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“Twin Peaks”, tot un món per redescobrir

L’última i gratificant aproximació al món de Twin Peaks de l’any 2017 és una experiència única, però no tan sols s’experimenta una única sensació. Ja li heu donat una oportunitat? Ja en coneixeu el desenllaç de tot aquell món surrealista creat ara ja fa 29 anys?

Premiere de Twin Peaks

 

L’última i gratificant aproximació al món de Twin Peaks és una experiència única, però no tan sols s’experimenta una única sensació. Ja li heu donat una oportunitat? Ja en coneixeu el desenllaç de tot aquell món surrealista creat ara ja fa 29 anys?

Pels que encara no l’heu experimentat, l’última sèrie de capítols, estrenada el 2017, és colossal. Moltes vegades sembla impossible trobar un significat, una explicació coherent del que veiem. Però alhora tot té un sentit, com si veiessis la vida normal del seu director mentre il·lumina les teves retines en forma d’història envoltant i màgica, i després et fan pampallugues com en un estat de trànsit constant. Llavors és quan et preguntes si aquí és on vivim, o si hauríem de fer-ho en un altre lloc. Les imatges van passant davant teu com quadres tenebrosos, inexplorables, incomprensibles, però quelcom dins teu es va lligant com un puzle de centenars de sensacions i vivències. Un cop retingudes, totes les imatges agafen sentit, entre pensaments abstractes, foscos i estranys. Però així és Lynch.

 

 

La tercera temporada és Lynch en estat pur, evolucionat, perfecte, colpidor i surrealista dins un mateix món realista. És un Lynch madur fins a la medul·la. De vegades no s’ha de buscar un sentit quan aparenta no existir, perquè tot està allà, encara que un no sigui capaç de veure-ho. Si es tanca els ulls, potser s’entén tot. O gairebé tot. Perquè Lynch està un pas per davant de la majoria de mortals. És un ser evolucionat, que veu més enllà, que el guia l’inconscient, el subconscient, el conscient, i totes les consciències possibles i no possibles dins un sol camí de llum i foscor.

Quan contemples l’obra de Lynch se t’acudeixen desenes de paraules per definir-la, i en aquests últims divuit capítols no és diferent. Hi ha de tot, sense excepcions. No és una sèrie. És una experiència dins de múltiples sensacions. Tècnicament és impecable, i si un nom o una sensació no existeix, és igual, ell ho crea.

 

 

Aquesta última etapa de Twin Peaks és interdimensional, suggeridora, fantàstica, abstracta, simbòlica, imaginativa, poètica, diferent, valenta, hilarant, dramàtica, fosca, colpidora, pertorbadora, somiadora, surrealista, sorollosa, incomprensible, muda, interpretativa, sensorial, extrasensorial, diabòlica, lluminosa, alegre, enigmàtica, musical, realista, fantasmagòrica, metafòrica, angoixant, divertida, carismàtica, transgressora, nostàlgica, interplanetària, interestel·lar, pausada, repugnant, violenta, sensual, romàntica, rodona.

 

“I tanmateix, Twin Peaks no és una sèrie per tothom. L’impacient ha de tenir paciència.”

 

Després d’una llunyana, repetitiva i poc convincent segona temporada (la primera ja tenim clar que és un clàssic de la televisió?), Lynch engloba la nova visita al seu món particular dins del conjunt de la seva obra més polida. En alguna de les sessions, la desconnexió (o connexió) amb el més enllà és absoluta. Hi ha molts encerts en aquesta temporada: totes i cada una de les actuacions, de segons o llargs minuts, personatges grans i petits (i n’hi ha moltes, però direm que l’actuació de Kyle MacLachlan és d’un altre món); la selecció musical en directe que ens regala gairebé a cada capítol: la grandiositat de la història; la particular visió dels somnis i la realitat; el pols narratiu i la fermesa amb què juga amb nosaltres.

Et deixa preguntes però dóna respostes i la conjunció amb la història prèvia es fa patent. No espereu la mateixa posada en escena de les anteriors temporades però sí vells personatges i grans conclusions. Aquí va més enllà. És com si el Sr. Lynch ens digués: “Volíeu més Twin Peaks? Doncs us en donaré una mica més”.

 

 

I el més curiós, és que el final et deixa paralitzat. Un pessigolleig enorme t’entra per tot el cos i et glaça. Et ve un calfred per fora i una enorme escalfor per dintre. No et pots moure, et quedes absort mirant la pantalla, colpit fins al llindar del màxim colpiment possible. I tot el que has vist crea un significat al teu subconscient: et crea una nova personalitat dintre teu i et fa evolucionar com a espectador de serials televisius i com a ésser que habita en les tenebres. Una experiència única.

