En su particular cruzada por traernos a los grandes autores del manga, Satori Ediciones publicó a finales de abril el primer volumen (de dos) que rinde homenaje a Ryoichi Ikegami, ilustrador, entre muchas otras obras, de la exitosa  “Crying Freeman”. Ikegami ha dedicado la mayor parte de su carrera a ilustrar y materializar los guiones y personajes ideados por otros autores y, muy a su pesar, le cuesta identificar estas creaciones como propias. El público en general pide personajes alegres, empáticos y llenos de energía que viven aventuras constantes con peleas, persecuciones, sexo y otras emociones, y esto es lo que les ofrece dando forma gráfica a guiones ajenos. Este sería el Ikegami más comercial, rendido al negocio editorial que le ha proporcionado la suficiente fama y recursos económicos para poder dar rienda suelta a sus propias creaciones, frutos de su verdadera esencia y que ahora podemos disfrutar en este primer volumen de 440 páginas aproximadamente y que lleva por título “Yuko”.

“Yuko” es un compendio de 12 historias protagonizadas por mujeres fatales el influjo de las cuales desata las más bajas pasiones de los hombres que caen en sus redes. Historias inmorales de obsesiones compulsivas y comportamientos malsanos relatadas con elegancia pero sin ahorrar en detalles eróticos ni escabrosos. La elegante plasticidad del dibujo y la excelencia en el trazo de Ikegami nos ofrecen un estilo hiperrealista que casa a la perfección con el tipo de relato sórdido que llena las páginas del libro. Relatos para adultos donde se reflejan las partes más oscuras del alma humana y sus instintos más primitivos.

Ikegami empezó a cosechar fama a partir de su debut en la mítica revista Garo, cuna del gekiga más artístico y experimental. Su estilo limpio, de trazo firme y claridad visual destaca muy por encima del de sus propios compañeros de publicación. Prima en su trabajo la capacidad de llenar las escenas con miles de detalles con una precisión fotográfica asombrosa. Especializado en la figura femenina, Ikegami dibuja bellísimas mujeres de cuerpos perfectos con caras de muñeca de porcelana. El nivel de expresividad de sus personajes queda centrado en la maestría del dibujo de los ojos. Éstos centran la mirada del lector y consigue que sean el reflejo del alma del personaje.

Las historias albergadas en este volumen son de lo más dispares, aunque siempre tengan a la mujer como eje central de la narración. Para empezar, encontramos grandes diferencias en su longitud, desde capítulos de una cincuentena de páginas a otros que son de apenas ocho hojas, debido a la forma de publicación y a los requisitos del editor del momento. Por otro lado, las temáticas nos llevan desde el Japón feudal hasta la época actual, pasando por cuentos fantásticos o la adaptación de relatos de grandes autores literarios como Kikuchi, Kyôka o  Akutagawa. Esta mezcla tan heterogénea de temáticas narrativas nos muestra la gran versatilidad de este autor a la hora de contextualizar a sus atormentados personajes.

Títulos como “En tiempos de Yuko” donde un jugador con grandes deudas pierde a su bella pareja al prestarla como modelo a cambio de dinero a un sádico pintor; “El lado oscuro de Shanghái” protagonizado por una pareja que perdió a su hijo y que buscan consuelo por los bajos fondos de la ciudad en la que cualquier tipo de placer puede ser comprado; “El zarcillo” muestra la obsesión de un ginecólogo por una paciente que lleva un anillo con forma de flor dentro de su sexo o “El roce del súcubo”, en la que un profesor de instituto se obsesiona con un de sus alumnas son un claro ejemplo de la belleza malsana que esconde la obsesión y el deseo carnal. Un festival de situaciones oníricas y extremas que llevan al erotismo a un nivel superior, arte sin paliativos. Un imaginario sensual y sexual por el que los tristes personajes de Ikegami se mueven guiados por un destino cruel que los abocará a la locura.

“Yuko” compila los relatos de Ryoichi Ikegami del período que va desde 1999 a 1991 y están traducidos directamente del japonés por Marta Moya. El grueso volumen está impreso en papel de primerísima calidad encuadernado en rústica. La sobrecubierta, sobria, que muestra el arte del autor con un primerísimo plano de una de sus protagonistas, está tintada con un elegante color malva sobre el que destacan en blanco el título y el nombre del autor. La primera página, la única en color, es una fantástica ilustración de la protagonista de “El biombo del infierno”. El volumen se remata con una entrevista al autor y que ha servido de base para este artículo. Por cierto, Satori Ediciones pronto publicará la segunda parte de esta oscura colección de relatos de Ikegami bajo el nombre de “Oen” que abarcará el período creativo que va de 1966 a 1972.

