas Hammond, quien interpretó a Spider-Man en la efímera serie de los años 70 «The Amazing Spider-Man».
A partir de 1988, The Incredible Hulk regresó a la televisión con una serie de películas para TV, pero Marvel tenía planes más grandes. La primera película, «The Incredible Hulk Returns» (1988), coprotagonizó a Eric Allan Kramer como Thor (junto con Steve Levitt como Donald Blake, el alter ego humano de Thor, omitido en las películas más recientes de Marvel).
La idea era que «The Incredible Hulk Returns» sirviera como un episodio piloto encubierto para una serie de televisión de Thor. Antes de que quedara claro que eso no sucedería, ya estaban en marcha planes similares para otro superhéroe de Marvel: «Daredevil, el Hombre sin Miedo». Al igual que Hulk, Daredevil fue una creación del legendario equipo de escritores y artistas de Marvel, Stan Lee y Jack Kirby (aunque Bill Everett también contribuyó a la creación de Daredevil). Introducido en 1964, fue el primer superhéroe ciego, con sentidos extraordinarios, que luchaba contra el crimen tanto como justiciero como abogado, bajo el nombre de Matt Murdock.
Ya se habían hecho intentos previos para llevar a Daredevil a la televisión. Angela Bowie, entonces esposa de David Bowie, intentó lanzar una serie con el personaje a mediados de los 70, con Ben Carruthers como Daredevil y ella misma como Black Widow, aunque aparentemente nunca pasó de una sesión de fotos. Más tarde, se escribió una película para televisión de Daredevil en 1983, pero nunca se produjo.
Cuando Rex Smith fue elegido como Daredevil, fue – según el propio Smith – el segundo papel de superhéroe para el que había sido considerado recientemente. El actor afirma que había audicionado para el papel principal en «Batman» (1989) y que quedó en segundo lugar: «Warner Bros me quería, Tim Burton quería a Michael Keaton, y él ganó esa discusión.»
Además de presentar a Smith como Matt Murdock/Daredevil, «The Trial of the Incredible Hulk» también marcó la primera aparición en acción real de uno de los villanos más icónicos de Marvel: Wilson Fisk, alias Kingpin. El papel fue para John Rhys-Davies, mejor conocido como Sallah en las películas de Indiana Jones y más tarde como Gimli en «El Señor de los Anillos».
Muchos fanáticos de los cómics quedaron decepcionados por las libertades tomadas con la apariencia icónica de los personajes (Daredevil no llevaba su traje rojo con cuernos, y Kingpin no tenía la cabeza rapada), pero la posibilidad de verlos en una serie continua seguía siendo emocionante, especialmente para Smith y Rhys-Davies.
Smith recuerda «The Trial of the Incredible Hulk» como «algo más que una aparición especial… era un trampolín para una serie de Daredevil. Estábamos tan emocionados, John y yo. Él también había firmado para la serie, sería mi Moriarty para Sherlock Holmes. Habría otros villanos, pero el verdadero villano que siempre estaba detrás de todo iba a ser John.»
Además de presentar las primeras versiones en acción real de Daredevil y Kingpin, «The Trial of the Incredible Hulk» también fue la primera película de Marvel en incluir un cameo de Stan Lee, apareciendo brevemente como un jurado en la secuencia del juicio (que, para decepción de muchos espectadores, resulta ser solo un sueño).
Cuando se emitió en NBC, «The Trial of the Incredible Hulk» no causó gran impacto. Las críticas fueron tibias, pero los índices de audiencia fueron altos. Esto llevó a la realización de una tercera y última película de Hulk en 1990: «The Death of the Incredible Hulk».
Lamentablemente, al igual que «The Incredible Hulk Returns» no logró lanzar una serie de Thor, «The Trial of the Incredible Hulk» tampoco logró lanzar «Daredevil». Smith sostiene que la cancelación no fue por falta de interés del público, sino por razones comerciales: CBS ya estaba trabajando en su propia serie de superhéroes, «The Flash».
En un giro irónico, «The Flash» (1990), protagonizada por John Wesley Shipp, fue un fracaso de audiencia y fue cancelada después de una sola temporada. No fue hasta 2014 que «The Flash» tuvo éxito en la televisión con Grant Gustin en el papel principal.
Finalmente, en 2015, Daredevil se convirtió en la figura central de la breve, pero aclamada era de series de Marvel en Netflix, con Charlie Cox interpretando a Matt Murdock y Vincent D’Onofrio como Kingpin.
Después del fracaso del proyecto «Daredevil», Rex Smith pasó dos años en la telenovela «As the World Turns» antes de desaparecer en gran parte del foco público. Aun así, ha seguido trabajando en el teatro musical y ha grabado más álbumes. Aunque su paso por el mundo de los superhéroes fue breve, Smith dice estar «bastante orgulloso de ser parte del universo Marvel», aunque le queda la nostalgia de lo que pudo haber sido.
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«Halston», la serie de Netfix con Ewan McGregor en su estado puro
Ryan Murphy es una auténtica mina para Netflix