“A través de l’obscuritat del passat futur, el mag anhela veure, una oportunitat entre dos mons. Foc, camina amb mi.”

 

Valoració ★★★★★

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Carles Vilar

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El anuncio de Dragones y Mazmorras que nos hizo soñar

Cuándo Renault Brasil nos la jugó bien jugada…

 

En 2019 Renault Brasil nos trajo de vuelta, y a lo grande, a los personajes de “Dragones y Mazmorras” con actores reales y unos espectaculares efectos especiales para promocionar uno de sus nuevos vehículos. ¡Hank, Diana, Sheila, Eric, Presto y Bobby reales!

 

 

En su momento corrieron rumores de que pertenecían a una nueva película, o a una nueva serie, pero fue solamente un anuncio del Renault KWID Outsider inspirado en la mítica serie. ¿Decepcionante verdad?

 

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Teaser tráiler de “Masters del Universo: Revelación”

Será el paso definitivo para recuperar la saga en televisión ¿u otro intento más fallido?

 

El teaser tráiler de “Masters del Universo: Revelación” en Netflix ya se encuentra disponible y en él podremos ver por primera vez en movimiento lo que nos espera en esta continuación de la serie original de Filmation.

Ambientada en el planeta Eternia y con Adam como protagonista, el joven príncipe, hijo del Rey Randor y la Reina Marlena, deberá volver a luchar contra su archienemigo Skeletor a partir del 23 de julio en Netflix. La producción corre a cargo de Kevin Smith, y su aspecto de momento no acaba de convencer a todos los fans, que esperaban una continuación directa del estilo de los años 80, teniendo en cuenta los fracasos cosechados en el pasado por querer revivir la saga con otros estilos totalmente diferentes al original.

 

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Segunda temporada de Watchmen, ¿es o no posible?

¿Tendremos segunda temporada o Lindelof ha renunciado definitivamente?

 

La miniserie Watchmen (HBO) obtuvo 11 estatuillas de 26 nominaciones en los Premios Emmy de 2020 y con eso selló aquella noche como la producción más galardonada de esa edición de los premios. Pero la continuidad del show desgraciadamente no convenció ni a su productor ni a HBO, ya sea en formato serie, película o incluso cómic.

 

 

La serie Watchmen en HBO nos narra el futuro de lo que ha pasado treinta años después de los hechos que suceden en la historia original de Watchmen (cómic y posteriormente adaptado al cine por Zack Snyder), e incluso el origen de los Minutemen, el primer grupo de superhéroes a lo largo de la década 1940. Fueron fundados en 1939, en gran parte a través de las acciones de Nelson Gardner (Captain Metropolis), Sally Jupiter (la primer Silk Spectre) y el agente de Sally Jupiter, Laurence Schexnayder.

Oficialmente HBO ha dado carpetazo definitivo a cualquier posibilidad de seguir desarrollando la historia contemporánea de Watchmen si no es con Damon Lindelof, el cual declaró que no tiene ideas para más episodios, y que utilizó todas las buenas ideas en la primera temporada.

 

 

“Nunca digas nunca. Pero la adaptación era tan suya (de Lindelof) que es difícil imaginar a otra persona haciéndola. Pero no hay conversaciones, no estamos cortejando a alguien, ni mostrando como lo hacemos con, por ejemplo, Game of Thrones”, afirmó el jefe de contenidos de HBO a principios de este 2021, Casey Bloys.

De acuerdo con una fuente cercana a los estudios y a WGTC Lindelof podría haber recapacitado gracias a las presiones de los fans de Watchmen. Pero solamente es un rumor…

 

 

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“The Girlfriend Experience”, tercera temporada de culto

Sexo, tecnología y perfección, con un claro guiño al estilo “Black Mirror”, para la tercera temporada de una obra maestra

 

La tercera temporada de “The Girlfriend Experience”, obra maestra producida por Soderbergh, llega a Starzplay con una inmensa Julia Goldani Tellers (“The Affair”) como protagonista principal de una epopeya sexual light digna de “Black Mirror”.

Cuatro años después de la emisión de su segunda temporada, “The Girlfriend Experience” regresa por todo lo alto con una nueva entrega de diez episodios que nos adentra de nuevo en el complejo mundo de la prostitución de lujo y su complejo entramado psicológico y social. La de Iris, es a la práctica la cuarta historia que nos cuenta esta serie antológica basada en la película de Steven Soderbergh que lleva el mismo nombre.

 

 

Esta tercera temporada, escrita y dirigida por la alemana Anja Marquardt, el show nos traslada a un Londres futurista donde la protagonista es una neurocientífica con unas credenciales académicas impresionantes que durante el día trabaja en una startup tecnológica y por la noche es una escort para clientes de lujo. Estos dos universos, que pueden parecer completamente diferentes, están unidos por la carrera profesional y las aptitudes sociales de la joven.