Albert Solé Jerez
www.japaniums.blogspot.com

El fotógrafo y diseñador digital francés, Benoit Lapray ha creado un proyecto en que reemplaza en sus fotografías los más famosos monumentos parisinos por estatuas de nuestros personajes favoritos: Gandalf, Batman, Goku, Darth Vader… Y el resultado es el siguiente. Quién sabe si algún día no abundarán este tipo de estatuas en nuestras ciudades…

¿Cuáles son las mejores revistas de fútbol del momento? A continuación te nombramos las mejores cabeceras dedicadas al mundo del fútbol, si lo que realmente buscas es alejarte de los grandes periódicos y sus editoriales sensacionalistas estas son las mejores opciones para degustar en tu tiempo libre.

Kodro Magazine

La revista mensual Kodro Magazine, dedicada a la historia del fútbol internacional, es la culminación de un proyecto nacido en Internet el mayo de 2018, y que actualmente se sitúa como líder indiscutible de audiencia en España y Latinoamérica. Un auténtico fenómeno con más de 130.000 seguidores en redes sociales, más de 500.000 lectores web y mareantes cuotas de engagement que llegan a más de 10 millones de personas de alcance. Sus contenidos se basan principalmente en artículos dedicados a la historia del fútbol internacional, además de videojuegos, libros y demás objetos de coleccionismo o consumo para los amantes de la historia del deporte rey.  Su revista se puede conseguir desde cualquier parte del mundo al precio de 2,5€ / 3,05$ en los kioscos digitales Magzter, World Plus, PressReader o desde su propia tienda online: tienda.kodromagazine.com Una de las grandes sorpresas de este 2021 de exquisita factura.

Revista Jugón!

Para los pequeños amantes del fútbol, con la revista Jugón! estarás siempre al día de las últimas noticias, fichajes y competiciones. Revista mensual en español con todas las novedades y movimientos de tu equipo y tus jugadores favoritos de la Liga Española de Fútbol y de las principales competiciones del mundo. Además todos los meses incluye regalos: pósteres, cromos exclusivos, adrenalyn, láminas… Publicada bajo el sello Panini Comics, se puede conseguir en formato digital y físico por tan solo 4€.

Revista Panenka

Una de las revistas de fútbol más populares de España, que con el paso de los años ha ido perdiendo fuerza en contenido y diseño, pero que sigue demostrando que aún a día de hoy sigue habiendo sitio para ella en el mercado superando los 100 números. Sus contenidos están dedicados mayoritariamente al fútbol español, con algunos toques de fútbol internacional, y con una visión muy personal de cada uno de sus autores. Se puede conseguir en formato digital desde su propia tienda online o en los kioscos de España al precio de 5,50€.

Revista Líbero

La Revista Líbero es una revista trimestral muy diferente al resto, que basa su atractivo en la calidad fotográfica y el diseño. Sus contenidos, aunque están principalmente basados en la actualidad del fútbol español, también dan gran cobertura a temas internacionales con mucho mimo. Se puede conseguir al precio de 5€ en formato digital o en kioscos españoles.

Fútbol Total

Todo lo que quieras saber de fútbol en México y de las principales ligas del mundo: noticias, resultados, diversión, entrevistas y ¡más!  Se puede conseguir gratis en formato digital.

A finales de 2020 Satori Ediciones publica “Box. Hay algo dentro de la caja” (Hako no naka ni nani ka iru) del hasta ahora inédito por estos lares Daijirô Morohoshi, con traducción del gurú Marc Bernabé. El manga apareció originalmente en la revista Monthly Morning Two de Kodansha entre 2015 y 2016, y ahora nos llega editado en tres volúmenes de unas 180 páginas encuadernados en rústica con sobrecubiertas a todo color en las que predomina un elegante tono plateado.

Kôji recibe en su domicilio una caja de Hakone. Una de esas cajas hechas por artesanos que para abrirlas hay que realizar una combinación exacta de movimientos. En el mismo momento que consigue abrirla una serie de hechos extraños se suceden. Guiado por una premonición, Kôji llega a un parque donde encuentra a otras personas que también han recibido algún tipo de rompecabezas. Solo una chica, Kyôko, dice encontrarse allí como observadora. Delante de ellos se erige un raro edificio de forma cúbica sin una entrada aparente. La curiosidad hace que consigan encontrar una apertura e introducirse. Una vez dentro, la entrada se cierra y no hay forma de salir. Ante ellos aparece una niña pequeña que hace las funciones de anfitriona y les anuncia que para poder salir del cubo tendrán que resolver todos los acertijos que se les plantee.