«Halston» es una brillante serie de 5 episodios de Netflix que nos narra la vida del diseñador Halston, y está protagonizada por Ewan McGregor. Creada por Sharr Whitte, producida por Ryan Murphy, y basada en la novela «Simply Halston» de Steven Gaines, fue estrenada el 14 de mayo de 2021. Lujo, sexo, estatus y fama, definen literalmente la época en la que el modisto conquistó la Nueva York de los años 70 y 80, hasta que una OPA hostil, sus adicciones y una enfermedad terminal le destruyeron su vida.
Junto a la magnífica interpretación de Ewan McGregor encontramos a Krysta Rodríguez (Liza Minnelli), Rebecca Dayan (Elsa Peretti), Bill Pullman (David Mahoney), Gian Franco Rodríguez (Víctor Hugo), David Pittu (Joe Eula), Sullivan Jones (Ed Austin), Rory Culkin (Joel Schumacher), Kelly Bishop (Eleanor Lambert) y Vera Farmiga (Adele).
Roy Halston Frowick, irrumpió en la escena de la moda en 1961, cuando Jackie Kennedy usó uno de sus sombreros para la toma de posesión de su marido, el presidente John F. Kennedy. Su fama fue tal que pasó de diseñar sombreros a diseñar prendas de ropa y, de ahí, a redefinir el mundo de la moda. Diseños muy limpios, muchas veces salpicados de cachemira, fueron sus grandes apuestas. Pasó mucho tiempo en Studio 54 y fue amigo de leyendas como Liza Minnelli, Bianca Jagger y Andy Warhol. Pero en 1983 decidió hacer una línea de ropa ‘low cost’, Halston III, que fue muy mal recibida.
Ningún gran diseñador se había atrevido a hacer esto, pensando que esta medida afectaría a la marca. Y así fue en el caso de Halston. El diseñador, tras el golpe, comenzó a perder el control de su empresa. En 1990, murió de sarcoma de Kaposi, un tipo de cáncer que a menudo se diagnostica en pacientes con SIDA.
VALORACIÓN MICROOCI 7/10
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16 referencias del universo «Super Mario» en dibujos animados y anime
El bueno de Super Mario y su universo ¡son omnipresentes!