Aquellos que disfrutaron de las dos primeras entregas no tardarán en sentir que en esta nueva tanda de episodios sigue ofreciéndonos auténtico arte de alta calidad con diálogos, producción, trabajo de fotografía y escenarios que convierten a “The Girlfriend Experience” en una serie de culto para los que buscan algo más en una serie.

 

 

El único punto interpretable y subjetivo de esta tercera temporada de “The Girlfriend Experience” lo encontramos en su nueva propuesta sexual y oscuridad, con una esencial mucho más moderada y light, alejada de las dos primeras entregas para acercarse a otro tipo de público más comercial y menos receptivo al lado oscuro del sexo y la atracción.

 

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“The Serpent” en Netflix: hippies, veneno y el infierno oriental

Una de las mejores series nunca ofrecidas por la plataforma Netflix

 

“The Serpent”, serie producida por la BBC y disponible actualmente en Netflix, nos narra la historia de Charles Sobhraj, un asesino en serie que acabó con la vida de casi un centenar de jóvenes turistas en Asia entre 1975 y 1976. Protagonizada por Tahar Rahim y Jenna Coleman es sin duda alguna una serie de visionado obligado.

“A todos los jóvenes intrépidos que partieron con grandes sueños. Pero nunca llegaron a casa”. Estas son las palabras con las que se homenajea a las víctimas, en los créditos de “The Serpent”, un thriller de ocho capítulos basado en hechos reales.

Charles Sobhraj fue en su día uno de los hombres más buscados por la Interpol, un psicópata y asesino en serie que se escudó en el racismo sufrido durante su juventud en Francia para asesinar despiadadamente a jóvenes turistas europeos en Asia entre 1975 y 1976.

 

 

La misma policía fue la que le apodó “La Serpiente”, por lo complicado que resultaba siempre dar con él, al falsificar el pasaporte de sus víctimas. Ahora, el actor Tahar Rahim (quien interpreta a Sobhraj) y la actriz, Jenna Coleman (quien interpreta a su cómplice) se han encargado de abrir, una vez más, el expediente de un caso que ya estaba cerrado.

“The Serpent” desde su inicio ya nos advierte de que su dramatización de la historia se toma sus particulares libertades. Diálogos y escenas imaginadas para atrapar al espectador en la trama, en varias ocasiones rozando la incoherencia, especialmente en los actos de sus secundarios, lo que aporta al protagonista más poder del que podemos concebir sin profundizar en la historia. A pesar de ello lo compensa con una excelente producción, impecable ambientación y vestuario y unas actuaciones dignas de reconocimiento, convirtiéndose así en una de las mejores series nunca ofrecidas por la plataforma Netflix.

 

 

La historia original

Charles Sobhraj nació en 1940 en Saigón (Vietnam), aunque creció en París. Ya de adolescente se vio implicado en pequeños delitos y terminó en la prisión de Poissy, en 1963. Cuando fue liberado, se envolvió con la alta sociedad parisina casándose con una burgesa. Poco después, volvió a entrar en prisión acusado de negocios ilegales.

En 1970 se trasladó a Nueva Delhi, donde se dedicó al robo a mano armada. Esos actos le llevaron directo a prisión una vez más. Salió bajo fianza en 1973 y se fue a Kabul. Sobhraj comenzaría, entonces, a robar a mochileros en la ruta hippie (por aquel entonces ese itinerario era conocido por los jóvenes que lo emprendían en busca de ese estilo de vida). Con distintos pasaportes consiguió huir a Irán, Europa y Oriente Medio, donde cometió más delitos y se volvió adicto al juego hasta su detención en Atenas.

 

 

En 1975 escapó de la cárcel y regresó a Tailandia. Allí dio con los que serían sus cómplices, Marie-Andrée Leclerc y Ajay Chowdhury. Entonces comenzó a camelarse a jóvenes mochileros, les drogaba, les robaba y, finalmente, les mataba ofreciéndoles veneno como si fuera medicina estomacal.

En 1976 Charles Sobhraj regresó a Bangkok con un pasaporte robado de una de sus víctimas y escapó a Nepal con sus cómplices. En ambos lugares se perpetraron varios asesinatos. Condenado a 12 años de prisión por el asesinato de Jean-Luc Salomon, logró escapar tras 10 años en la cárcel. Poco después volvió a prisión y en 1997 fue liberado tras una condena de otros 10 años.