Morohoshi es un autor polifacético especializado en ciencia-ficción, misterio y terror. Sus influencias más importantes son la oscura obra de Kazuo Umezu (Umezz en occidente) y la variedad de  criaturas fantásticas que llenan el folklore japonés y que (re)popularizó Shigeru Mizuki a lo largo de toda su vida productiva. Bajo la protección del maestro Osamu Tezuka, padre del manga moderno, fue reclutado para llenar con sus historias las páginas de la revista COM, competencia directa de la mítica Garo. Morohoshi fue desarrollando su propio estilo creando escenas efectivas llenas de sombras y con un acercamiento muy próximo al feísmo que nos rodea. La falta de excelencia en el trazo queda sobradamente compensada por la habilidad narrativa y la capacidad de crear misterio y suspense que atrapan al lector desde la primera página.

En “Box. Hay algo dentro de la caja”, el autor se deja influenciar por obras tan conocidas como “Los Mitos de Cthulhu” o el film de Vicenzo Natali “The Cube”. Queda claro desde el principio de la obra que la caja está regida por una entidad que inflige su propia voluntad a sus visitantes. Esta situación tan lovecraftiana desemboca en una serie de normas inquebrantables para los inquilinos que se encuentran dentro del cubo, y son:

1- Al resolver los puzles recibidos, se van abriendo compuertas que conducen a la salida.

2- No obstante, cuando uno resuelve un rompecabezas, sufre una pérdida: puede ser una parte del cuerpo, alguien de la familia o algo relacionado.

3- Si uno finge no haber resuelto su puzle, la caja monta en cólera.

4- Hay que ceder algo que uno considere innecesario al “ente” que mora en la parte más profunda.

Morohoshi nos irá conduciendo por salas llenas de trampas que los personajes deberán saber evitar, desactivar y superar. Los actores tendrán que aprender a colaborar entre ellos y dejar sus diferencias, miedos y ambiciones de lado si quieren salir con vida del extraño edificio. Kôji, el protagonista principal, actuará como líder de la expedición gracias a su iniciativa y valentía a la hora de enfrentarse a las diferentes situaciones. Megumi es un chico que quiere dejar de serlo debido a su condición transgénero. Yamauchi vive atormentado por su homosexualidad. Kôda es el egoísta del equipo, un arquitecto perseguido por la justicia debido a sus triquiñuelas con la legalidad vigente. Jingû es una chica con sensibilidad extrasensorial. Los Tani son un matrimonio de la tercera edad víctima del olvido generacional y de la rabiosa especulación inmobiliaria. Finalmente, Kyôko, un personaje rescatado de otras obras anteriores del autor, aparece en escena movida por intereses propios. Como podemos ver, cada uno de los personajes tiene sus propias motivaciones y un carácter bien diferenciado del resto y el autor se servirá de todos estos elementos para crear situaciones límite y tensiones entre ellos de la más variada índole.

Otro elemento que se introduce en la narrativa es la figura del anfitrión, representado en una niña de aspecto diabólico. Este personaje, que irá apareciendo en los momentos en los cuales los personajes se vean atrapados en alguna sala sin salida para darles alguna pista, o incluso para dificultar su avance si estos van demasiado rápido, parece que está fuertemente inspirado en la Reina Roja, la niña holográfica, de “Resident Evil”. La saga de videojuegos llevada a la gran pantalla también influye en las horribles criaturas que perseguirán a los protagonistas que quieren escapar de la caja. Monstruos deformes con ansia asesina fáciles de evitar debido a sus movimientos lentos, pero sumamente peligrosos cuando se acumulan en los estrechos pasillos que forman la estructura de la caja.

Acabando con los elementos inspiradores a los cuales el autor ha echado mano para la realización de esta historia encontramos una profunda presencia de las “mayoiga”, una casa encantada típica de las creencias populares japonesas que queda recogida en las “Leyendas de Tôno” de Kunio Yanagita y que la Editorial Quaterni editó ya hará unos años. Las ilusiones ópticas y perspectivas imposibles de los grabados de M. C. Escher también tienen su espacio en la obra que tenemos entre manos.

“Box. Hay algo en la caja” es una amalgama de todas las influencias que acabo de mencionar, zurcidas y entremezcladas para formar un relato de misterio y supervivencia que va un paso más allá de los típicos “survival horror”. La motivación de los personajes no es tan solo sobrevivir a la trampa en la que se han metido, sino salir de ella convertidos en personas nuevas. Los años de experiencia que Morohoshi tiene sobre sus espaldas cuando dibuja esta historia se notan en su ritmo fluido y en los momentos de tensión que se producen especialmente en el final de los capítulos. Es muy probable que esta experiencia también juegue en su contra en cuanto a frescura y espontaneidad a la hora de realizar el guion. El autor conoce bien sus limitaciones gráficas, pero sabe compensarlas con otros elementos como la construcción de situaciones límite.