El universo de Super Mario es la franquicia más lucrativa de Nintendo, y es sin duda la franquicia de juegos de mayor éxito en ventas a nivel mundial y en la historia. El mismo Mario es la mascota de Nintendo, y es considerado el personaje de videojuegos más conocido en el mundo, y él y sus muchos amigos y némesis han aparecido en docenas y docenas de videojuegos de Nintendo, muchos de ellos siendo best sellers, y varios son considerados algunos de los mejores juegos jamás publicados. A continuación repasamos hasta 16 caricaturas y anime que hicieron referencia a él.
The Simpsons
En el capítulo en donde Bart sueña con tener un hermano, aparecen Mario y Luigi recorriendo una pequeña parte del mundo. Esta no es la única vinculación entre ambos universos, ya que se extiende a muchos más capítulos e ideas.
Family Guy
En un chiste aparece Mario como el novio italiano de Meg.
Gumball
Esto pasa en un capítulo completo, ya que ocho dice tener de tío a un plomero italiano y Gumball piensa que es Mario y en efecto lo era, pero no el Mario que él pensaba, sino que un señor de mediana edad.
El Chavo Animado
Los niños juegan una versión de Mario Bros clásico para hasta 4 jugadores (predijeron el principal gimmick de New Super Mario Bros WII XD).
South Park
En el especial Cartoon Wars pudimos ver a Wario (o bueno, Vario) como parte del bando de los malos, además que en la imagen se puede ver a Ganondorf.
Gintama
En el arco de la Bentendo Owee aparece Katsura vestido como «un plomero ordinario».
Futurama
Mario aparece como embajador de Italia de la ONU.
Naruto SD
En este Spin-off con enfoque a la comedia podemos ver a los ninjas jugando una parodia de Mario Kart diciendo que los jóvenes únicamente se unen para jugarlo.
Chowder
En el episodio de mocoball podemos ver que a medio partido recrean la primera batalla de Mario y Bowser del primer Mario Bros.
Steven Universe
Entre las posesiones que tiene Steven en su cuarto está una almohada con forma de champiñón rojo.
Mickey Mouse (2013)
En un especial de Halloween, podemos ver a Mickey disfrazado de lagarto usando su lengua a como lo hace Yoshi.
Gurren Lagann
Aparece un pequeño cameo de los Bullet Bill a modo de soporte de unos enemigos.
Bob Esponja
En el capítulo en donde van a la Atlántida, Calamardo se mete a los cuadros, muy al estilo a como lo hace Mario en Super Mario 64.
Loud House
En uno de los capítulos justo en donde presentan el título, recrean un recorrido al estilo de los primeros Mario Bros.
Un show más
En el episodio en donde Mordecai, Rigby y Benson van a Japón para participar en un show de concursos, ellos juegan algo parecido a uno de los minijuegos del primer Mario Party además de ver la caja de premio muy similar a las que salen en los juegos.
Alejo y Valentina Mario Bros
Alejo y Valentina es una serie de animación web y de televisión para adultos argentina. Emitida originalmente a través de internet y luego también por la cadena MTV, es desarrollada en Macromedia Flash por Alejandro Szykula, más conocido como «El LoCo», quien interpreta las voces de la gran mayoría de sus personajes. En ella el universo de Mario Bros también estuvo presente.
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La «olvidada» serie de televisión de «Plastic Man»
Plastic Man incluso tuvo su primera aparición de carne y hueso

«Plastic Man Comedy/Adventure Show» es una serie de televisión animada producida por Ruby-Spears Productions y emitida entre 1979 y 1981, con el beneplacito de DC Comics. Se transmitía en la cadena ABC, justo después de la mítica «Super Friends», y también nos regaló al primer Plastic Man de carne y hueso.
El programa presentaba diversas aventuras del superhéroe de DC Comics, Plastic Man. Como serie de antología, incluía varios segmentos, entre ellos Plastic Man, Baby Plas, Plastic Family, Mighty Man and Yukk, Fangface and Fangpuss y Rickety Rocket.
En enero de 1980, la duración del programa se redujo a 90 minutos, eliminando el segmento Rickety Rocket debido a los bajos índices de audiencia. Para la temporada 1980-81, el formato fue reducido a solo media hora y se reestructuró bajo el título «The Plasticman/Baby Plas Super Comedy», junto a otras dos producciones de Ruby-Spears: «Thundarr the Barbarian» y «Heathcliff and Dingbat».
En 1984, «The Plastic Man Comedy Show» fue reempaquetado por Arlington Television en 130 episodios de media hora y lanzado a la sindicación nacional para su emisión diaria. El programa fue producido y dirigido por Steve Whiting e incluyó segmentos en acción real con un «Plastic Man» interpretado por Taylor Marks.
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El actor de «The Office» que sufre su propio multiverso
No se ha podido determinar quién tomó la foto original que está apareciendo en multitud de productos