En 2003 regresó a Katmandú y fue detenido por varios asesinatos, gracias al incansable trabajo de 30 años de Knippenberg (holandés), su verdadero antagonista que llegó a sacrificar su relación de pareja para dignificar a las víctimas. Un periodista de The Himalayan Times publicó un artículo con fotografías suyas en un casino y así lograron dar con él.

 

 

Finalmente, Charles Sobhraj fue encarcelado hasta el día de hoy. Sobhraj sigue en una prisión nepalí a los 76 años de edad. Una historia real que, sin lugar a dudas, ha conseguido traspasar la pantalla y que nos acerca a la ruta hippie de los años 70, donde la inocencia llevó al infierno a casi un centenar de jóvenes.

 

 

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Kamen Raider, 50 aniversario del héroe japonés

El 3 de abril de 1971 se estrenaba en la NET TV la serie que revolucionó para siempre el género del tokusatsu

 

El 3 de abril de 1971 se estrenaba en la NET TV  (actual Asahi TV) la serie que revolucionó para siempre el género del tokusatsu (efectos especiales): “Kamen Raider”. Un tiempo antes, el productor de la Toei, Tôru Hirayama, tenía el propósito de crear un nuevo héroe para un serial televisivo. El propio Hirayama se enfrascó con los bocetos de un personaje al cual bautizó como Crossfire, pero alguien le aconsejó que buscara ayuda en el mundo del manga para acabar de definir todo el imaginario que rodearía a esta producción. La empresa recayó sobre Shôtarô Ishinomori, un joven que empezaba a despuntar dentro del mundillo y que ya tenía en su currículum “Cyborg 009”, una serie de acción donde se narran las aventuras de un grupo de héroes modificados artificialmente.

 

 

Como respuesta al Crossfire de Hirayama, Ishinomori publicó “Skull Man”, un antihéroe enmascarado que recurre a la violencia y a los métodos más expeditivos para eliminar de su camino a cualquiera que se interponga ante su sed de venganza. La Toei no quedó demasiado convencida ante un personaje tan oscuro y violento y se enfrascaron en el rediseño del protagonista junto a Ishinomori. El cambio principal lo sufrió el traje del héroe, convirtiendo su casco en forma de calavera en una cabeza de saltamontes y transformando el tétrico blanco y negro del uniforme en verdes y rojos combinados en un fondo negro que los hacía resaltar aún más.

 

 

El éxito de “Kamen Raider” para la televisión fue un éxito total, con legiones de fans incluido. Dos semanas después del estreno televisivo empezó a publicarse el manga en la Weekly Shônen Magazine en el que se narraban las aventuras del héroe televisivo. Dibujado por el propio Shôtarô Ishinomori, la versión en papel tenía un estilo mucho más oscuro y violento que el de la serie, pues esta última no podía contener tanta violencia, ya que iba dirigida a un público juvenil. El manga también gozó de un enorme éxito y se editó en cuatro volúmenes recopilatorios. La popularidad del personaje fue más allá de lo que sus creadores nunca imaginaron y “Kamen Raider” acabó convirtiéndose en un verdadero icono de la cultura pop japonesa que a día de hoy cuenta con 28 temporadas de su serie televisiva, montones de películas, mangas, videojuegos, etc.

 

 

50 años más tarde, Ooso Cómics publica “Kamen Raider”, el manga original de 1971 de Shôtaro Ishinomori en una colección de 3 volúmenes. Desde que la editorial anunció en el Salón del Manga de 2020 la adquisición de los derechos de publicación de este pedazo de historia del cómic japonés, que las redes se convirtieron en un hervidero de suposiciones, impaciencia, nervios y ansias por tener en las manos tan codiciada obra. El momento ya ha llegado y es de recibo decir que la espera ha merecido la pena. Ooso Cómics ha lanzado “Kamen Raider” en una edición muy cuidada en tamaño 12 x 17 con sobrecubiertas a todo color, impreso en un papel de muy alta calidad y traducción directa del japonés de Marc Bernabé. Este primer volumen que se acaba de publicar de “Kamen Raider” contiene las 16 primeras páginas a todo color. Además, como es costumbre con Ooso Cómics, la editorial ha publicado el manga en dos versiones, en castellano y en catalán, respetando al máximo la obra original y manteniendo las onomatopeyas originales japonesas integradas en el dibujo.

 

 

Takeshi Hongo es un piloto profesional de motocicletas que es secuestrado por la organización Shocker. Esta multinacional se dedica a convertir a personas elegidas por su inteligencia extraordinaria y su físico musculado en cyborgs. Estos humanos modificados adquieren habilidades sobrehumanas y son mentalmente controlados por la organización que los utiliza para convertir a la raza humana en esclavos y conquistar el mundo. Debido a un accidente durante el proceso de robotización, Takeshi consigue escapar del laboratorio antes de que su cerebro sea modificado y quede para siempre a merced de los designios de Shocker. Fuera del alcance de sus captores, con el cuerpo modificado, su inteligencia y ganas de venganza, Takeshi se convertirá en “Kamen Raider” (el motorista enmascarado), la última esperanza de la humanidad para vencer a Shocker y a sus criaturas monstruosas.