“Box. Hay algo en la caja” es una obra diferente, mucho más psicológica que otras historias del mismo estilo. El ritmo narrativo es frenético, la acción constante y los enigmas bastante bien encontrados. Incluso el autor interactúa con el lector proponiéndole varios rompecabezas, convirtiéndolo en un personaje más de su creación. El interés inicial no decae en ningún momento, los personajes van sacándose la máscara a medida que se van internando dentro del cubo y, cuando se acerca el final, la tensión se acentúa y el grado de peligro aumenta. Una obra sólida cargada de metafísica, surrealismo, engaños, criaturas de otros planos dimensionales y mucho, mucho misterio. Una lectura fácil y amena que se convierte en un puro ejercicio de entretenimiento enorme.

Albert Solé Jerez
www.japaniums.blogspot.com

El local abre desde las doce de la noche hasta las siete de la mañana. Lo conocen como “La cantina de medianoche”. ¿Qué si tengo clientes? Pues sí, entra bastante gente. La carta de la taberna es escueta, un plato combinado y una pequeña lista de bebidas alcohólicas. Pero la gente pide lo que quiera, y si se puede hacer, lo preparo con mucho gusto. Esa es la política de la casa.

En 2019 Astiberri Ediciones lanzó el primer volumen de “La cantina de medianoche” (Shinya Shokudo), un manga de Yaro Abe que se ha convertido un todo un éxito de ventas en Japón y del cual ya se han realizado dos versiones cinematográficas bajo el título internacional de “Midnight diner: Tokyo stories” distribuidas por la plataforma Netflix. La edición de Astiberri está compuesta por volúmenes dobles, de unas 300 páginas, encuadernados en rústica con solapas en un tamaño de 21 x 15. El esmero y cuidado que se ha puesto en la publicación rozan la excelencia, igual que la magnífica traducción de Alberto Sakai. A fecha de hoy, ya se han publicado 3 volúmenes de “La cantina de medianoche”.

Shinjuku es el barrio más cosmopolita de Tokyo. Las calles abarrotadas de neones se codean con los grandes rascacielos. Tiendas de tecnología, karaokes, restaurantes, bares y locales de copas atiborran los bajos (y altos) de los edificios. Es en una callejuela de este animado ambiente que se encuentra la “izakaya” (taberna tradicional japonesa) que regenta nuestro protagonista. Él nos narrará las historias de sus parroquianos, habituales o espontáneos, que siempre van ligadas a algún plato de la gastronomía popular japonesa. La nula información que el autor nos ofrece sobre el propietario de “La cantina de medianoche” hace que el personaje sea todavía más atractivo: pelo blanco corto, bigote fino, una cicatriz que le cruza la cara y el eterno pitillo entre los dedos. Este personaje se mueve como pez en el agua entre su dispar clientela: yakuzas, marineros, strippers, maestros en el arte de “rakugo” (monólogos humorísticos), mujeres de compañía, boxeadores, delincuentes de todo tipo, videntes, actores de telenovelas, transexuales, dueños de bares de ambiente, cowboys de medianoche, músicos ambulantes y un más que largo etcétera de personajes surgidos de los ambientes nocturnos más decadentes.

El misterio que rodea al dueño de la “izakaya”, del que no sabemos ni siquiera el nombre, tan solo que “da miedo, pero es buena persona”, contrasta con todas las historias que nos cuenta de cada uno de los clientes que entran en el local. Por lo general, y pese a su dudosa moralidad, son personas que sufren la soledad de la gran ciudad. Almas errantes en un mundo masificado donde no acaban de encontrar su lugar y que acuden a la cantina para desahogar sus penas, encontrar a alguien que escuche las anécdotas de ese día o, simplemente, encontrar compañía conocida y comer algo junto con la única familia que conocen. “La cantina de medianoche” se ha convertido, a la vez, en confesionario y en purgatorio, en mentidero y en despacho de consejos, pero por encima de todo esto, en un pequeño rincón donde los atormentados feligreses de la bohemia tokiota se reencuentran con lo que les hace humanos: los sentimientos.

Como he mencionado, cada historia arranca con un cliente pidiendo un plato de comida cuya presentación, ingredientes o aromas desatan los recuerdos y vivencias de los diferentes protagonistas. Aprenderemos porque Tat-chan, un duro “yakuza”, se pirra por las salchichas fritas con forma de pulpo; porque el “kazunoko” (huevas de arenque) representan la buena cosecha y la fertilidad en la tradicional comida de año nuevo;  que son los helados Garigari-kun, las propiedades anti-calvicie del alga nori, cuál es la mejor manera de comerse una paparda, porque unos simples aros de cebolla fritos pueden ser un gran manjar, que las recetas occidentales como los espaguetis o la ternera Strogonoff también triunfan entre los japoneses o, incluso, las múltiples formas de preparar el cerdo con jengibre.