Cualquier sueco que haya comprado una botella de la colonia Encounter de Calvin Klein probablemente haya sido recibido por la mirada penetrante de un actor estadounidense. Lo mismo ocurrió con quienes compraron ciertas marcas de pintura facial en Uruguay, afeitadoras eléctricas en China o ponchos hasta la rodilla en Europa.
Algo en el rostro familiar de este hombre cautivó a los fabricantes de productos de todo el mundo, quienes eligieron su imagen de archivo entre millones para colocarla en sus empaques. Pero el hombre de la foto, B.J. Novak, un actor de 42 años conocido principalmente por su papel en «The Office», nunca eligió ser la cara de un perfume, de pintura facial ni de ponchos.
Alguien más eligió su imagen y luego la subió «hace años» a un sitio web donde, según Novak, probablemente pasó a formar parte del dominio público y lo convirtió en un multiverso de productos.
Aunque ha trabajado en otros proyectos de cine y televisión, como «The Premise», la serie de antología de FX en Hulu, es más conocido por su personaje Ryan Howard, quien pasó de ser un becario maltratado a un ejecutivo corporativo en la ficticia empresa papelera Dunder Mifflin. Fuera de cámara, Novak fue guionista, director y productor ejecutivo de la exitosa comedia de NBC que duró nueve temporadas, basada en la serie británica del mismo nombre.
Novak parece tomarse con humor su fama como modelo de fotos de archivo. En Instagram, donde publicó imágenes de sí mismo en diversos empaques de productos, guardó las fotos en una colección que tituló «modelaje». No se pudo contactar con él para más comentarios a través de sus representantes.
Novak está en buena compañía, ya que otras fotos de archivo, como «Hide The Pain Harold» y «distracted boyfriend», han sido utilizadas y reutilizadas en todo el mundo.

«The Penguin» de HBO ha sido un éxito rotundo de audiencia como spin-off de «The Batman», y en gran parte gracias a la interpretación de El Pingüíno de Colin Farrell. Lo que pocos saben es que el equipo de Lauren LeFranc calcó literalmente, a excepción de la boca, el look de Jeffrey Tambor (interpretado por Charlie Marno) en «Tales From The Crypt» para crear el look del mafioso de Gotham.
De momento se desconocen las implicaciones legales de este descarado plagio que ha sido denunciado por varios usuarios en redes sociales.
Series
«Ripley», la serie imprescindible para amantes de la perfección
Basada en la novela policial de 1955 de Patricia Highsmith «El talento de Mr. Ripley»

«Ripley» es una impecable serie de televisión estadounidense de suspenso psicológico de 2024, basada en la novela policial de 1955 de Patricia Highsmith «El talento de Mr. Ripley». Protagonizada por Andrew Scott como Tom Ripley, Johnny Flynn como Dickie Greenleaf y Dakota Fanning como Marge Sherwood, la serie de duración limitada de ocho episodios fue creada, escrita y dirigida por Steven Zaillian.
Es la primera adaptación en serie de la novela de Highsmith, después de las versiones cinematográficas «A pleno sol», de 1960, y «The Talented Mr. Ripley», estrenada en 1999. Aunque estaba originalmente programada para emitirse en el canal de televisión Showtime, pero en febrero de 2023 la serie se trasladó a Netflix. Finalmente, se estrenó el 4 de abril de 2024, y se trata de una de las series más bellas y perfectas que se pueden encontrar actualmente en la plataforma de streaming Netflix.
Su trama nos traslada a los años 60, donde un millonario contrata al estafador Tom Ripley para que viaje a Italia e inste a su hedonista hijo a regresar a casa. La aceptación del trabajo por parte de Tom hace que este se vea rodeado de riqueza, lujos y privilegios, haciéndose pasar por quien no es. Pero para conservar la vida que tanto desea, Tom tendrá que tejer una red de mentiras.