Ishinomori nos regala un estilo de dibujo atemporal. Pese a los 50 años que “Kamen Radider” tiene a sus espaldas, el estilo sigue siendo totalmente actual. Trazo fino y limpio, con un sentido ritmo cinematográfico en sus viñetas que muestran las acciones más espectaculares como si las estuviéramos viendo en la televisión y en cámara lenta. Un control enorme por la dinámica y el movimiento queda demostrado por los miles de líneas cinéticas que llenan las páginas y las deformaciones que sufren las ruedas de la cyclone, la motocicleta del protagonista. Las escenas de lucha no se quedan atrás en espectacularidad. Los planos generales se combinan con primeros planos faciales y el encadenamiento de las escenas permite seguir la acción de forma clara sin necesidad de otros recursos que los propios dibujos. Persecuciones, peleas a porrazo limpio donde los golpes del protagonista tienen nombre y apellidos, desmembramientos, perforaciones… Todo un festival para los amantes de los cómics de superhéroes.

 

 

La premisa de “Kamen Rider” quizás sea bastante calcada a la de otros justicieros que ya conocemos de antemano: personaje con cierto poder adquisitivo, mansión guarida apartada del bullicio, mayordomo que pone orden a sus asuntos, vehículo motorizado de avanzada tecnología… El apartado de enemigos también cumple con ciertos clichés clásicos como ser la representación del mal por el mal, sin otro sentido que el placer por el sufrimiento de los demás. Aberraciones genéticas como un hombre araña y un hombre murciélago serán los primeros en enfrentarse a Kamen Raider (toda una declaración de intenciones sobre la superioridad de este héroe japonés sobre los clásicos americanos).

“Kamen Raider” creó escuela, tanto la serie como el manga. Un protagonista que pasa de ser un ciudadano normal a ser un poderoso héroe con una simple transformación tecnológica o mágica y que se activa mediante una palabra inspiró a artistas y generaciones posteriores. El ejemplo más claro que tenemos en nuestro país es la serie americana “Power Rangers”, inspirada a su vez en el tokusatsu japonés “Super sentai series”. Otro rasgo destacable es la oscuridad del protagonista en su versión manga, ésta fue tomada, aumentada y corregida por Go Nagai, otro maestro del manga, y plasmada en su siniestra obra “Devilman”. Sin embargo, a pesar de que muchos autores han bebido y se han inspirado en esta obra para sus propias creaciones, pocos han llegado a alcanzar la espectacularidad, el ritmo narrativo, la emoción y la fuerza gráfica que Shôtarô Ishinomori dio a “Kamen Raider”. Una obra maestra del llamado “Rey del manga” que forma parte de la historia de Japón y de su cultura popular por méritos propios y que ahora tenemos la oportunidad de descubrir por estas latitudes. Amantes de la acción y del cómic en general, no dejéis pasar la oportunidad y sumergiros en el oscuro mundo de “Kamen Raider”, estoy seguro de que no os decepcionará.

 


Albert Solé Jerez
www.japaniums.blogspot.com

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Tercera temporada de “Mindhunter” en Netflix, ¿es posible?

Lo imposible para “Mindhunter” parece ser que se hará realidad en breve

 

La tercera temporada de “Mindhunter” ha dejado de ser una remota posibilidad, a ser tomada en serio y es que Netflix y David Fincher están muy cerca de llegar a un acuerdo para hacerla realidad. El principal motivo de este giro radical de los acontecimientos se debe al cambio de opinión de David Fincher, que pasó de descartar una nueva temporada debido al alto volumen de trabajo que le suponía, a arrepentirse y dar marcha atrás ante el interés de Netflix de seguir adelante con el show.

“Mindhunter” es una brillante serie de televisión estadounidense dirigida por David Fincher, Asif Kapadia, Tobias Lindholm y Andrew Douglas que fue estrenada el 13 de octubre de 2017 por Netflix. Está basada en el libro “Mind Hunter: Inside FBI’s Elite Serial Crime Unit” de Mark Olshaker y John E. Douglas y se ambienta en 1977. Sus protagonistas principales estan interpretados por Jonathan Groff, Holt McCallany y Anna Torv que nos lleva al origen de la unidad de perfiles psicológicos del FBI, donde se estudian perfiles psicológicos de asesinos en serie para encontrar un patrón de comportamiento.