“La cantina de medianoche” está formada por pequeños capítulos independientes de entre 8 y 12 páginas cada uno que se pueden leer de forma autónoma y sin necesidad de seguir un orden concreto. Historias como la ya mencionada de Tat-chan se cruzan con la del maestro de shôgi (ajedrez japonés) que alecciona a su alumno; la de Tanaka, actor porno que debuta gracias a la protección de Erecto-Oki, una leyenda del género; los esfuerzos de Mayumi por perder peso; el resentimiento hacia los hombres de las solteronas conocidas con el apodo de las “Ochazuke (arroz con té) Sisters” o la nostalgia de un médico hacia sus años de bailarín con los “Takenoko-zoku” en una época en que los domingos se cortaba al tráfico la principal avenida de Harajuku y se llenaba de grupos de baile que competían entre ellos.

“La cantina de medianoche” es una obra que desborda humanismo y analiza al dedillo los sentimientos, ansias y anhelos humanos. El dibujo sencillo, pero tremendamente afectivo ayuda a retratar las situaciones con una delicadeza visual inusitada. Las viñetas plasman escenas amables que se contraponen a unas historias personales muchas veces duras, pero siempre dejando espacio para el humor. El ritmo de los capítulos es rápido y cuenta con un texto conciso, sin florituras, lo que facilita su lectura y disfrute. Yaro Abe no ha querido ofrecernos un serial lacrimógeno (aunque a veces nos arranque más de una sonrisa amarga) sino mostrarnos el camino que sus personajes han recorrido para llegar a convertirse en lo que son. Al fin y al cabo eso es lo más interesante de cualquier historia, el camino andado.

Albert Solé Jerez
www.japaniums.blogspot.com

Ha habido muertes ridículas a lo largo de la historia. Incluso podemos encontrar muertes deshonrosas dignas de ser olvidadas. Pero no encontraremos ninguna que sea tan ridícula y tan deshonrosa a la vez, e incluso tan masiva, como la que tuvo lugar en los hechos de la catedral de Érfurt.

El rey Enrique VI (1165 – 1197) y emperador del Sacro Imperio Romano Germánico (también conocido como Primer Reich) fue hijo de Federico I Barbarroja. Su padre, incansable organizador de cruzadas y campañas bélicas varias, dejó en manos de Enrique los tejemanejes de la corte alemana desde muy temprana edad. De hecho, Enrique estaba acostumbrado a viajar al lado de su padre en sus constantes refriegas, pues esto formaba parte de la educación para su futuro como regente. De esta manera, en 1176 participó en la campaña contra la liga lombarda y, más tarde, en la batalla contra la rebelión de Enrique el León.

Unos años más tarde, Enrique VI se dirigía hacia Polonia, encabezando una nueva cruzada, cuando hizo un alto en la catedral de Érfurt, capital de Turingia, lugar en el que instaló su corte. El motivo de esa parada en el camino fue para mediar en un conflicto que mantenían, por una parte, el duque Luis III (primo del propio Enrique VI), y por el otro bando, Conrado de Wittelsbach, arzobispo de Maguncia. La enemistad de ambos personajes se origina con el derrocamiento de Enrique el León, su posterior desposesión de títulos nobiliarios y el consecuente destierro.

La asamblea fue convocada el 26 de julio de 1184 en una de las salas del segundo piso de la catedral de Érfurt. Debido a la importancia de los efectos del desenlace de esta en términos económicos, territoriales, sociales y de prestigio, muchos fueron los asistentes que acudieron a participar, o simplemente a escuchar, en el desarrollo de las conversaciones. El cúmulo de gente hizo que el viejo, y seguramente podrido, suelo del segundo piso de la catedral se derrumbase bajo los pies de los asistentes que se precipitaron contra el suelo del primer piso. El impacto de los cuerpos y posterior caída de vigas y cascotes hizo que el primer piso también cediera, arrojando a las pobres almas, en su espontáneo viaje exprés de arriba hacia abajo, a las entrañas de la fosa séptica de la basílica, que acumulaba los desechos de las letrinas y de los “aborterkers”.