«Getting LOST» es un documental que celebra el fenómeno televisivo mundial LOST. Incluye entrevistas con el reparto y el equipo, así como con los fieles seguidores que siguen celebrando la serie veinte años después de su emisión original. Su estreno está previsto para este otoño, coincidiendo con el 20º aniversario del estreno de la serie en ABC.
Algunas de las caras conocidas que aparecerán serán Patrick Fischler («Phil»), Andrea Gabriel («Nadia»), Daniel Dae Kim («Jin»), Jorge García («Hurley»), Eric Lange («Radzinsky»), Michael Giacchino (compositor), Fredric Lehne («Marshal»), François Chau («Dr. Chang»), Jeff Fahey («Lapidus»), Bai Ling («Achara»), Maggie Grace («Shannon»), Larry Fong (director de fotografía), Bobby Moynihan (Super Fan), Henry Ian Cusick («Desmond»), Sonya Walger («Penny»), Sean Whalen («Frogurt»), Sterling Beaumon («Young Ben»), Michael Emerson («Ben»), Daniel Roebuck («Dr. Arzt»), Malcolm David Kelley («Walt»), M.C. Gainey («Tom»), Josh Holloway («Sawyer»), Javier Grillo-Marxuach (Guionista, Productor, DJ Dan), Terry O’Quinn («Locke») y Damon Lindeloff (Co-Creador, Showrunner). Además «Getting LOST» contará con la música del compositor original de la serie, Michael Giacchino.
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La nueva serie de «Ranma 1/2», sigue fiel al manga
Después de más de tres décadas Ranma 1/2 vuelve para ser fiel al manga

«Ranma 1/2» volvió en formato anime, en un remake que prometió adaptar fielmente al completo el manga, ya que el anime original, aparte de mostrar varios capítulos desordenados, su final quedó completamente abierto y no adaptó el desenlace de la obra.
Después de más de tres décadas desde el estreno de la obra de Rumiko Takahashi en Japón, volvió el 17 de julio de 2024, y ha sido una grata sorpresa para los fanáticos, con una fidelidad notable al manga original de Rumiko Takahashi. Sin embargo, hay un gran «pero» para algunos fans: el episodio «¿Soy… bonita? La declaración de feminidad de Ranma», un capítulo original que nunca se adaptará. Este episodio es uno de los momentos más memorables del anime original, pero en el remake, parece ser una omisión irremediable. ¿Por qué? Porque la serie nueva se apega al manga y este episodio fue una creación exclusiva del anime.
Series
«Golden Axe», llega la serie del famoso videojuego
Sega sigue trasladando sus franquicias más allá de las consolas

La serie de «Golden Axe» será una realidad gracias a Comedy Central, que adaptará en formato comedia el emblemático videojuego de lucha y aventuras de Sega de 1989. El anuncio ha generado una gran expectación entre los espectadores ansiosos por presenciar el talento cómico del reparto y equipo de la serie.
Liderada por el actor ganador del Emmy Matthew Rhys, conocido por sus destacadas actuaciones en “The Americans” y “Perry Mason”, junto al querido actor Danny Pudi, reconocido por su papel en la exitosa serie “Community”, «Golden Axe» promete ofrecer una experiencia fresca y entretenida para públicos de todas las edades.
Al igual que el videojuego, esta serie se situará en el mundo de fantasía medieval de Yuria, lleno de magia, criaturas míticas y epopeyas heroicas, con la serie animada siguiendo las hazañas de Ax Battler, Tyris Flare y Gilius Thunderhead, un grupo de héroes improbables mientras se embarcan en una aventura luchando contra el gigante malvado Death Adder y sus secuaces. Con Rhys y Pudi al mando, los espectadores pueden esperar una deliciosa mezcla de ingenio, encanto y sincronización cómica mientras los personajes navegan los peligros de su búsqueda con hilaridad y corazón.
Hablando sobre su participación en el proyecto, Matthew Rhys expresó su emoción, declarando: “Estoy emocionado de ser parte de una serie tan divertida e imaginativa. «Golden Axe» es un proyecto verdaderamente único y emocionante, y estoy deseando que el público se una a nosotros en este viaje épico».
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