 

 

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Crítica de “La Guardia”, una serie de dimensiones épicas

Producida por la BBC America e inspirada en el mundo y los personajes creados por Sir Terry Pratchett

 

“En un lejano juego de dimensiones de segunda mano, en un plano astral ligeramente combado, las ondulantes nieblas estelares fluctúan y se separan.

Vamos…

La Gran Tortuga A’Tuin se acerca, nadando lentamente por el golfo interestelar, con los pesados miembros llenos de hidrógeno congelado, la enorme y viejísima concha llena de cráteres de meteoros. Con unos ojos del tamaño de mares, encostrados de lágrimas reumáticas y polvo de esteroides, Él contempla fijamente el destino.

En una mente más grande que una ciudad, con lentitud geológica, Él sólo piensa en el peso.

Por supuesto, la mayor parte del peso se debe a Berilia, Tabul, Gran T’Phon y Jarakeen, los cuatro elefantes gigantes sobre cuyos lomos y amplios hombros bronceados por las estrellas descansa el disco del mundo, enguirnaldado por una enorme catarata a lo largo de toda su circunferencia, y cubierto por la bóveda azul pálido del cielo.”

 

 

Así empieza el libro “El color de la magia”, el primer libro de Sir Terry Pratchett ambientado en el mundodisco. Posteriormente este universo se iría desarrollando a través de 40 libros más, con personajes que se entremezclan en los diferentes volúmenes. Mientras en cierto título uno es el protagonista, en otro se queda en un segundo plano y en el de más allá hace una pequeña aparición. El epicentro de este delirante universo bañado de magia, que haría las delicias de cualquier terraplanista, es la ciudad de Ankh-Morpork. Una ciudad sucia y decrépita urbe a la que ni la constante lluvia puede reducir su pestilencia. Escenario habitual de la extensa literatura ambientada en el mundodisco, ésta se divide en diferentes sagas: los enanos, las brujas, la muerte y los guardias. Vamos a centrarnos en esta última.

La decadente ciudad es un antro de ladrones y asesinos que se han organizado en gremios y reclaman sus derechos laborales como cualquier otro trabajador. La ley les permite robar y asesinar mientras no sobrepasen el cupo anual de delitos, para todo lo demás, está la guardia de la ciudad. En palabras del propio Pratchett en su libro “¡Guardias! ¡Guardias!”: “Puede que los llamen “La Guardia de Palacio”, o “”La Guardia de la Ciudad”, o “La Patrulla”. Sea cual sea su nombre, su función en cualquier obra de fantasía heroica es siempre la misma: más o menos a la altura del capítulo Tres (o a los diez minutos de empezar la película) entran a saco en una habitación, van atacando al héroe de uno en uno y mueren por orden. Nadie les pregunta nunca si es eso lo que quieren hacer. Este libro va dedicado a estos abnegados hombres.” Así nos podemos hacer una idea del grupo de perdedores crónicos que forma parte del cuerpo de defensa de la ciudad de Ankh-Morpork.

 

 

Si algo caracteriza las novelas del mundodisco de Pratchett es su humor inciso y la facilidad por interponer los diálogos más alocados en medio de las situaciones más tensas y peligrosas. Pero entre tanto plano dimensional retorcido, densa magia de color octarino, seres de lo más variopinto, risas y carcajadas, Pratchett se las ingeniaba para tocar temas trascendentales de nuestro propio mundo, tan corrompido y cruel como la ciudad de Ankh-Morpork. Y aquí está la grandeza de la guardia nocturna de la ciudad, la integración de una panda de desarrapados perdedores rechazados socialmente por sus diferencias, por no seguir la norma no escrita que ser guapo y triunfar en la vida lo es todo para ser aceptado en cualquier mundo, ya sea real o fantástico. Pratchett nos demuestra en sus páginas como un reducido grupo de desahuciados pueden llegar a ser verdaderos héroes.

Movistar estrenó en España durante el mes de abril de 2021 la serie “La Guardia”, producida por la BBC America e inspirada en el mundo y los personajes creados por Sir Terry Pratchett. 8 capítulos de unos 45 minutos de duración que adaptan a la pantalla el rico y complejo mundo creado por el escritor. El proyecto empezó a gestarse en el año 2011, pero la muerte del escritor en 2015 hizo que la cosa se ralentizara. Más tarde, su hija, Rihanna Pratchett se desentendió del proyecto pues éste no compartía “ni un ápice de ADN con la obra de su padre”. El guión adaptado por Simon Allen, que bebe principalmente de la novela “¡Guardias! ¡Guardias!” y la dirección de Craig viveros, Emma Sullivan y Brian Kelly dejan de lado la esencia y el (des)orden del mundodisco a favor del espectáculo y una más fácil comprensión de la narración para el espectador no iniciado en esta saga literaria.