Muchos fueron los que murieron del primer impacto contra el suelo o por aplastamiento al caerles las vigas del techo descompuesto encima, pero fueron muchos otros los que murieron ahogados en aguas fecales tragando vete tú a saber el qué. Las crónicas de la época hablan de alrededor de 60 fallecidos, entre ellos personajes de la jet set de la época como el conde Gozmar III de Ziegenhain, el conde Fridrich I de Abenberg, el conde Fridrich I de Kirchberg, el conde Heinrich de Schwarzburg y un largo etcétera de poderosillos del momento. El rey Enrique VI se salvó por la suerte de que su asiento en la reunión estaba sobre una zona del suelo hecha de piedra y no cedió, aunque su persona quedó en el mismísimo borde del abismo fecal y tubo el reflejo de agarrarse al marco de una ventana para evitar ser tragado por un pozo ciego.

Para los presentes que seguían en pie en el segundo piso de la catedral, la escena les debió parecer de lo más dantesca, un descenso instantáneo, cuestión de segundos, al mismísimo infierno. Superada la impresión inicial y los minutos de dar vueltas sobre sí mismos con las manos en la cabeza profiriendo lamentos y murmullos de toda clase, los asistentes consiguieron rescatar al rey utilizando una escalera.

Una vez superado el susto, el rey prosiguió su camino hacia Polonia. La catedral fue reparada y sus suelos reforzados. De los cadáveres no se sabe nada, supongo que no debieron dejarlos ahí aunque no me extrañaría. Sea como sea, los hechos ocurridos en la catedral de Érfurt son dignos de ser recordados, sobre todo cuando estéis con el agua al cuello o creáis que estáis teniendo un mal día.

Albert Solé Jerez
www.japaniums.blogspot.com

“Una vida infinita” (Best Seller Internacional de Amazon), del psicoterapeuta Joaquín Cámara, es un libro donde se nos explica el viaje astral que realizamos tras la muerte, explicando detalladamente cómo es nuestra vida en el mundo espiritual y la influencia que ella tiene en nuestra actual vida en el planeta Tierra.

Su investigación se basa en ejemplos reales recogidos por él mismo a través de regresiones con sus pacientes, sin ningún tipo de influencia religiosa o filosófica en el trasfondo. Además, en esta obra también se abordan dos temas estrechamente relacionados con la muerte: el acompañamiento a personas moribundas y el proceso de duelo, desde una perspectiva psicoespiritual.

Gracias a las conclusiones a las que ha llegado Joaquín Cámara estudiando el extenso campo de investigación de la post muerte, podemos encontrar respuestas a las dudas que siempre nos hemos planteado. ¿Dónde vamos tras la muerte? ¿A qué hemos venido? ¿Qué sentido tiene esta vida? ¿Por qué me suceden siempre las mismas cosas? ¿De qué manera pueden comunicarse los espíritus con sus seres queridos?

Joaquín Cámara es licenciado en Psicología y Especialista en Intervención psicológica en procesos de Duelo en la Universidad de Murcia, además de especializarse en Psiquiatría en la vida cotidiana en la Universidad Internacional del Mar, entre otros estudios destacados. Actualmente dirige la Comunidad «Círculo de Búsqueda» (con más de 4.900 miembros), es editor de los blogs «Círculo de Búsqueda» (con más de 1.400.000 lectores) y «Triom Blog» (más de 250.000 lectores), y ofrece sus servicios como psicoterapeuta en Triom Psicoterapia.

Para descubrir más sobre “Una vida infinita”, os recomendamos la lectura de nuestra entrevista a Joaquín Cámara que podréis encontrar el siguiente enlace.

Como si de una buena historia de Expediente X se tratara, el año 2006 una supuesta paciente de un conocido psiquiatra de Nueva York dibujó el retrato robot de un hombre, que decía, se le aparecía en sueños para aconsejarle sobre aspectos de su vida privada.

Posteriormente, otros supuestos pacientes del mismo médico, así como los de otros psiquiatras, reconocieron a este mismo misterioso hombre. Todos ellos afirmaban no conocerle,  y declaraban haberle visto solamente a través de sus sueños…

La realidad fue que todas estas afirmaciones fueron un gran “hoax” producto de una novedosa y poco convencional técnica de marketing viral orquestada por el italiano Andrea Natella, sociólogo especializado en marketing de “técnicas de comunicación no convencionales”, que incluso llegó a crear una página web para que toda la gente que creyera verlo se lo comunicara: https://www.thisman.org/

De hecho, obra suya es una anterior campaña del mismo estilo centrada, en esta ocasión, en una historia de ovnis, que lo que pretendía en realidad era hacer promoción de un destino turístico.

La imagen de “este hombre” aparece en multitud de blogs, grupos de Facebook y su leyenda se ha esparcido de manera que muchos aún a día de hoy se preguntan si hay algo de cierto en esta historia. Un ejemplo más de que nos tenemos que cuestionar absolutamente todo lo que nos dicen y no podemos contrastar por nosotros mismos.

Yoshihiro Tatsumi (1935 – 2015) fue el “mangaka” que revolucionó el género creando, en el año 1957, el “gekiga”. Tatsumi optó por un estilo de dibujo mucho más realista dejando atrás el trazo infantil que dominaba la escena comercial de las revistas dirigidas a un público joven y adolescente. La temática de las historias narradas se oscureció y se volvió más adulta, con el sexo como recurso habitual. Las vivencias del día a día y las historias autobiográficas también agarraron con mucha intensidad dentro de este nuevo género narrativo. La recepción que tuvo el “gekiga” fue impresionante. Adultos que habían crecido con las aventuras que publicaban las revistas para jóvenes, una vez superada esa etapa y entrados en el mundo laboral, seguían ávidos de “manga” pero con una narrativa más intensa y que fuera acompañada por unas temáticas más acordes con su edad. Y eso era lo que el “gekiga” les ofrecía.

Este pasado mes de septiembre de 2020, Satori Ediciones saca al mercado “Tatsumi”, un volumen de unas 260 páginas editado en rústica con sobrecubiertas en color en el que encontraremos una colección de las 9 historias más emblemáticas del autor. El álbum es de formato de 21 x 15 hecho con papel grueso de muy buena calidad, tal y como esta editorial nos tiene acostumbrados.

Si comparamos el estilo de Tatsumi con el de otros dibujantes de “gekiga” como podrían ser los hermanos Tsuge o Abe, vemos que el autor que nos ocupa sigue dando una gran importancia al dibujo. El trazo fino, el detalle y la claridad en los gestos y expresiones de sus personajes, tienen la misma importancia que la narración y el texto. Este hecho no lo encontramos en otros autores que, contando con grandes dotes narrativas, flaquean en habilidad para el dibujo y nos ofrecen un trazo más enérgico, que rompe la continuidad de las líneas y, al fin y al cabo, carentes de tanta minuciosidad y excelencia en el apartado plástico.

Tatsumi muestra al ser humano tal cual es, con sus virtudes y sus miserias. En sus relatos aparecen personajes perdidos dentro de una sociedad que se los ha tragado sin compasión ninguna y que no han sabido adaptarse a los aires de cambio. Hombres y mujeres superados por el entorno que sobreviven cabizbajos en una constante depresión mientras cargan sobre sus hombros sueños de un mañana mejor, aunque sean conscientes de que ese mañana nunca llegará. El Japón de posguerra de Tatsumi es cruel. Pero no se trata de una crueldad violenta, sino una crueldad silenciosa que te come desde dentro, provocada por la falta de recursos económicos de un país que intenta levantarse a cualquier precio i que ha perdido su identidad debido a la ocupación norteamericana. La desesperación de vivir sin alicientes y sintiendo como se consume la vida sin poder realizar nada importante, ninguna gesta extraordinaria que de sentido a este sufrimiento silencioso.

El álbum “Tatsumi” contiene las siguientes historias:

-“Infierno”: Durante la celebración del aniversario de la explosión de la bomba atómica de Hiroshima, un hombre recuerda cuando, siendo joven, lo enviaron con una cámara fotográfica a la zona 0, bajo una lluvia negra, para documentar la devastación ocasionada por el ataque norteamericano a la población civil.  Relato que pone en manifiesto la más baja naturaleza humana y hasta donde estamos dispuestos a llegar para conseguir nuestros objetivos.

-“Ocupado”: Un dibujante de “manga” infantil en horas bajas ve como su serie queda cancelada por falta de popularidad. De forma inmediata se pone a trabajar para una revista para adultos y ese nuevo trabajo lo absorbe completamente de la realidad que lo rodea. Pese a no ser un relato autobiográfico, la historia lleva la esencia del autor en ella, pues al igual que el protagonista, el autor quedó completamente atrapado por la historieta gráfica dirigida a un público adulto.

-“La primera vez de un hombre”: Un oficinista ve como el día de su jubilación se le acerca inexorablemente. Este hecho le hace reflexionar sobre el tipo de vida que le quedará cuando deje de trabajar. El inconformismo humano hace que el protagonista fantasee con su compañera de trabajo. La mente lucha contra la tristeza y la depresión que provoca el no haber sido capaz de adaptarse a los nuevos tiempos rompiendo la realidad y sumergiéndose en un estado de falsa euforia.

-“Who are you, Scorpion?”: Un ex convicto trabaja en una fábrica de recambios bajo las órdenes de un déspota adinerado. Al mismo tiempo, malvive con una mujer de compañía. La insatisfacción del protagonista le llevará a replantearse muchas cosas.