 

 

Richard Dormer (Juego de Tronos) es el encargado de dar vida al histriónico Sam Vimes, capitán de la Guardia de Ankh-Morpork. Los sucesos del pasado, que rápidamente conoceremos en el primer capítulo, lo han convertido en un personaje mentalmente torturado que sólo encuentra alivio en la bebida. El constante estado de embriaguez lo convierten en un despojo humano egoísta y esquivo cuya única finalidad es mantener un alto nivel de alcohol en sangre. Eso no quita que tenga sus virtudes, el personaje evolucionará rápidamente a medida que deja de descorchar botellas. Dormer sobreactúa, mantiene una postura forzada echando el cuello hacia adelante en todo momento mientras pasea, de forma constante, un cigarro de lado a lado de su boca. La verdad es que la actuación tiene sus momentos de brillantez pero hay escenas en que parece que el actor se haya inspirado en Popeye el marinero para crear el personaje de Vimes.

El resto de miembros de la Guardia son otro cantar. El variopinto grupo de inadaptados viene encabezado por Zanahoria, interpretado por Adam Hugill (1917). Se trata de un humano criado por enanos y paradigma del sentido común. Es la última incorporación en la Guardia  y se toma la ley al pie de la letra saltándose a la torera cualquier derecho laboral de los gremios de asesinos y ladrones. Zanahoria es quien azuza al resto del equipo a tomarse en serio su trabajo y quien tira del carro durante las ausencias etílicas de Vimes. Angua Von Überwald, interpretada por Marama Corlett (Los guardianes de la galaxia) es la más fiera del grupo. Su apariencia frágil y menuda esconde un fuerte carácter y una crónica mirada penetrante, sin mencionar su origen que guarda en el más profundo secreto y que la hace temible. Jo Eaton-Kent (Los Romanov) encarna a Jovial Culopequeño (Cheery), el alquimista (científico) del grupo. Su condición transgénero lo convierte en el personaje más llamativo del grupo, a la vez que en el más sensato, reflexivo y sensible. Es quien se encarga de la parte científica dentro de la Guardia. Detritus, un trol de los de toda la vida, de esos que viven debajo los puentes y que tienen la piel pétrea. Un turbulento accidente del pasado lo une a Vimes, quien lo acoge dentro de la Guardia como un miembro más. Lady Sybill Ramkin, última de una estirpe de ricachones de la alta sociedad ankh-morporkiana. Dedica su fortuna a proteger a los dragones de pantano, pequeñas criaturitas escupe fuego que al mínimo descuido pueden explotar por culpa de sus malas digestiones.

 

 

Este grupo de personajes funciona por sí solo. Todos se complementan los unos con los otros en un trabajo comedido por parte de los actores que los encarnan. La serenidad de este conjunto choca con la exageración de Dormer, pero a su vez actúa como catalizador convirtiendo a Vimes en uno más cuando comparte escena con ellos. A decir verdad, ahora que ya se han podido ver dos capítulos de la serie, hay que decir que el desmadre de Vimes del primer capítulo se desacelera a pasos agigantados para refugiarse dentro de los límites del conjunto que lo rodea ¡Todo un alivio! Otros personajes completan el reparto de esta serie. Lord Vetinari (Anna Chanceller) es el Patricio de Ankh-Morpork, Wendell Pierce pone voz a La Muerte, personaje muy recurrente en la literatura de Pratchett y el malvado Carcer Dun interpretado por Sam Adewunmi.

Simon Allen, con su guión, ha convertido a la Guardia en una especie de CSI fantástico que difiere de la esencia de la obra principal. Ha hecho de estos vigilantes un grupo bien definido donde cada uno tiene un papel y unas funciones muy marcadas, cosa que no ocurre en la literatura. La Guardia destaca por su caos organizativo y por sus constantes dudas de pertenecer al cuerpo más despreciado de Ankh-Morpork. La serie nos los presenta como unos anti-héroes que tomaran las riendas de una investigación que involucra a los diferentes gremios de la ciudad, incluyendo a los intocables magos, en la que intervienen el tráfico de drogas y el robo de un poderoso grimorio de la biblioteca de la Universidad Invisible.