-“Cría”: Un hombre que vive con una mujer de compañía que lo cuida y lo alimenta, sospecha que todas las atenciones que recibe son tan solo en sustitución del perro que ella perdió. La pérdida de la propia identidad para agradar a los demás como metáfora del que le estaba sucediendo a la sociedad japonesa al completo.

-“La montaña de los viejos abandonados en Tokyo”: Un hombre vive en un pequeño apartamento con su madre enferma. La chica con la que sale no cesa de pedirle que la lleve a su apartamento. Conflicto generacional y el abandono de las personas mayores en un Japón que ha dejado de creer en la unidad familiar.

-“Querido Monkey”: Un obrero solitario tiene como mascota un pequeño mono. Un día, durante uno de sus frecuentes paseos por el zoo, conoce a una chica. La vorágine social acaba destruyendo todo lo que es marginal.

-“Goodbye”: Una mujer de compañía recibe, por parte de un norteamericano, constantes promesas de llevársela a los Estados Unidos cuando el ejército abandone el archipiélago nipón. El ansia de un mundo mejor de muchos japoneses que sufrieron la ocupación americana que, en un contexto de miseria y hambruna, veían en los soldados extranjeros prosperidad y una vida libre de sufrimiento.

-“La campana fúnebre”: Un camorrista acaba siendo reclutado por un club de boxeo cuando es descubierto en una pelea callejera.

La colección de historias que conforman “Tatsumi” de Satori Ediciones representa la flor y nata de la obra de este maestro del arte secuencial. En el libro se incluyen las declaraciones del propio autor a propósito de su estancia en Cannes para la presentación europea de la película “Tatsumi” de Eric Khoo. El film utiliza muchas de las historias recogidas en este volumen recopilatorio y buena parte de la obra autobiográfica “Una vida errante” publicada hace unos años por Astiberri. El libro se cierra con una biografía del autor y un comentario sobre las historias incluidas en este recopilatorio firmado por Mitsuhiro Asawaka, una de las mayores eminencias sobre “gekiga”.

“Tatsumi” es la puerta de entrada a la obra de Yoshihiro Tatsumi y con la que se ha querido acercar el incomparable genio narrativo de este autor a occidente para su redescubrimiento. Admirado dentro y fuera de su país, Tatsumi representa la quinta esencia del “manga” para adultos. Que Satori Ediciones haya publicado este volumen dedicado a Tatsumi, nos permite disfrutar del mundo de texturas que conforman el alma atormentada de sus personajes, plasmadas como ningún otro autor ha sido capaz de realizar. Por otro lado, para los nuevos lectores, leer a Tatsumi será lanzarse al vacío dentro de un estilo y un género, el “gekiga”, del cual, a pesar de que todavía hay poca cosa publicada, solo puedo decir que atrapa. ¡Ya lo creo que atrapa!

Albert Solé Jerez
www.japaniums.blogspot.com

¿Cómo va a terminar nuestro universo? Esta es la pregunta que intenta responder la espectacular producción “Timelapse of the future: A journey to the end of Time” de la productora melodysheep, un viaje a trillones de años en el futuro, para descubrir cuál puede ser el destino de nuestro planeta y nuestro universo.

Comenzamos en 2019 (el vídeo fue publicado por primera vez en marzo de ese año) y viajamos exponencialmente a través del tiempo, presenciando el futuro de la Tierra, la muerte del sol, el fin de todas las estrellas, la decadencia de los protones, las galaxias zombis, las posibles civilizaciones futuras, los agujeros negros que explotan, los efectos de la energía oscura, los universos alternos, el destino final del cosmos – por nombrar algunos.

Esta es una imagen del futuro tal y como lo pinta la ciencia moderna, una imagen que seguramente evolucionará con el tiempo a medida que busquemos más pistas sobre cómo se desarrollará nuestra historia. Gran parte de la ciencia es muy reciente, y nuevas piezas de rompecabezas aún esperan ser encontradas.

Esta vista aérea del tiempo da una perspectiva profunda – que estamos viviendo dentro del sofoco del Big Bang, el momento perfecto para empaparse de las vistas y sonidos de un universo en sus días de gloria, antes de que todo se desvanezca. Aunque el final llegará eventualmente, tenemos una infinidad de tiempo práctico para jugar si jugamos bien nuestras cartas. El futuro puede parecer sombrío, pero tenemos un enorme potencial como especie.

Con las voces de David Attenborough, Craig Childs, Brian Cox, Neil deGrasse Tyson, Michelle Thaller, Lawrence Krauss, Michio Kaku, Mike Rowe, Phil Plait, Janna Levin, Stephen Hawking, Sean Carroll, Alex Filippenko y Martin Rees.

Se recomienda el uso de auriculares para disfrutar al máximo de la experiencia.