 

 

El universo creado por Pratchett es tremendamente complejo de llevar a la pantalla, y una vez más queda demostrada esta dificultad con “La Guardia”. La propia Ankh-Morpork es víctima de esta adaptación, en la que las tabernas de jarras y barriles se han convertido en bares con luces negras que hacen brillar fosforescencias multicolores. La Propia Universidad Invisible, templo del saber mágico y primer edificio que se construyó alrededor del cual se desarrolló la ciudad, queda desdibujada en una arquitectura moderna e impecable. Igual ocurre con el palacio del Patricio que gobierna la ciudad, el non plus ultra de la arquitectura palaciega y limpieza. Pratchett siempre dio a la ciudad una sensación de caos constante y del desasosiego de sus habitantes de ser robados o asesinados con total impunidad, y eso no lo encontramos en la serie, donde todo tiene un orden y cierta lógica. La aparición de personajes recurrentes como el archicanciller o el bibliotecario sólo hacen que afirmar esa sensación de falta de surrealismo en la serie y que tanto se agradece en forma de carcajadas en los libros. Tampoco hay rastro de los comentarios perspicaces e irónicos con los que el genial autor llenaba sus páginas.

Ahora vamos a dejar de lado el mundo literario y nos vamos centrar en la serie en sí, como si no estuviera basada en los personajes de Sir Terry Pratchett. Nos encontramos ante un producto muy bien hecho. Muy logrado. La mezcla de acción y misterio dentro de un mundo imaginario al más puro estilo de fantasía medieval, adornado con unos efectos especiales más que resolutivos y una ambientación tremendamente lograda, con una variedad enorme de personajes y situaciones de lo más dispares es una fórmula ganadora segura. Como veis no todo es malo en “La Guardia” y si conseguís superar los primeros dos tercios del primer capítulo os encontrareis con un espectáculo que mezcla muy buenas escenas de acción, momentos para el humor más disparatado y un misterio en forma de libro robado. Desde aquí sólo os puedo decir que a partir del segundo episodio la cosa gana en interés y expectación, y tal como dice La Muerte en la frase que cierra el primer episodio: “Al principio se hace pesado pero engancha”.

 

 

Por otro lado, los lectores de las sagas de Pratchett verán que sus personajes preferidos no han sido respetados y se quejarán de que hayan modificado su esencia para convertirlos en seres carismáticos dando lugar a un espectáculo dirigido a todos los públicos. Cosas del show-business,  que actúa así cuando quiere hacer un producto atrayente para el espectador,  y “La Guardia” cumple con todas estos requisitos. En esta dicotomía me encuentro, entre la decepción por un producto que no es fiel al original y la sorpresa por encontrarme una serie de fantasía a la que se le han puesto gran cantidad de recursos para hacerla atractiva a un público mayoritario. Decidan ustedes, yo tan solo tengo un último mensaje para los no avezados con el mundodisco: mucho antes que Hogwarts ya estaba la Universidad Invisible.

 


Albert Solé Jerez
www.japaniums.blogspot.com

 

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Series

¿Cuándo se estrena la tercera temporada de “Titans”?

La acción se trasladará a Gotham y se introducirán nuevos personajes

 

Este próximo 22 de julio de 2021 por fin disfrutaremos del retorno de la serie “Titans” en HBO Max, plataforma donde se emitirá un triple episodio de bienvenida de su nueva tercera temporada.

La acción se trasladará a Gotham, lo que nos llevará a la introducción de un personaje clave como Barbara Gordon (Savannah Welch), en su versión de Oráculo, y quién sabe si también conoceremos a su padre y al Joker, que parece que tendrá un gran peso en la historia. Además también veremos a Jason Todd transformado en Red Hood, Tim Drake hará su debut con Jay Lycurgo interpretándolo, Starfire estrenará nuevo atuendo y que nuestros héroes se enfrentarán al Espantapájaros.

 

 

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Series

“Terminator” llegará en formato anime a Netflix

Sorpresa mayúscula para los fans de la franquicia y del anime

 

La franquícia “Terminator” estará muy pronto de vuelta, esta vez en formato anime y en Netflix. La compañía de streaming ya habría encargado su producción, aunque se encuentra en una fase muy temprana. Lógicamente, los detalles de la trama, así como el punto de la cronología de Terminator en la que se situaria la producción, son desconocidos.

Lo único que sabemos sobre la trama es que tratará más la parte de la guerra entre los robots y los humanos que la que históricamente han tratado las películas: “La nueva serie animada explorará este universo de una manera que nunca antes se había hecho. No podemos esperar a que los fanáticos experimenten este increíble nuevo capítulo en la batalla épica entre máquinas y humanos”,  aseguró John Derderian, vicepresidente de Netflix de Japón y anime.

Terminator será, por tanto, otra de las grandes franquicias que la compañía trasformará en anime como “Castlevania” y “Blood of Zeus”. Además de “Terminator”, Netflix tiene pendiente el estreno de una serie animada de “Splinter Cell” y un anime derivado de la película de Zack Snyder, “Army of the Dead”.

 

 

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